Royal Academy of Fine Arts di Anversa presenta i suoi studenti sulla piattaforma “WWWSHOWWW”

Mohammed El Marnissi è nato in Marocco, cresciuto in Spagna e poi si è trasferito con i genitori in Belgio, dove ha studiato arte al liceo e in seguito ha scelto fashion design. Ha presentato una collezione ispirata da una storia d'amore nata nel Medio Oriente tra Cuz e Damar, appartenenti a tribù in aperto conflitto, che si incontrano per caso in cima a una montagna e si innamorano. Nonostante i pericoli, continuano a vedersi in segreto e creano un labirinto nei pressi della montagna, in cui chiunque cerca di seguirli è destinato a perdersi. Un giorno, Cuz viene ucciso durante un attacco della tribù nemica e Damar, seppure distrutta dalla morte del suo amato, invece di cercare vendetta, sceglie la pace e mette fine al conflitto, unendo le due tribù e fondando la città di Damasco, il cui nome deriva da quelli di Damar e Cuz. Questa storia si fonde con temi tipici degli anni '60 e '70, caratterizzati dal concetto d'amore a diversi livelli.
La collezione è un tributo a chiunque cerchi di essere sempre se stesso e contrastare il modo di pensare dei nostri giorni. El Marnissi si chiede quanto sarebbe bello, se potessimo fare ciò che ci piace davvero e indossare solo ciò che amiamo. Nella sua cultura d'origine, agli uomini, per esempio, non è permesso indossare la seta o altri indumenti e tessuti considerati troppo femminili. Il designer sceglie di mettere in discussione questi standard, proponendo una collezione colorata e gender neutral, che visualizza il modo in cui lui interpreta il mondo. 

Kaya Gayoung Lee viene da Busan, nella Corea del Sud. La sua collezione è stata ispirata dal film "Il colore dei melograni", diretto dal regista russo Sergei Parajanov, e incentrato sulla vita del poeta armeno Sayat-Nova. In particolare, la designer è stata affascinata dai simboli e le espressioni di tipo universale utilizzati per descrivere l'amore come un bersaglio, una freccia, un colpo al cuore. Partendo da una concezione pessimista dell'amore e credendo che ogni storia sia destinata a finire, Gayoung Lee ha sempre cercato di capire cosa spinga la gente ad appassionarsi tanto alle canzoni e poesie d'amore. Così ha voluto traslare nella collezione espressioni d'amore che possono essere interpretate anche come cliché, utilizzando ad esempio il "bersaglio" e la "freccia" nei gioielli che raccolgono i tessuti e sciolgono i drappeggi sul petto, facendo dei suoi abiti la materializzazione delle metafore amorose. 

Giorgia Galfré, italiana, viene da Cuneo. Dopo aver frequentato il liceo artistico, a diciannove anni si trasferisce da sola ad Anversa per realizzare il suo sogno. Si è iscritta anche alla scuola serale di ceramica dell'Accademia, cosa che si è tradotta nei bottoni, nelle chiusure, nei bracciali e gli accessori, realizzati a mano in ceramica e porcellana. Con la sua collezione genderless, la designer compie un'analisi retrospettiva personale di un'Italia che ha cambiato sessantacinque governi negli ultimi settant'anni e ha bocciato il DDL ZAN (legge contro l'omofobia e la transfobia). Galfré esamina queste tematiche, ma anche temi come il razzismo, l'immigrazione, la disoccupazione, il sessismo, la misoginia, la corruzione dei leader che dovrebbero fungere da esempio e il coinvolgimento della chiesa cattolica. Al tempo stesso, si lascia ispirare dall'idealizzazione della donna italiana e dai film degli anni '60, in particolare dalle pellicole di Vittorio de Sica e Federico Fellini – e le loro muse Sofia Loren e Claudia Cardinale – ricreando le atmosfere della “Bella Vita” che ha fatto la fortuna dell'Italia nel mondo. La designer ha utilizzato fibre naturali organiche, fibre di poliestere riciclate, tessuti vegani, metallo e argilla. Le silhouette diventano satire che trasmettono messaggi. I pezzi vengono indossati al rovescio: abiti trasparenti e top sopra blazer e camicie con fodere capovolte e spalle larghe. I colori sono quelli della bandiera italiana ma distorti per trasformare il rosso in rosa, verde scuro e verde limone.

Angelika Öllinger è austriaca e si è diplomata presso una scuola di moda in Austria, prima di trasferirsi in Belgio a diciannove anni per frequentare la Royal Academy. Ha fatto anche apprendistato da Ann Demeulemeester e Iris Van Herpen. La sua collezione è stata ispirata da un'opera d'arte di Liz Bachhuber, la cui filosofia è incentrata sul contrasto tra l'uomo e la natura, ovvero tra la trasparenza e il legno, i materiali naturali e quelli artificiali. Allo stesso modo, la designer sceglie un abbinamento tra haute couture e purezza, moda raffinata e abbigliamento di uso quotidiano. Öllinger ha fatto ricerche sui canoni degli anni '40, quando le donne iniziarono a indossare abiti da uomo – e si è anche ispirata al lavoro della fotografa Jackie Nickerson, che ha ritratto i braccianti del mercato dei fiori indiani, che indossavano abiti da lavoro ruvidi per trasportare fiori tanto fragili. L'impatto della moda sull'ambiente è un tema importante e ha spinto la designer a fare un esperimento, appendendo una maglietta lungo la riva del fiume di Anversa, per vedere quanto sarebbe cambiata nel tempo. Dopo qualche settimana, la maglietta mostrava delle macchie di ruggine sul tessuto bianco, immagine da cui proviene l'idea della tintura di ruggine sulla prima silhouette della collezione. La designer ha anche utilizzato pezzi di vetro rotti trovati vicino al fiume per le stampe. 

Marc Pengel è nato in Curaçao e le sue origini contraddistinguono la sua collezione, permeata dalla cultura caraibica e africana. Il punto d'inizio sono state le ricerche fatte sugli Herero, una tribù africana della Namibia che nel XIX secolo era in conflitto con l'esercito coloniale tedesco. Gli Herero credevano che indossando l'uniforme del nemico avrebbero diminuito il suo potere e trasferito parte della sua forza a chiunque la portasse. Pengel ha poi ripreso elementi della sua vita come i giocattoli Lego, il secchio di plastica in cui doveva lavare i piatti e i videogiochi. Gli oggetti in plastica colorata che finivano e restavano nelle discariche per oltre cento anni vengono riportati in vita, intraprendendo un nuovo percorso. Il designer immagina un futuro in cui l'unica sopravvissuta, una donna di colore, esplora la sua eredità tribale per ricostruire ciò che ne è rimasto, dando vita a un forte legame con l'organico e i campi, un tempo solo usati e maltrattati, che diventano una cosa sola con la donna stessa. I suoi discendenti vengono dalla polvere e sono come lei, gentili, ma forti, coscienti e sanno stare al mondo.

Luca Holzinger viene da Zurigo, in Svizzera, e si è trasferito ad Anversa quattro anni fa subito dopo il liceo. Suo padre è architetto e il suo lavoro suscita il suo interesse per tutti i tipi di design, sin dall'infanzia. La collezione è un'ode a sua nonna, che ha avuto il coraggio di liberarsi da una relazione forzata e ha scelto una vita che potesse renderla felice. Per concretizzare l'idea, il designer utilizza un'allegoria, ovvero una giovane segretaria che passa davanti a un fiume mentre va al lavoro, non riesce a resistere e fa una nuotata anche se non dovrebbe. Quando arriva in ufficio è tutta in disordine, ma si sente più libera e molto più bella. Stilisticamente parlando, la collezione enfatizza il rapporto tra tagli e stampe. Alcuni pezzi sembrano sbiaditi dal sole, altri bagnati – e gli abiti di taglio sartoriale si alternano ai costumi da bagno. Visualmente, lo scopo della collezione è di ritrarre una persona altrettanto bella e sofisticata.