Arte Bárroco

UNIVERSIDAD NACIONAL DE SAN AGUSTIN

FACULTAD DE ARQUITECTURA Y URBANISMO
VISIÓN GENERAL DE LA HISTORIA
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Arte barroco
Castro Díaz, Fabricio Daniel Garibay Díaz, Carlos Alfredo

Escobar Mendoza, Diana Karen Huaman Rojas, Yuber Enrique
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ÍNDICE
INTRODUCCIÓN.......................................................................................................................4
RESUMEN..................................................................................................................................1
1. GENERALIDADES.............................................................................................................2
1.1. CONTEXTO HISTÓRICO...................................................................................2
1.1.1. La decadencia política y militar........................................................................2
1.1.2. La crisis social y económica.............................................................................2
1.2. ANTECEDENTES...............................................................................................3
1.2.1. Antecedentes Sociales y Psicológicas...............................................................3
1.2.2. Antecedentes Político Religiosas......................................................................3
1.3. CARACTERÍSTICAS GENERALES..................................................................4
1.3.1. Barroco español................................................................................................4
1.3.2. Barroco europeo...............................................................................................5
1.3.3. Barroco al neoclasicismo..................................................................................5
1.4. CONTEXTO GEOGRÁFICO..............................................................................5
2. EL BÁRROCO EN FRANCIA............................................................................................6
2.1. CETRALISMO Y ABSOLUTISMO................................................................7
2.2. URBANISMO..................................................................................................9
2.3. ARQUITECTURA.........................................................................................10
2.4. ESCULTURA.................................................................................................12
2.5. PINTURA.......................................................................................................13
2.6. DANZA..........................................................................................................15
2.6.1. El desarrollo del ballet: el ballet de cour........................................15
2.6.2. La danza de sociedad.....................................................................16
2.6.3. Las primeras bailarinas profesionales............................................16
2.6.4. Los bailes de máscaras...................................................................16
2.7. MÚSICA........................................................................................................17
3. EL BÁRROCO EN ITALIA..............................................................................................18
3.1. LITERAURA.............................................................................................................18
3.1.1. Poesía........................................................................................................19
3.1.2. Prosa..........................................................................................................19
3.1.3. Teatro.........................................................................................................20
3.2. MUSICA....................................................................................................................21
3.2.1. La música religiosa................................................................................21
3.2.2. El oratorio..............................................................................................21
3.2.3. La cantata...............................................................................................21
3.2.4. La música instrumental..........................................................................22
3.2.5. Compositores.........................................................................................22
3.3. ARQUITECTURA.....................................................................................................22
3.4. PINTURA...................................................................................................................24
3.4.1. Características....................................................................................24
3.4.2. Temas tratados en la pintura barroca de Italia....................................24
3.4.3. Tendencias.........................................................................................24
3.4.4. Pintura y artes decorativas.................................................................28
3.5. ESCULTURA............................................................................................................30
3.6. DANZA......................................................................................................................32
4. BÁRROCO EN ESPAÑA..................................................................................................33
4.1. ARQUITECTURA.................................................................................................34
4.2. ESCULTURA.........................................................................................................38
4.2.1 La escultura castellana........................................................................................38
4.2.2. La escuela andaluza............................................................................................40
4.2.3 El pleno barroco..................................................................................................44
4.3. PINTURA...............................................................................................................46
4.3.1 Rasgos característicos:........................................................................................46
4.3.2 Cronología, coordenadas históricas y características generales del barroco........46
4.3.3 Características generales de la pintura barroca en España..................................47
4.3.4. La incorporación del tenebrismo a la pintura barroca española.........................47
4.4. MÚSICA................................................................................................................49
4.4.1 Elementos...........................................................................................................49
4.4.2 Música Vocal......................................................................................................49
4.4.2. Música Instrumental...........................................................................................51
CONCLUSIONES.....................................................................................................................53
BIBLIOGRAFÍA........................................................................................................................54
INTRODUCCIÓN
Para algunos historiadores, la noción estética “barroco” es una categoría permanente y
recurrente pues, tras un periodo clásico, sigue otro barroco (es una “teoría” sobre la
evolución de los estilos) En sentido cronológico, que es el que ahora nos interesa, el término
se restringe para designar el estilo artístico del XVII y primera mitad del XVIII. Este
concepto apareció en la Historia del Arte en el siglo XVIII y sus creadores fueron los
teóricos del Neoclasicismo.
El estilo Barroco nace en Italia durante el último tercio del siglo XVI y perdurará hasta
bien entrado el siglo XVIII. A la palabra barroco se le atribuyó un sentido peyorativo, ya
que procede de la voz portuguesa barrueco, que significa perla irregular, y define al barroco
como caracterizado por lo artificioso. A lo largo de mucho tiempo se le consideró un estilo
deshonroso y una simple degeneración del Renacimiento. Pero por suerte ya ha sido
superada esta fobia y actualmente es considerada una de las corrientes más bellas e
importantes del arte.
El Barroco conserva, en principio, las formas propias del Renacimiento, pero las fue
modificando para hacerlas más flexibles e imprimirles una movilidad y un sentimiento
desbordante, hasta alejarlas del equilibrio y del clasicismo renacentistas.
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EL ARTE BÁRROCO
RESUMEN
El Barraco fue un movimiento artístico y cultural desarrollado en Europa en los siglos XVII
y parte del XVIII, que abarcaba no solo pintura, escultura y arquitectura, sino también
música, literatura y todas las artes de la época.
Este estilo se desenvuelve en un ambiente de conflictos religiosos, con la división del

cristianismo, la crisis del clasicismo y la evolución del manierismo; era una sociedad donde
el gusto por lo extravagante, lo elegante y lo refinado (ornamentación excesiva) es
característico; además de una nueva actitud espiritual e interés por los problemas religiosos
y artísticos.
En el desarrollo del arte barroco influye de manera decisiva la Iglesia de la Contrarreforma,

en la que la Iglesia Católica renuncia a las naciones protestantes, esta situación exige que la
Iglesia Católica se vea en la necesidad de hacer una campaña “propagandística” que la lleva
a convertirse en el mejor cliente del arte y los papas en los principales mecenas. La
principal riqueza de este estilo artístico radica en la poca homogeneidad que encontramos
en él, así hemos podido ver como el barroco francés, clasicista, poco tiene que ver con el
italiano e incluso con el británico. Lo mismo ocurre con la escultura y con la pintura,
especialmente la española, que como hemos visto depende del artista el mayor o menor
grado de utilización de las técnicas propias del barroco.
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EL ARTE BÁRROCO
ARTE BÁRROCO
1. GENERALIDADES
1.1. CONTEXTO HISTÓRICO
1.1.1.La decadencia política y militar
El siglo XVII fue para España un período de grave crisis política, militar, económica y social
que terminó por convertir el Imperio Español en una potencia de segundo rango dentro de
Europa. Los llamados Austrias menores -Felipe III, Felipe IV y Carlos II- dejaron el gobierno
de la nación en manos de ministros de confianza o validos entre los que destacaron el duque de
Lerma y el conde-duque de Olivares. En política exterior, el duque de Lerma, valido de Felipe
III, adoptó una política pacifista y logró acabar con todos los conflictos heredados del reinado
de Felipe II. Por el contrario, el conde-duque de Olivares, valido de Felipe VI, involucró de
lleno a España en la guerra de los Treinta Años, en la que España sufrió graves derrotas
militares.
Durante la segunda mitad del siglo, Francia aprovechó la debilidad militar española y ejerció
una continua presión expansionista sobre los territorios europeos regidos por Carlos II. Como
consecuencia de esta presión, la Corona española perdió buena parte de sus posesiones en
Europa, de modo que a principios del siglo XVIII el Imperio español en Europa estaba
totalmente liquidado.
En política interior, la crisis no fue menos importante. El duque de Lerma procedió a la

expulsión de los moriscos (1609), con lo que se arruinaron las tierras de regadío del litoral
levantino, y permitió la generalización de la corrupción administrativa. Posteriormente, la
política centralista del conde-duque de Olivares provocó numerosas sublevaciones en Cataluña,
Portugal, Andalucía, Nápoles y Sicilia. La rebelión catalana fue sofocada el año 1652, mientras
que la sublevación portuguesa desembocó en la independencia de ese país (1668).
1.1.2.La crisis social y económica
En el siglo XVII, España sufrió una grave crisis demográfica, consecuencia de la expulsión de
casi 300.000 moriscos y de la mortalidad provocada por las continuas guerras, el hambre y la
peste. La sociedad española del siglo XVII era una sociedad escindida: la nobleza y el clero
conservaron tierras y privilegios, mientras que los campesinos sufrieron en todo su rigor la crisis
económica. La miseria en el campo arrastró a muchos campesinos hacia las ciudades, donde
esperaban mejorar su calidad de vida; pero en las ciudades se vieron abarcados al ejercicio de la
mendicidad cuando no directamente a la delincuencia.
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EL ARTE BÁRROCO
Por otra parte, la jerarquización y el conservadurismo social dificultaban el paso de un

estamento a otro y sólo algunos burgueses lograron acceder a la nobleza. La única posibilidad
que se ofrecía al estado llano para obtener los beneficios que la sociedad estamental concedía a
los estamentos privilegiados era pasar a engrosar las filas del clero. Este hecho, unido al clima
de fervor religioso, trajo como consecuencia que durante el siglo XVII se duplicara el número
de eclesiásticos en España.
1.2. ANTECEDENTES
1.2.1.Antecedentes Sociales y Psicológicas
El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea.
La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también era más
necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre barroco. En ese
contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida, así como el movimiento y
el color, como si de una magna representación teatral se tratase. De hecho, se ha indicado con
acierto que, en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la agitación y vistosidad de la
representación teatral. Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado
vistoso y efímero, la arquitectura barroca se subordina a la decoración, que ha de ser
espectacular. Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura,
escultura y la pintura es el juego de las sombras. En la estética del barroco, son muy importantes
los contrastes claroscuritos violentos. Esto es apreciable fácilmente en la pintura (por ejemplo,
el tenebrismo) pero también en la arquitectura, donde el arquitecto barroco juega con los
volúmenes de manera abrupta con numerosos salientes para provocar acusados juegos de luces
y sombras, como se puede apreciar, por ejemplo, en la Basílica del Pilar de Zaragoza
Los grandes artistas de esta época, fueron Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini,
destacándose en la arquitectura.
1.2.2.Antecedentes Político Religiosas
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la
severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos
con profusión de escultura.También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que
tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas
escandalosas. Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los
artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos. Estas
normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso y
recargado que llamamos Barroco.
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EL ARTE BÁRROCO
1.3. CARACTERÍSTICAS GENERALES
En la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia espectacular hacia lo decorativo, un

abandono de las reglas de la estética clásica, una búsqueda de originalidad a toda costa, un
predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad, una exploración minuciosa
de la sicología humana y un gusto desmesurado por la ampulosidad.
Tradicionalmente, se denomina "Barroco" al período de transcurre desde 1600 a 1750. La

especial actitud estilista que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de madurez
en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de este momento se
difundió por todas las naciones de Europa, adquiriendo particular importancia en España y en
las ciudades hispanoamericanas.
El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo. Frente a la
tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin
decoración, la iglesia católica usará para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la complejidad
barrocas. En este sentido, se puede afirmar que el barroco es la expresión estética de la
Contrarreforma.
1.3.1.Barroco español
El siglo XVIII es el siglo del barroco, en que España está viviendo las últimas consecuencias del
concilio de Trento. En España es un barroco que todavía no es muy recargado, porque está
viviendo todavía las influencias de Herrera.
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EL ARTE BÁRROCO
Ilustración 1: La rendicion de breda (las lanzas)
1.3.2.Barroco europeo
La arquitectura se caracteriza por el rompimiento de los frontones; se encurvan los

entablamentos; hay una utilización de las columnas salomónicas (fuste retorcido), utilización
del estípite; los planos se encurvan; hay una intención de provocar juegos de perspectiva y
efectos de luz.
Las bóvedas se cubren con telares repletos de personajes para conseguir la ilusión del espacio.
Hoy lo que llamaríamos una decoración vegetal.
Como características especiales, el Barroco español tiende hacia los exteriores; el Barroco
europeo, lo hace hacia los interiores y a las artes aplicadas.
1.3.3.Barroco al neoclasicismo
En el arte del siglo XVIII en un primer momento se continúa con el barroco pero ya con
elementos muy recargados, como es la arquitectura de los Churrigera.
Tenemos como obras importantes del barroco: la fachada de la catedral de Santiago de

Compostela (a la derecha), el hospicio de Madrid, el palacio de Aranjuez... La segunda mitad
del siglo XVIII es una vuelta al clasicismo.
1.4. CONTEXTO GEOGRÁFICO
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El barroco nace en Italia, a finales del siglo XVI, extendiéndose y dominando toda Europa,
como una corriente artística-literaria frente a las tendencias paganas del Renacimiento,
aglutinándose en el movimiento religioso conocido como Contrarreforma. Estas inquietudes
trascendieron y se reflejaron en la literatura y en el arte. Por todo lo cual, el Barroco, ha sido
considerado como movimiento unido y usado por la Contrarreforma. Se extendió y alcanzó una
gran pujanza en América en el S. XVII, llevado por los jesuitas.
Su espíritu y su significación está ligado a los poderes imperantes de aquella época: la Iglesia y
las Monarquías Absolutas. Se trata de un estilo majestuoso, dinámico, efectista y teatral. Cada
arte, pintura, escultura, arquitectura, etc., va a seguir una serie de cánones estilísticos acorde a
su naturaleza con el fin de resaltar aquellas ideas o fórmulas que el poder deseaba transmitir.
Ilustración 2: Extensión Europea (Barroco)
Ilustración 3: Extensión Mundial (barroco)
2. EL BÁRROCO EN FRANCIA
Frente a la exuberancia de formas y emociones que caracterizan al barroco de otros países de
Europa, Francia produce en este periodo un arte dominado por la razón, fiel reflejo de la
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monarquía absoluta imperante. Orden y armonía son las principales características a las que se
someten los diferentes géneros, con objeto de lograr obras estéticamente majestuosas y
equilibradas.
El impulso artístico surge con el reinado de Francisco I con la realización del palacio de
Fontainebleau, influyo de forma directa en las primeras realizaciones del siglo XVII. Estas a su
vez serian la base para el posterior desarrollo de la escuela francesa.
Ilustración 4: salón de los espejos del palacio de Versalles, paradigma de la arquitectura barroca francesa, pone de
referencia la elegancia idealizada propia de fines del siglo XVIII.
1. CETRALISMO Y ABSOLUTISMO
El arte francés tuvo como centros generadores la ciudad de parís, sus alrededores y en especial
Versalles.
Cuando Enrique IV fue aclamado rey de Francia en 1594, luego de superar la guerra civil
provocada por el fanatismo religioso, decidió realizar todos los esfuerzos por la potenciación de
la capital de su reino. Más adelante con el reinado de Luis XIV en 1661, la monarquía consolido
la política absolutista, controlando a la nobleza y ennobleciendo a la burguesía. Versalles que
era un pabellón de caza, se convirtió en el modelo de todo el arte francés de finales del siglo
XVII e inicios del siglo XVIII.
El centralismo parisino eclipso las llamadas escuelas locales que solo sobrevivieron a algunos
pintores. Todos los artistas franceses fueron atraídos por la corte o por otro centro de mayor
dinamismo plástico. Roma se convirtió en el segundo núcleo más importante del arte francés.
 Los promotores del arte
Los primeros clientes fueron los monarcas. Esto se dio tanto en arquitectura como en la plástica,
de hecho, la pintura no puede ser analizada si no es en relación con la monarquía. La pintura
francesa contempla los deseos potenciadores de la realeza, y los cuadros guardan una relación
con los deseos coleccionistas del rey. Eran también la temática paisajista, mitológica, bodegón y
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en menor medida la pintura religiosa, ya que no fue patrona importante en comparación con
Venecia, estas temáticas adornaban las grandes obras arquitectónicas.
Ilustración 5, la felicidad de la regencia, de Peter Paul Rubens (óleo sobre lienzo)
 Dictadura
Antes de 1661 los artistas disfrutaban de libertad creativa, pero a partir de la coronación de Luis
XIV, el estado se obsesiono por el control de todos los ámbitos, normativizar la producción
artística colocando bajo su tutela a todo artista, escultor o arquitecto, imponiendo las normas de
gusto propio.
a partir de la instalación de la Academie royale de peinture et sculpture en 1648, todos los

puestos oficiales, los encargos públicos, los títulos, la enseñanza, los premios, las pensiones y
exposiciones dependían de ella. Las reglas que expedía la academia eran de obligado
cumplimiento, sin duda esto conducía a una monotonía del arte y cortaba la libertad creadora.
Todo esto era el resultado que Luis XIV esperaba, crear un arte francés que emulara el gran arte
de la roma papal
 La cultura del artista
Los promotores del arte barroco buscaron en el arte la expresión de una idea concreta, la
exaltación de un rey o de alguna institución, la ejemplificación de la virtud. Y así alegorías,
símbolos mitología y escrituras, esto denotaba el amplio conocimiento de dichos temas por
parte del artista.
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Ilustración 6, retrato de Luis XIII, realizado por Philippe de Champaigne
2. URBANISMO
 Transformación de parís
París inicio su transformación urbana a principios del siglo XVII, los cambios más
significativos se produjeron en el reinado de Enrique IV. El primer proyecto fue la plaza
dauphine, abre una vía rectilínea que lleva por el norte a la iglesia de Sain-Eustache y por el sur
a la puerta de Saint-Germain creando así el primer eje urbano de parís. Sin embargo, la gran
transformación urbana de París se debe a Sebastien Vauban y André Le Notre. Le notre creo el
primer plan urbanístico, demolió las murallas de la capital cambiando el sistema defensivo por
terraplenes cubiertos de hierba. Los boulevares del parís de Luis XIV tiene 36 metros de ancho,
donde cruzan las avenidas radiales se levantan arcos triunfales, que eran puramente simbólicos
expresando el contenido fundamental del sistema espacial.
 Le nôtre y el urbanismo de jardines
Le Nôtre rompe con el jardín renacentista, de clara organización estática, e introduce un sistema
de ejes y diversidad de espacios. Sin embargo, la organización es simple, parte de un eje
longitudinal que tiene como final del recorrido la percepción de un espacio infinito. El jardín
francés es un lugar lúdico y festivo y un escenario restringido a la nobleza, a la que se quiere
impresionar, es en definitiva un urbanismo abierto, en contacto con la naturaleza, que busca la
integración de las partes de un todo organizado. La gran primera obra de le Notre fue la
planimetría de los jardines del palacio de Vaux-le-Vicomte, en ello se plasmó el edificio y la
naturaleza como un todo absoluto. Con este antecedente Luis XIV vio que su sueño Versalles
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podría realizarse, se adecuo para para las partidas de caza, la zona esta estructura por un gran
canal que señala direcciones. En definitiva, el proyecto de Versalles representa la realización del
ideal de la ciudad del siglo XVII, es decir, la conjunción de la delimitación, pero también
dinamismo y apertura.
Ilustración 7. Palacio y los esplendidos jardines de Versalles
3. ARQUITECTURA
TEORÍA ARQUITECTÓNICA
Los arquitectos franceses elaboraron diversas obras teóricas, fundamentalmente en la historia de

la arquitectura barroca francesa. En el libro paralelo entre arquitectura antigua y moderna de
Roland Freat, se establece las bases en la que se apoyan los arquitectos franceses, hombre
diletante, no académico, ni profesional formula el retorno de la pureza a la simplicidad, al
decoro de los órdenes clásicos: dórico, jónico y corintio. Así inicia una polémica que será el
centro de debate de los teóricos más importantes del siglo.
TIPOLOGÍAS Y TENDENCIAS
La arquitectura francesa del siglo XVII estuvo dominada por el impulso de la arquitectura civil,
es decir, castillos, palacios, casas de la burguesía incluso arquitectura religiosa. También se
destacó obras que referían a fiestas y luto
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Ilustración 8. Detalle del Altar en la iglesia Val-de-Grâce
ARQUITECTURA RELIGIOSA
Fue inferior en número y calidad a la civil, pero la arquitectura religiosa presenta aspectos
relevantes. Jacques Le-Mercier fue uno de los arquitectos más activos en la proyección de
edificios religiosos. Tuvo a su cargo la iglesia de la universidad de la Sorbona, la iglesia
presenta como elemento original la construcción de dos fachadas: una principal hacia la calle y
otra secundaria hacia el patio de la universidad, al solucionar el espacio interior en forma de
cruz griega alargada, la cúpula queda lejos de la fachada principal. Le-Mercier también se
encargó de iglesias hospitalarias como Val-De-Grace, Salpetriere, y los inválidos, este último
fue mandado construir por Luis XIV para acoger a los mutilados de la guerra.
ARQUITECTURA CIVIL
Francia centro sus esfuerzos en la arquitectura civil, la razón era que buscaba una independencia
de los modelos extranjeros. François Mansart fue el auténtico iniciador de la arquitectura clásica
francesa, su lógica de tratamiento de los volúmenes, su utilización de superposición de los tres
órdenes clásicos y el uso insistente de las mansardas, hacen de sus obras las más singulares del
siglo XVII en Francia, y lo convierten en el eje central de la arquitectura civil.
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Ilustración 9. Interior del palacio de Versalles
4. ESCULTURA
La escultura del siglo XVII iniciara una decadencia solo salvada por una serie de escultores
formados en su mayoría en Italia. Este proceso terminara en un estilo francés invariante en los
artistas de la época de Luis XIV
Ilustración 10. Esculturas los atlantes de Pierre Puget
LO ITALIANO COMO MODELO
En tiempos de Enrique IV, la influencia italiana se movió en el círculo del manierista

Giambologna, a su sombre numerosos artistas franceses a pesar de ser talentosos quedaron en el
anonimato.
Los primeros artistas que alcanzaron cierto renombre fueron Simon Guillain y Jean Warin.
Guillain realizo el monumento en honor a Luis XIII y Luis XIV, que son una muestra bastante
elocuente de su habilidad como broncista. Warin fue famoso por sus diseños de medallas y por
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la invención de máquinas de acuñación. Esto no solo le trajo prestigio, sino que se hizo con
envidias y acusaciones, por lo que termino acusado de falsificador de monedas.
LA CONFIGURACIÓN DE LA ESCUELA FRANCESA
Aunque Versalles capitalizo la producción del reinado de Luis XIV, dos escultores brillaron con
luz propia: Francois Girardon y Antoine Coysevox.
Girardon fue el que primero sentó las bases de la escultura clasista y lo hizo en su obra maestra
Apolo y las ninfas de Tetis. La originalidad de este grupo de esculturas radica en el tratamiento
de del desnudo y la solución de formar un grupo coherente. Coysevox quien fue discípulo de
Girardon, destaca con la creación de bustos. Paso del barroco berniniano evidenciado en el
busto de Lebrum, a un naturalismo, una livianidad y una delicadeza prerrococó, evidente en la
duquesa de Borgoña.
Ilustración 11. La Sorbona: la tumba del cardenal Richelieu
5. PINTURA
Los siglos XVII y XVIII son los siglos de oro de la pintura europea. Todos los artistas acuden a
Roma y son continuos los intercambios de pintores entre las cortes de Madrid, París, Londres,
La Haya. En Francia, el manierismo pervive hasta principios del XVII. Pasado este tiempo, la
pintura barroca francesa surge con dos vertientes: la naturalista, vinculad a la iglesia y la
burguesía, influida por el estilo de Carracci y Caravaggio, la clasicista, influida por el arte de la
corte de Luis XIV.
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EL ARTE BÁRROCO
DE LA TRADICIÓN A LA INNOVACIÓN
Una vez superados los últimos vestigios del manierismo tardío, la pintura francesa del
seiscientos entro en su gran periodo de la mano de Simon Vouet. Aunque la manera naturalista
y claroscurista ya había sido introducida, Vouet es quien mejor resume el espíritu de
Caravaggio. En su producción destacan Alegoría de la paz, en la que utilizo un colorido
veneciano, y la gran decoración del hotel Seguier.
Ilustración 12. Danza de la música del tiempo. Nicolas Poussin
LA ESCUELA CLASICISTA.
Nicolás Poussin representará en sus cuadros los sentimientos humanos, pero de una forma
serena, no exaltada, que era lo más habitual en el Barroco. Incluye en sus cuadros arquitectura
con un sentido heroico y erudito. Por estas dos características lo podemos considerar clasicista.
En su obra encontramos cuadros de tema mitológico, como El rapto de las sabinas, o de paisaje
geométrico como Los pastores en Arcadia.
EL GRAN INTÉRPRETE DE LA RELIGIÓN
Philippe de Champaigne trabaja la filosofía jansenista basada en la gracia divina. De sus obras
rescatamos la anunciación, donde presenta a maría con la cabeza agachada y con actitud de
asentimiento, la virgen es escogida como madre de dios. Realizo el cristo muerto, la samaritana,
la sagrada familia de la palmera, san Jorge matando al dragón y otros.
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Ilustración 13. Retablo de la presentación en el templo, Simon Vouet
6. DANZA
Las danzas que se bailan en los salones europeos seguían siendo básicamente las mismas que
se habían dado a lo largo del Renacimiento (pavana, gallarda, brandle…). Pero a partir de 1600,
surgirá una nueva danza que se convertirá en la protagonista del período: el minué.
1. El desarrollo del ballet: el ballet de cour

El ballet fue evolucionando dentro de la acorte francesa en la que había surgido e introducido
bailarines profesionales que sustituyeron poco a poco a los cortesanos, para quienes se
reservaba la entrada solemne y el gran ballet final. Bajo el reinado de Luís XIV (1643-1715), el
ballet inicia su época dorada con la creación del Ballet de cour, fruto de la colaboración de los
grandes artistas protegidos del rey: el coreógrafo Pierre Beauchamp, el dramaturgo Molière y el
compositor Jean Baptista Lully (1632-1687). El Ballet de Cour era una obra teatral bailada que
comenzaba con una obertura instrumental y terminaba en un gran ballet en el que, al menos una
vez al año, participaba el propio rey. El desarrollo dramático consistía en una serie de escenas
en las que se mezclaba el canto y la danza, interpretados ya exclusivamente por profesionales.
Se representaban bajo decorados espléndidos, y los bailarines, al principio sólo masculinos, iban
adornados con lujosas vestimentas y máscaras.
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EL ARTE BÁRROCO
Ilustración 14. Representación del ballet cour
2. La danza de sociedad
Sigue habiendo danzas destinadas al baile, algunas de tradición renacentista, pero otras de nueva
creación. Dentro de los pares de danzas, la combinación más frecuente será la formada por
Allemanda y Courante. Allemanda, de origen alemán, es una danza calmada de pasos de ritmo
binario y con una breve anacrusa inicial. Courante, su nombre deriva del francés “courant”
(correr) y es una danza rápida en ritmo ternario.
3. Las primeras bailarinas profesionales

El estilo francés se va refinando poco a poco haciendo énfasis en la colocación y la
coordinación de movimientos, buscando siempre la armonía y el equilibrio. Los bailarines y
maestros serán reclamados por toda Europa. El desarrollo de la técnica es mayor en los
hombres, pues llevaban unos pantalones cortos llamados tonnelet, mientras que las mujeres
veían limitados sus movimientos por los pesados trajes y los zapatos de tacón. Algunas de las
bailarinas más importantes fueron Mademoiselle de La Fontaine, Considerada la primera
bailarina solista. Debuto con la Real Academia de la Música con El triunfo del amor, tuvo tanto
éxito que se le permitió el coreografiar sus propias entradas en las óperas de Lully. Marie-
Therese Pardou, Bailarina francesa que fue pareja de los mejores bailarines de la época, sucedió
en la Academia de la Música a La Fontaine y fue alabada por su expresividad, fue la primera
bailarina francesa que actuó en Londres en 1700.
4. Los bailes de máscaras

Los bailes de máscaras elaboradamente decoradas eran realizados por miembros de la
aristocracia y de las clases altas, así como por la realeza durante la época del Renacimiento.
Como los invitados eran parte de la sociedad acomodada, llevaban ropa lujosa y elegante en
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concordancia con el estilo de sus máscaras, que eran decoradas artísticamente, muy coloridas y
con plumas. Era una forma de entretenimiento cortesano festivo que floreció en Europa entre el
siglo XVI y principios del XVIII, aunque con anterioridad se había desarrollado en Italia. Por el
uso de réplicas de macaras (máscaras) americanas coloridas y adornadas con plumas. Una
versión pública de la mascarada son las cabalgatas. La mascarada implicaba el uso de la música
y la danza, del canto y de la interpretación, dentro de elaborada escenografía, en los que el
marco arquitectónico y el vestuario podían estar diseñados por un arquitecto renombrado, para
representar una alegoría diferente que halagara al patrón. Los actores profesionales y los
músicos se contrataban para los aspectos hablados y cantados de la mascarada.
Ilustración 15.El Carnaval y los bailes de máscaras en el siglo XVIII
7. MÚSICA
Podemos decir que la música barroca en Francia comienza a consolidarse a mediados del siglo
XVII con el gran compositor Jean-Baptiste Lully que, a pesar de no ser francés de nacimiento
supone uno de los mejores representantes de la música en el Barroco francés. Fue el precursor
de la ópera en Francia, además formó parte del círculo de artistas próximos al monarca Luis
XIV. Además, también debemos de destacar a otro gran compositor para este momento, Marc
Antoine Charpentier, estando siempre a la sombra de Lully, siendo su máximo competidor.
Pasando al siglo XVIII nos encontramos con un cambio generacional muy importante,
apareciendo compositores de la talla de François Couperin (1668-1733), Louis Marchand
(1669-1732) el cual tuvo una fuerte competencia con Bach, y el gran Jean-Philippe Rameau.
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3. EL BÁRROCO EN ITALIA
Se originó en Italia, concretamente en Roma, a finales del siglo XVI.
En Italia hacia fines del siglo XVI, la pintura, la escultura y la arquitectura evolucionaron
del manierismo al estilo barroco temprano. En el siglo XVII, la ciudad de Roma se convirtió en
la capital católica de Europa y el triunfo se expresó en todas las artes. Arquitectos barrocos,
artistas y urbanistas magnificaban y vigorizaban las tradiciones clásicas y eclesiásticas de la
ciudad que se convirtió durante siglos en la capital del mundo del arte europeo, no sólo un foco
para los turistas y los artistas, sino también un punto de inflexión y de inspiración a lo largo el
mundo occidental.
No llegaría a ser denominación de un estilo hasta el siglo XIX, gracias a Burckhardt y Lubke,
dos historiadores que realizaron una detallada periodización de la historia del arte, dividiendo
aquello que antes solía llamarse en términos generales arte moderna, en "Renacimiento" y
"Barroco”.
Hasta finales del siglo XIX no se produjo una revalorización positiva de Barroco. Se adapta
mejor a Europa, ya que permite muchos eclecticismos inherentes al desarrollo artístico de los
diferentes países. A su juicio, el Barroco fue un período de decadencia, es decir, creían que las
artes florecieron en el Renacimiento, mientras en el Barroco se vinieron abajo.
1. LITERAURA
En Italia, el barroco no trajo consigo un número de grandes autores comparable al que surgieron
en España, Francia o Inglaterra. Sin embargo, sí se experimentó un relanzamiento de los
principales géneros literarios: la lírica, la prosa y el teatro, y en todos ellos hubo autores que
se hicieron su aporte en la historia de la literatura.
En la literatura barroca del siglo XVII, por tanto, se consolida el ingenio y la agudeza poética, la
búsqueda de la “maravilla” para sorprender al público erudito y elitista de la sociedad barroca.
Su máximo exponente será Giambattista Marino que ilustrará esta nueva poética con su extenso
poema de temática mitológica, Adone
3.1.1.Poesía
En lo referente a la poesía, Giambattista Marino fue el autor

de referencia. Profundamente barroco, Marino recargó su obra
con juegos de palabras y todo tipo de adornos. Muy
influenciado por Ovidio, su obra más importante fue Adonis,
una fábula mitológica extensa basada en la repetición
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continua, aunque con mucha variación estilística, de un argumento breve y sencillo acerca de
los amores de Venus y Adonis.
Su influencia en los poetas posteriores fue grande, y en torno a ella surgió una corriente poética
conocida como el marinismo.
Ilustración 16: Retrato de
Giambattista Marino
Con los cambios producidos en la sociedad del Antiguo
Régimen a principios del siglo XVIII, Italia vive una
evolución socio-política y cultural que motiva nuevos modelos culturales, orientados hacia una
crítica a la autoridad y hacia la imperante necesidad de acudir a la razón. La Arcadia busca
precisamente esta forma racional de comunicación poética. Con Pietro Metastasio,
precisamente, el melodrama italiano encuentra una forma perfecta y ejemplar, creando un nuevo
lenguaje poético de difusión internacional.
Italia participará a lo largo del siglo XVIII en el movimiento ilustrado que se había iniciado en
toda Europa y que ve en la razón el instrumento ideal para liberar al hombre del prejucio socio-
cultural, orientándolo hacia una sociedad justa y feliz. Estos principios ilustrados llegarán con
fuerza a la cultura lombarda que contribuye a este Iluminismo con la vigorosa actividad del
“Caffè” y con la poesía de Parini que mira a la sociedad con espíritu corrosivo, al mismo tiempo
que le exige un equilibrio racional. Estos presupuestos ideológicos serán descritos en su crítico
poema Il giorno
3.1.2.Prosa
En lo referente a la prosa, los autores que más destacaron lo hicieron no por su excelencia
literaria sino por la importancia del contenido de sus obras. Galileo Galilei es considera el
padre de la ciencia moderna, y escribió numerosas obras no sólo de tipo científico sino con un
claro interés divulgativo. Su prosa es sencilla, pero elegante y elaborada. Destacan entre sus
obras el Diálogo sobre los dos máximos sistemas del universo y el Diálogo sobre las nuevas
ciencias.
Giordano Bruno fue también un filósofo de gran fama en su tiempo, aunque además de sus
obras filosóficas escribió una comedia de título El candelero, y mostró su interés por el mundo
literario en De los heroicos furores, donde se posicionó claramente en contra de las normas
aplicadas a la poesía.
A finales del siglo XIX, con el nuevo Estado unitario, Italia se introduce en el contexto burgués
y liberal de Europa, modelando las bases de una nación moderna, mientras que surgen nuevas
fuerzas sociales que definen las primeras formas del mercado cultural. El positivismo y la
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mentalidad científica dominan la vida intelectual y las instituciones oficiales. Giosuè Carducci,
inmerso en una tradición clasicista, muestra un nuevo interés por esta sociedad de finales de
siglo. Su imagen poética reflejará la expresión oficial de la nueva Italia. Irrumpe entonces la
narrativa realista de un grupo de escritores sicilianos. Giovanni Verga, su máximo exponente,
crea un universo “verista” de la Sicilia profunda que choca con la realidad moderna de la vida
en la ciudad. I Malavoglia o Mastro Don Gesualdo representan este mundo popular siciliano que
Verga describe ofreciendo al lector una narración épica en una novela típicamente burguesa.
Tommaso Campanella fue otro pensador a la vez que poeta. Su obra maestra es una utopía,
género muy común en la época, llamada La ciudad del sol, en el que describe un estado
teocrático basado en principios de total igualdad y comunitarismo.
3.1.3.Teatro
En lo referente al teatro, el género que triunfó con mayor claridad fue el cómico, el conocido
como la comedia del arte. Este tipo de teatro, genuinamente italiano, era producido por
profesionales, y se basaba dentro de lo posible en la absoluta improvisación de unos personajes
enmascarados que representan a caracteres cómicos concretos. La trama se basa en la acción y
la intriga que los actores sean capaces de darle a la obra a través, fundamentalmente, de efectos
mímicos, sin olvidar nunca el fundamento cómico de toda la representación. Dados estos
condicionantes, es lógico que los autores no fueran la pieza más importante del género, sino que
fuesen los actores los que se llevasen los aplausos del público.
Desde su Venecia natal, Carlo Goldoni desarrolla su experiencia dramática y contribuye a la

reforma teatral desde su nueva concepción de “mundo” y “teatro”, creando espacios escénicos
en los que la nueva sociedad de principios ilustrados puede verse reflejada. En la segunda mitad
del siglo XVIII, sin embargo, se difunde en toda Europa una nueva sensibilidad, caracterizada
por el Neoclasicismo y por una pasión irrefrenable por el “negativo”. La obra de Vittorio Alfieri
en este periodo será ejemplar, particularmente su obra trágica que deriva de formas clásicas y
que opone la sensibilidad individual al horizonte histórico, explorando nuevos territorios
inéditos del yo.
2. MUSICA
3. La música religiosa
La música religiosa estuvo totalmente identificada con el panorama general la lírica del siglo
XVII, con la única diferencia de que en los templos no se permitía la estenografía.
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Las formas musicales religiosas adoptaron nombres distintos de las formas profana, pero las
diferencias en su espíritu y su estructura no fueron notables. Se siguieron practicando formas
religiosas del pasado, como la misa y el motete.
Pero la influencia de la época provocó otras nuevas formas, como el oratorio, la cantata y la
pasión. Sobre la severa polifonía religiosa anterior, cada una de las voces empezó a ser
sustituida por grupos de cuatro o más coros, llegándose a las monumentales construcciones
vocales de Agostino, que compuso una misa a 48 voces y Orazio Benèvoli, que escribió una
misa a 52 voces.
Durante el siglo XVII se puede hablar de tres formas diferentes de música religiosa: la polifonía
vocal, el solo acompañado de algunos instrumentos y el estilo concertante de voces e
instrumentos conjuntados.
4. El oratorio
El oratorio es una forma musical con partes líricas y dramáticas, donde los personajes no actúan,
sino que cantan una historia. Además de solistas intervienen el coro, la orquesta y un narrador o
cronista de escena. Los primeros textos de los oratorios fueron bíblicos, y escritos en latín,
después fueron religiosos, con carácter educativo y moral y escritos en italiano.
5. La cantata
La cantata tuvo un origen profano; su forma primitiva constaba de arias y recitativos que se
alternaban y a los que acompañaba un instrumento. Hay dos tipos de cantata, llamados cantata
de iglesia y cantata de cámara.
Parece ser que fue Alessandro Grandi con su obra “Cantate e arie a voce sole”, quien dio
nombre a la cantata en el año 1620.
A comienzos del siglo XVII se desarrollaron las cantatas en Italia y adquirieron mayor variedad
al introducir Luigi Rossi la alternancia de arias y recitativos.
La cantata procede del madrigal, remonta su origen a las Nuevas músicas de Caccini y fue
practicada por Monteverde, Cesti, Carìssimi y Scarlatti.
6. La música instrumental
La total independencia de los instrumentos con respecto a las voces, la aparición del virtuoso y
la búsqueda de nuevos timbres fueron los puntos de arranque de lo que más tarde se convirtió en
una floreciente música instrumental. Un iniciador de este género fue Giovanni Gabrieli con sus
canciones y sonatas.
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Un paralelismo entre la música vocal y la música instrumental la estableció el aria solista en el

mismo plano que la sonata solo, y las ornamentaciones y coloraturas compitieron con la
brillantez técnica del virtuoso instrumental.
Similar a la sonata y a la suite en su estructura, el concierto es una obra escrita para un solista o
grupo de solistas que contrasta con el resto de la orquesta. Según el marco donde se interprete,
será denominado concierto de iglesia o concierto de cámara.
De la sonata para un instrumento se pasó a la sonata para dos y más tarde para tres. Surgieron
así las primeras agrupaciones de cámara para las que escribieron estos músicos:
7. Compositores
 Giuseppe Torelli (1685-1709)
 Tomaso Albinoni (1671-1751)
 Filipo Vitali (1590-1653)
 Arcángelo Corelli (1653- 1713)
 Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano. Su
música contiene ya los elementos estilísticos esenciales de la nueva época estética.
 Claudio Monteverdi (1567-1641) es el primer gran compositor del Barroco que
inauguró este nuevo género en Italia y Europa. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo
gran importancia en el desarrollo de la música para teclado, en particular por sus
Toccatas para clavecín. A mediados de siglo, sobresale Giovanni Legrenzi(1626-1690).
 Arcangelo Corelli (1658-1711), Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725)
son los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta
principios del siglo XVIII.
 Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi (1675-1741), Domenico
Scarlatti (1685-1757) y [Giuseppe Tartini] (1692-1770) son los que más sobresalen,
representando la cumbre y ocaso barroca de su país
3. ARQUITECTURA
 Gusto por las plantas complejas y muchas veces centralizadas.

 Tendencia a la verticalidad. - Liberación de todo lo estático, liberación espacial.
 Antítesis entre espacio interno y externo.
 Predilección por las secciones curvas del muro (cóncavas y convexas).
 Fusión de la escultura, la pintura y la arquitectura.
 Arquitectura esencialmente retórica, encaminada a la persuasión.
 Triunfo de la ornamentación.
 Definición urbana de la arquitectura (fachada escenográfica).
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Ilustración 17: Plaza San Pedro de Bernini
La arquitectura del Barroco veneciano, siguiendo la tradición local, tuvo a Baldassarre

Longhena como su mayor exponente. Tras la peste de 1630 comenzó la construcción de Santa
Maria della Salute, de planta central. En el cuerpo octogonal de la basílica, Longhena añadió un
santuario bordeado a cada lado por dos ábsides, solución similar a la adoptada por Andrea
Palladio en la basílica del Santissimo Redentore, que acentúa el eje longitudinal del templo, una
nave convertida en el cuerpo central.
El estilo barroco es evidente en la conformación de la masa externa, sobre el Gran Canal: el

cuerpo octogonal, cubierto por una gran cúpula, está flanqueado por la corona del santuario y
dos torres-campanario. Longhena también construyó edificios civiles: la Ca' Pesaro presenta un
plan aparentemente convencional, pero el papel de luces y sombras sobre la fachada ricamente
decorada le confiere un estilo típicamente barroco. Los detalles plásticos llegan a su extremo en
la fachada de la iglesia del Ospedaletto (completada in la década de 1670), decorada con
atlantes, cabezas gigantes y máscaras de león. Otros arquitectos venecianos de la época
fueron Andrea Tirali42 (Tolentini, Palacio Manfrin Venier), Giuseppe Sardi (Santa Maria del
Giglio) o Domenico Rossi (San Stae, Ca' Corner della Regina).
4. PINTURA
3.4.1.Características
 Naturalismo, que desemboca en el realismo.

 Se representan todo tipo de realidades (lo bello, lo feo, lo agradable, lo desagradable...).
 Protagonismo del movimiento (línea abierta).
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 Importancia del color. El color predomina sobre el dibujo, sobre la línea. Es un

elemento fundamental, sobre todo a partir de los años 20 del siglo XVII. Al contactar
con la luz, resultan las formas. En este tratamiento del color existe una evolución: al
principio se representan masas homogéneas y compactas y más adelante pincelada más
suelta y técnica de la veladura.
 Relevancia de la luz. Pueden existir grandes contrastes que llevarán al tenebrismo. La
luz es utilizada para resolver el problema de la representación del aire que corre entre
las figuras, entre los diferentes planos. Se pretende plantear la perspectiva aérea. Para
ello, se usa la luz y la sombra, que dibujan el contorno y los planos.
 Profundidad continua. Muy natural y realista: las figuras se funden con el ambiente.
 Composiciones asimétricas, sin orden (antecedentes en el manierismo: Tintoretto). Se
prefiere la línea diagonal.
3.4.2.Temas tratados en la pintura barroca de Italia
 Hechos religiosos, especialmente místicos (visiones, milagros, etc.) y martirios de

santos.
 En estas pinturas religiosas suelen aparecer elementos que realzan el dramatismo
sagrado como nubes, ángeles, fuertes fuentes de luz, etc.
 Pasajes mitológicos. Aparecen frecuentes desnudos.
 Paisajes. No aparecen figuras, como único tema.
 Pueden ser paisajes urbanos o rurales.
 Bodegones o naturalezas muertas.
 Retratos, donde se capta no sólo el aspecto físico del retratado sino lo psicológico.
 Temas de género o de costumbre. Escenas de la vida cotidiana.
 Sucesos históricos.
3.4.3.Tendencias
 Tenebrismo
El principal artista de la pintura barroca tenebrista es, sin duda, Caravaggio.
Artista precursor del barroco en Roma fue Caravaggio, quien se convirtió en el principal rival
de Annibal Carracci. Obras como El Llamado y el Martirio de San Mateo (1599 -1600, San
Luis de los Franceses, Roma) encontraron cálida acogida y Caravaggio llegó a ser el guía de
toda una escuela de naturalistas barrocos. El naturalismo se extendió por toda Italia en las dos
primeras décadas del siglo 17 a través de pintores nativos como Orazio Gentileschi y hija
Artemisia, Bartolomeo Manfredi y Caracciolo, llamado Battistello, y más tarde por los
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extranjeros que trabajan en Italia, entre ellos el pintor francés Valentin de Boulogne, Gerrit
van Honthorst de los Países Bajos y el español José de Ribera.
Ilustración 18: Caravaggio. Marta y Maria Maddalena (1598-1599)-Detroit-Institute-of-Arts
Aunque de menor importancia en Italia después de 1630, el naturalismo barroco sigue

teniendo un enorme impacto durante el resto del siglo en todas partes de Europa.
 Clasicismo
El Barroco clasicista se opone al naturalismo de Caravaggio Se parte del naturalismo para

luego embellecerlo e idealizarlo. Se usan algunos elementos de artistas renacentistas
(Miguel Ángel, Giorgione, Rafael).
Su mayor característica es el eclecticismo. Toman del último manierismo la corrección

del dibujo, el protagonismo de la línea. De Venecia, toman la importancia del color y del
barroco. Una de las obras más importantes es "Huida a Egipto".
Ilustración 19: Huída a Egipto
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El Clasicismo dentro del barroco italiano triunfa en Bolonia, donde se crea la primera

Escuela de Bellas Artes.
El principal representante del clasicismo es Annibale Carracci. La familia Carracci tiene

mucha importancia porque supone la transición del último manierismo al primer barroco.
Annibal, su hermano Agostino y su primo Ludovico eran artistas boloñeses que tuvieron un
enorme impacto en el arte barroco en Roma. Aníbal llegó allí en 1595. Después de haberse
hecho famoso por sus frescos en Bologna, fue el encargado de ejecutar los frescos del cielo raso
(1597 – 1600) de la Galería del Palacio Farnesio de Roma, su obra más importante y un
monumento clave en el desarrollo del barroco clásica o ideal. El arte barroco apeló a artistas
como Guido Reni, Domenico Zampieri, llamado Domenichino y Francesco Albani, que fueron
entrenados por los Carracci en su taller en Bologna.
Otros clásicos barrocos, como los pintores franceses Nicolas Poussin y Claude Lorrain, llegaron
del extranjero para trabajar en Roma.
Ilustración 20: Paisaje en día tranquilo (1651) de Poussin
Ilustración 21: CARRACI. Bóveda del Palacio Farnese. 1597-1604
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 Pintura decorativa
Se trata de obras que se realizan para decorar las cubiertas de las grandes iglesias y palacios
del barroco. Utilizan pinturas que amplían ilusoriamente el espacio.
Lucas Jordán es uno de sus representantes y es el autor de la decoración de los techos del
casón del Buen Retiro, del Palacio Medici- Ricardi y de la sacristía de la Catedral de Toledo.
Tiépolo, por su parte, decoró la bóveda del Salón del Trono del Palacio Real con pinturas
dirigidas a ensalzar el poder de la monarquía española de los Borbones.
Otro punto de inflexión en la historia de la pintura barroca tuvo lugar a finales de 1620. Muchos
artistas intentaron introducir una mayor vivacidad y el drama en sus trabajos para crear ilusiones
de espacio ilimitado (ilusionismo). Desde 1625 hasta 1627 Giovanni Lanfranco pintó la enorme
cúpula de la iglesia de Sant ‘Andrea della Valle en Roma con su Asunción de la Virgen.
Aunque este fresco se inspiró en techos renacentistas de Correggio en Parma, prácticamente
abrumó a los espectadores contemporáneos con sus efectos ilusionistas exuberantes y se
convirtió en una de las primeras grandes obras maestras barrocas.
Ilustración 22: Assunzione de Giovani Lanfranco.
El trabajo de Lanfranco en Roma (1613-1630) y en Nápoles (1634-1646) fue fundamental para

el desarrollo de ilusionismo en Italia.
El fresco ilusionista era un medio particularmente importante para grandes pintores barrocos.

Pietro Berrettini, llamado Pietro da Cortona, ha desarrollado a un grado extraordinario obras
como el techo del Salón del Gran Palacio Barberini de Roma (1633-1639).
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Ilustración 23: Techo del Salón del Gran Palacio Barberini de Roma
Desde 1676 hasta 1679 Giovanni Battista Gaulli, también llamado Baciccio, pintó adoración del
nombre de Jesús en el techo de la Iglesia del Gesú en Roma.
Desde 1691 hasta 1,694 mil Andrea Pozzo pintó La entrada de San Ignacio en el Paraíso para el
techo de San Ignazio en Roma, con la misma teatralidad, drama y emoción que había
caracterizado alta pintura barroca durante todo el siglo.
 Pintura paisajística
Existió un grupo de pintores que trabajaron en la primera mitad del siglo XVIII, que
representaban paisajes venecianos. Se trata de Canaletto y Guardi.
En sus obras se dará gran importancia a la profundidad y a la representación de los edificios.
 Iconografía
En la Europa católica son frecuentes los temas de carácter religioso rechazados por los
protestantes, en un afán combativo por reafirmarlos - En los países protestantes, como
Holanda, la pintura religiosa fue escasa y reducida a escenas del Antiguo Testamento, pero
proliferan los retratos, los paisajes y las escenas de género o costumbristas.
3.4.4.Pintura y artes decorativas

La concentración de clientes dispuestos en Roma atrajo a artistas de toda Europa, y los pintores
continuaron discutiendo la primacía de la técnica basada alternativamente en el dibujo (disegno)
o coloración. Entre los artistas aclamados para conciliar los dos enfoques fue Annibal Carracci,
nacido en Bologna (1560-1609), que aplica sus dotes como dibujante y colorista tanto al género
emergente de paisaje, así como temas religiosos tradicionales. La obra de Carraci,
la Coronación de la Virgen por ejemplo, combina un esquema compositivo derivado de Miguel
Ángel con una iluminación sutil en el espíritu de Tiziano. En un famoso debate público,
probablemente, llevado a cabo en 1636, Andrea Sacchi (desde 1599 hasta 1661), su
‘Marcantonio Pasqualini Coronado por Apolo’ muestra su confianza en el dibujo, hizo
afirmaciones para composiciones con pocas figuras y contornos puros.
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Ilustración 24: Marcantonio Pasqualini Coronado por Apolo. 1641 Óleo sobre lienzo, 243,8 x 194,3 cm. Museo
Metropolitano de Arte. Nueva York.
Por su parte Pietro da Cortona se opuso, abogando en su lugar grandes conjuntos de figuras y
pinceladas más libres. La influencia de Sacchi es visible en la obra del pintor francés Nicolas
Poussin (1594-1665), que hizo su carrera en Roma, pintando escenas de la historia bíblica y
clásica; en su rapto de las sabinas utiliza colores vivos, contornos afilados y figuras derivadas
de la escultura greco-romana, toda característica de su arte.
La teatralidad exuberante de proyectos del siglo XVII a escala urbana también anima ejemplos
más pequeños de la escultura y las artes decorativas. El Bacanal de los comienzos de Bernini
incluye figuras de torsión característica que plantea en una composición diferente de todo punto
de vista. La Pila de agua bendita de Giovanni Giardini representa Santa María de Egipto en un
panel de plata cóncava enmarcada en lapislázuli, y el trabajo de Michele Todini, El Clavecín,
llevado por tritones de madera dorada se concibe como la pieza central de un concurso musical
mítico.
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Ilustración 25: El Clavecín de oro. 1675. Autor: Michele Todini (Italiano, 1616–1690) Rome, Italy. Madera,
materiales varios.
5. ESCULTURA
Las características de la escultura barroca en Italia son:
 Naturalismo: se pretende representar las cosas tal como son. Ello aleja al barroco del
clasicismo-idealismo y lo acerca al representación de los sentimientos.
 Dinamismo: se da mucha importancia al movimiento. Para representar este movimiento
se recurre a estructuras diagonales y a líneas curvas sinuosas.
 Contrastes lumínicos: importancia de la representación de las calidades de los objetos.
 Los materiales empleados en la escultura barroca en Italia son preferentemente
el bronce y el mármol.
En cuanto a los temas tratados, predominan muy especialmente los religiosos, aunque también
hay temas mitológicos y retratos.
Bernini es el representante más importante de la escultura barroca italiana. Fue un escultor

magnífico cuya obra estuvo marcada por las características generales del barroco italiano que se
citaron anteriormente.
Ilustración 26: El Éxtasis de Santa Teresa
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Las obras más importantes de Bernini son:
Apolo y Dafne: Bernini representa a los dos personajes jóvenes y bellos en el momento en que
Apolo toca a Dafne en su persecución y se convierte en árbol. Se trata de una obra muy
dinámica.
El Éxtasis de Santa Teresa: En esta famosa obra de Bernini, se recoge el dramático momento en
que Santa Teresa pierde su conciencia como consecuencia de éxtasis amoroso (ojos cerrados,
boca entreabierta...) producido por la llama divina.
La composición se consigue mediante dos diagonales, que forman un aspa, lo que produce
sensación de movimiento. También Bernini consigue un acusado efecto de contrastes lumínicos
(por ejemplo, gracias a los pliegues de las ropas de Santa Teresa). Bernini también construyó la
capilla en la que se encuentra esta escultura
Otras de las obras de Bernini son Los Longinos, escultura de línea abierta y acusado
movimiento.
Este escultor también realizó sepulcros, como el sepulcro de Urbano VIII y Alejandro VII. Se
exalta el poder de los Papas y de la Iglesia. Es una obra de bronce y mármol de línea abierta.
Bernini también realiza fuentes para embellecer Roma, como la Fuente de los cuatro ríos (Plaza
Navonna) en que los ríos se representan alegóricamente con personas y la Fuente del Tritón.
El anti Manierismo en la escultura italiana es visto por primera vez en Santa Cecilia (1600,
Santa Cecilia in Trastevere, Roma) por Stefano Maderno. Sus sencillas líneas curvas
representan una salida dramática de las contorsiones más pronunciadas de obras anteriores. Fue
Gianlorenzo Bernini, sin embargo, que dominó la escultura barroca en Roma. Entre sus
principios sobre-tamaño natural esculturas de grupo, El Rapto de Proserpina (1621-1622)
y Apolo y Dafne (1622-1624, ambos Galleria Borghese, Roma) muestran su virtuosismo en el
manejo de mármol, creando efectos de realista tensión dramática, fuertes contrastes de luz y
oscuridad, y la ilusión de colores abigarrados.
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Ilustración 27: Apolo y Dafne de Bernini
Su Éxtasis de Santa Teresa (1645-1652, Cornaro Capilla, Santa Maria della Vittoria, Roma)
personifica la teatralidad muy cargado que es una característica del barroco. Bernini fue el
artista favorito de los papas, para quien hizo obras muy ambiciosos en el Vaticano. La enorme
baldaquino, un pabellón con pilares (1624-1633), por encima del altar mayor de la iglesia de
San Pedro, así como la Cátedra Petri (Cátedral de San Pedro, 1657 hasta 1666) en el ábside de
la iglesia, dan fe de su tamaño colosal y los materiales preciosos (incluyendo mármol y bronce
dorado) para el suntuoso esplendor del catolicismo romano. Bernini también destacó en el
retrato, como puede verse en ejemplos como Costanza Buonarelli (1635, Bargello, Florencia) y
el Papa Inocencio X (1647, Palazzo Doria-Pamphili, Roma). Su único rival en este género fue
el escultor Alessandro Algardi.
Fuentes fueron algunos de los principales tipos de monumentos públicos barrocos, y aquellos
por Bernini son algunos de los ejemplos más destacados. Bernini fue también un importante e
influyente arquitecto; además de la gran columnata (comenzada 1656) que abarca la Plaza de
San Pedro, diseñó iglesias como Sant ‘Andrea al Quirinale (1658-1670) en Roma.
6. DANZA
En Italia se desarrollará sobre todo el drama lírico que se convertirá en ópera, donde la danza
quedará relegada a los intermedios.
El modelo de escena a la italiana se adoptará poco a poco y provocará un cambio muy
importante en la forma de ver los espectáculos: la danza pasará de ser contemplada desde un
punto de vista alto y rodeando el espectáculo a ser vista de frente. Este cambio provocará que la
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coreografía acentúe la simetría de conjuntos, combinando pasos con gran rigor y armonía y
focalizando todo hacia el centro de la escena.
Al reducirse el espacio de la representación, los bailarines reducen las evoluciones coreográficas

y le dan prioridad a otros elementos como el en dehors y la “verticalidad”, es decir, el desarrollo
de los pasos saltados, de la batería, es lo que se llama la danza de elevación. Este tipo de danza
ya no podrá ser practicada por cualquiera, por lo que se ponen las bases para el nacimiento de la
profesionalización.
Esta nueva forma del espacio escénico provocará que alrededor del escenario se desarrollen
nuevas formas que faciliten el cambio de escenario, el uso de la maquinaria y de la tramoya, y
que aparezcan nuevos elementos como el telón. El telón separará definitivamente al público de
la escena, suponiendo así mismo un elemento de sorpresa.
Otros elementos utilizados son las plataformas giratorias, los bastidores deslizantes, el uso de
fuego y agua en escena (por medio de telas).
El vestuario también se desarrolla, dando vía libre a la imaginación los modistos, se llenan de
adornos y artilugios.
Los dos ballets más conocidos de este periodo son: Ballet de la liberación de Reinaldo (1617)
y Ballet de la prosperidad de las armas de Francia (1641) entre otros.
4. BÁRROCO EN ESPAÑA
Durante el siglo XVII España vivirá una situación de crisis que repercute negativamente en el
arte, la primera víctima será la arquitectura, dado que la construcción de edificios se verá
ralentizada, y fundamentalmente se construirán obras modestas, de poca envergadura y de
materiales pobres. Las nuevas aportaciones serán escasas manteniendo la severidad del estilo
herreriano. La figura más destacada será Juan Gomez de Mora, arquitecto de la Iglesia
Convento de la Encarnación y de la Plaza Mayor de Madrid. En Madrid también trabajó
Francisco Bautista, quien introdujo algunas notas barrocas en los ricos capiteles, órdenes
colosales, retranqueo en los cuerpos de sus torres, una de sus obras es la Iglesia de San Isidro en
Madrid. Fuera de Madrid encontramos otros arquitectos que utilizan elementos propios del
barroco dentro de la tendencia española así encontramos a Ponce de Urrana en Valencia, que
realizó la Iglesia de los Desamparados de planta oval y cubierta con una cúpula también oval,
envuelta al exterior en un cuadrado. En Andalucía se generaliza un tipo de templo muy básico
de nave única, alta y estrecha, destaca Juan de Oviedo con la Iglesia de la Merced. Ya en el
siglo XVIII la situación económica permite cierta recuperación y la recuperación de la
arquitectura y será en Andalucía y más propiamente dicho en Sevilla donde se haga un mayor
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esfuerzo constructivo fundamentalmente con dos arquitectos, Leonardo Figueroa y Francisco

Hurtado, entre sus obras destacan la Fachada del Hospital de Venerables, de línea clásica, la
Iglesia de San Luis de los Franceses, que emplea columnas salomónicas y por último el Colegio
de San Telmo, una de las fachadas barrocas más importantes de España.
Ilustración 28: Fachada del Palacio de San Telmo (Sevilla)
En cuanto a la escultura barroca, es en España una de las manifestaciones más importantes del
arte, las características más comunes son el dinamismo, la utilización de escorzos, el dominio de
la diagonal, la apertura de líneas, abundancia de pliegues y preocupación por la luz entre otras,
sin embargo, hay elementos personales como la búsqueda extremada de la expresividad en los
rostros. El material más empleado es la madera policromada, mientras que el resto de Europa
prefiere el mármol. En cuanto a la temática será casi exclusivamente religiosa, decoración de
altares, sillerías, retablos, etc. sin olvidarnos de la proliferación de los pasos procesionales. En
cuanto a la escultura barroca no podemos dejar de nombrar Valladolid y por supuesto a
Gregorio Fernández, un hombre de profunda religiosidad que plasmará en sus obras, un ejemplo
es el Cristo Yacente de los Capuchinos del Pardo, utilizando características trágicas, centrando
la atención en la cabeza, con mechones de pelo como mojado y la boca y los ojos entreabiertos.
[ CITATION Her111 \l 10250 ]
1. ARQUITECTURA
El siglo XVI supone el final de la hegemonía hispana. El siglo XVII viene marcado por una
crisis económica muy importante, lo que supone que las construcciones sean menos
monumentales que en el renacimiento y que los materiales sean menos costosos (ladrillo, yeso,
madera). [ CITATION Jor11 \l 10250 ]
 Primera mitad del s. XVII, de gran sobriedad estructural y decorativa.
Debido a la influencia de Juan de Herrera, en este periodo predomina la desnudez

estructural y decorativa.
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Fracisco de Mora (1.553-1.610) continúa con la tradición herreriana, pero ya anticipa las
formas barrocas.
Es autor del Convento de San José en Ávila y del Palacio Ducal en Lerma (Burgos).
Su sobrino y discípulo, Juan Gómez de Mora (1.586-1.648), se aparta de la severidad

herreriana. Su obra clave es la Clerecía de Salamanca (ojo, pero sólo la fachada, que la torre
es de Churriguera).[ CITATION Jor11 \l 10250 ]
En Madrid se encarga de la Plaza Mayor y la casa de la Villa.
Ilustración 29: Inicio de la arquitectura barroca en España
 La Segunda mitad del s. XVII, marcado por el decorativismo.

Desde 1.650 se van a ir añadiendo elementos decorativos, naturalistas y abstractos, a las
desnudas estructuras herrerianas.
Las plantas siguen siendo sencillas, aunque los alzados alcanzan mayor libertad y dinamismo.
[ CITATION Jor11 \l 10250 ]
Ilustración 30: Cuadro de la plenitud del barroco Español
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 En Madrid, destacan Manuel y José del Olmo, con la Iglesia de las Comendadoras de
Santiago, con Planta de cruz Griega.
Ilustración 31: Iglesia de las comendadoras de Santiago
En Andalucía, Alonso Cano (1.601- 1.667), pintor, escultor y arquitecto; fue el encargado de la
fachada de la catedral de Granada, que concibió como un arco de triunfo de acentuados claro
oscuros.
En Galicia se inició la remodelación de la Catedral románica de Santiago de Compostela. José

Peña Toro realizó el pórtico de la Quintana y la torre de la campana. De Diego Antonio de
Andrade es esta torre del reloj.
 EL Barroco Final de principios del s. XVIII, en el que coexiste una decoración

libre y fantasiosa, y las tendencias equilibradas y sobrias de la arquitectura
cortesana de los Borbones.
El siglo XVIII supone la apoteósis del Barroco. El estilo se hace recargado y exuberante, pero
los tres hermanos Churriguera crearán un estilo propio, al margen de la corriente cortesana que
trajeron los Borbones.
 José Benito Churriguera (1. 665 - 1.725) se encargó de realizar retablos en los
que emplea columnas solomónicas y los estípites (pilastra trocopiramidal
invertida). Este es el retablo de San Esteban de Salamanca.[ CITATION Jor11 \l
10250 ]
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Ilustración 32: San Esteban de Salamanca
 Alberto Churriguera (1.676 - 1.750) fue el encargado de realizar la plaza Mayor

de Salamanca, siguiendo en modelo porticado de Madrid, aunque más
recargado.
Ilustración 33: Plaza Mayor de Salamanca
 Pedro Ribera (1.681 - 1.742), de imaginación desbordante, fue discípulo de

José Benito de Churriguera. por lo que continúa con las estípites, la decoración
fantasiosa y recargada. Trabajó en Madrid, donde realizó, entre otros, el puente
de Toledo, el Cuartel del Conde-Duque, la fuente de la Mariblanca.
• En Toledo destaca la figura de Narciso Tomé (1.690 - 1.742). Su obra más célebre es el
transparente de la catedral, en el deambulatorio. Construido para dar más iluminación al
sagrario de la capilla, los efectos de la luz y su escenografía es impresionante, ya que mezcla
arquitectura, escultura y pintura.
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2. ESCULTURA
La escultura barroca en España es, esencialmente, religiosa. Son imágenes de estética recargada
que representan el sufrimiento, el dolor.
Hay varios focos:
 En la primera mitad del siglo XVII destaca Castilla.

 En la segunda mitad del siglo XVII el centro el Andalucía.
 En el Barroco pleno, a finales del siglo, es un periodo de máxima expresión y
movimiento con dos focos: Andalucía y Levante.
Casi todas las eculturas son imágenes, retablos y pasos procesionales que narran escenas de la
Pasión de Cristo.
La Iglesia es el principal cliente, pero también las encargan las Cofradías y los gremios.
Están hechas de madera policromada. Para los ropajes seaplica la técnica del estofado. Esta
técnica consiste en cubrir la madera con pan de oro antes de pintarlo y así se consigue gran
luminosidad.
En la primera mitad del XVII las obras se caracterizan por la sencillez expresiva y la
continuidad con las formas del Racacimiento. A partir de la segunda mitad del XVII llegan a
España procedentes de Italia la teatralidad y el dinamismo de la escultura.
4.2.1 La escultura castellana.
Se desarrolla en la primera mitad del XVII. Es profundamente realista y dramática, hasta el

punto de conseguir representar el dolor con figuras desgarradas que conmueven al espectador.
La gran figura de la escuela castellana es Gregorio Fernández (1.576-1.636), gallego que se

trasladó a Valladolid en 1.605. Creó retablos, imágenes sueltas y pasos procesionales para las
cofradías vallisoletanas.
Este es su "Bautismo de Cristo". En esta obra se aprecia el posible influjo de Pompeyo Leoni,
de quién tomó la elegancia de sus figuras. Es una obra de gran realismo y sobriedad. El
modelado es correcto y expresivo. La madera policroma marca los pliegues angulosos. En los
ropajes se ha utilizado la técnica del estofado. Se aprecia su modelado característico del pelo,
formado por rizos o mechones como si estuvieron mojados.
Gregorio Fernánez prefiere las imágenes aisladas de altar. En esta "Santa Teresa" destaca la
pluma estática en espera de la comunicación divina.
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Ilustración 34: Bautizo de Cristo
Destacan también sus numerosos Cristos como este "Cristo de la columna" de la iglesia de la
Cruz de Valladolid. Sus figuras de Cristo son siempre esbeltas, de armoniosas proporciones y de
una cuidada anoatomía. Son muy típicos sus rostros alargados enmarcados por cabellos
ondulantes y abundantes y que caen en mechones como si estuvieran húmedos, dejando bucles
en la frente.
La barba es rizada y se abre en dos puntas.
Ilustración 35: Cristo de la columna
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Este otro es su "Cristo Yacente" sobre un lecho en el que apoya la cabeza. Está totalmente
pálido y con sangre abundante en llagas.
Ilustración 36: Cristo Yacente
4.2.2. La escuela andaluza.
Es más sosegada y serena que la castellana. Busca la belleza antes que el dramatismo.
Esta escuela tiene dos focos principales: Sevilla y Granada.
En Sevilla destaca Juan Martínez Montañés (1.568-1.669). Se formó con las obras de escultores
manieristas de la última etapa del Renacimiento. Todo ese orden y equilibrio de sus obras, en
contraste con la expresividad trágica de Gregorio Fernández.
Este "San Cristóbal" pertenece a su periodo de formación (1.589-1.605). Está pensada con un
sentido procesional. El plegado de los paños, como si estuvieran húmedos y los rizados
cabellos, típicos de Montañés, están realizados con cierto sentido pictórico. Está presente la
influencia de maestros andaluces anteriores como Jerónimo Hernández, por la acentuación de la
musculatura.[ CITATION Mar14 \l 10250 ]
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Ilustración 37: San Cristobal
Este es su "Cristo de la Clemencia". No es un Cristo muerto, está mirando al que reza a sus pies.
Tiene las piernas cruzadas y sujetas con dos clavos, conforme a la visión de Santa Brígida.
La cara es de una serenidad admirable, plenamente clásica e invita a al diálogo con el Señor.
Ilustración 38: Cristo de la Clemencia
Este es "Santo Domingo de Guzmán". Es parte de un retablo, hoy desaparecido. El santo

aparece arrodillado y con el torso desnudo, dispuesto a flagelarse. El ropaje y el desnudo están
tratados con gran perfección, como corresponde a una de sus mejores obras.
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Ilustración 39: Santo Domingo de Guzman
A partir de 1.630 inicia un periodo barroco. De su taller salieron grandes maestros como
Juan de Mesa o Alonso Cano que, con su barroquismo, influyen en su maestro. De este
periodo es su Inmaculada, una de las obras más lograda de la escultura española del XVII.
Su mirada es baja, con los ojos entornados. Presenta un largo cuello y el rostro ovalado u
moreno. Las manos, desviadas del centro y el rostro vuelto hacia la derecha, rompen la
frontalidad y ponen una nota de movimiento a su figura.
Ilustración 40: Inmaculada
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"San Bruno" es una austera efigie. Se acerca al realismo, olvidando los convencionalismos del
clasicismo anterior.
Discípulos suyos son Juan de Mesa, autor del Jesús del Gran Poder, y Alonso Cano.
En la catedral de Granada se encuentra esta "Cabeza de San Pablo".
Es una obra de tono herioco y grandiosidad miguelangelesca, si bien el rostro con largos
cabellos y barbas hace pensar en el realismo de Donatello.
Ilustración 41: Cabeza de San Pablo
Pedro de Mena (1.628-1.688) fue el principal discípulo y colaborador de Alonso Cano. Fue
autor de numerosos bustos de Dolorosas y Ecce Hommos, a veces emparejados.
Ilustración 42: Dolorosa
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Su obra más destacada es "La Magdalena penitente". Es una imagen más humana pero dotada
de un arrebato de fervor místico. En esta imagen sigue la tradición castellana: la Santa aparece
con el cuerpo envuelto en un traje tejido de paalma, sueltos los cabellos sobre el demacrado
rostro que contempla arrebatado el crucificado que sostiene en la mano.
Es uno de los mejores ejemplos de ascetismo de la escultura española.
Ilustración 43: Magdalena Penitente
4.2.3 El pleno barroco.
En la segunda mitad de los siglos XVII la inlfuencia de Bernini llega a España y las adquieren
más movimiento y expresión. Los principales centros escultóricos son el Levante y Andalucía.
[ CITATION Mar14 \l 10250 ]
La figura principal del pleno barroco andaluz es Pedro Roldán (1.624-1.699). La mayor parte de
sus obras las hizo en Sevilla, destcando el grupo del Santo Entierro.
Ilustración 44: El Santo Entierro
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Su hija, Luisa Roldán (1.652-1.706), conocida como La Roldana, siguió los pasos de su padre y
trabajó en su taller hasta su matrimonio en 1.657.
Se trasladó a Madrid y fue escultora de los reyes Carlos II y Felipe V. Es una de las figuras más
importantes en España. Este es su "San Ginés de la Jara". Sus esculturas son más dinámica y
expresivas. Este es su San Miguel del Monasterio de El Escorial [ CITATION Mar14 \l 10250 ]
Ilustración 45: San Ginés de la Jara
En Levante la figura más importante fue, sin duda, Francisco Salzillo (1.708-1.783) .Nació en
Murcia. Su padre era napolitano y también escultor. Sus obras están llenas de naturalismo,
gracia y dulzura. En su época tuvo una gran popularidad. Lo más significativo de su producción
son los pasos procesionales.
Fue casi autodidacta, pues ingresó de joven como novicio en el convento de los dominicos, pero
a la muerte de su padre tuvo que abandonar la vida religiosa, si bien su vocación hizo que todas
sus obras aparezcan revestidas de un espíritu de gran religiosidad.
Esta es su "Oración del huerto".
Ilustración 46: Oración del Huerto
3. PINTURA
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El siglo XVII es el Siglo de Oro de la pintura española.
Hay tres focos principales: Valencia, Sevilla y Madrid. La figura más importante es, sin duda,
Velázquez. [ CITATION Mar141 \l 10250 ]
4.3.1 Rasgos característicos:
Es una pintura religiosa. Los principales clientes son la la Iglesia y la Monarquía. La pintura de
género es escasa, y la mitológica casi inexistente. También aparecen retratos y bodegones en los
que se representan objetos estrictamente ordenados.
Es una pintura en la que el realismo está puesto al servicio de la Religión. Aun así hay
diferencias:
Primera mitad del siglo XVII. Es una pintura realista, con elementos tenebristas italianos y de
severas formas y colorido.
Segunda mitad del siglo XVII. Es una pintura más dinámica y colorista, gracias a la difusión de
los modelos rubenianos a través de las estampas y de las obras que llegan a las colecciones
españolas.[ CITATION Mar14 \l 10250 ]
4.3.2 Cronología, coordenadas históricas y características generales del barroco
 El Barroco es el período del arte comprendido entre los años 1600 y 1780.
 Nacido en Roma a partir de las formas del “Cinquecento” renacentista, pronto se
diversificó en varios estilos paralelos, conforme lo iba adoptando y adaptando a su propia
idiosincrasia cada país europeo.
 Uno de los rasgos esenciales de este amplio período artístico es que durante su apogeo las
artes plásticas lograron una integración total: la arquitectura es monumental, sirviendo de
marco teatral ideal a las apoteósicas pinturas y a las dramáticas esculturas de mármol
blanco que decoraban sus exteriores e interiores, llegando a ser excesiva la decoración.
 En síntesis, el Barroco es el estilo de la grandilocuencia y la exageración.
 El Barroco fue la expresión propagandística del absolutismo monárquico y de la Iglesia de
la Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su grandeza, mostrando
mediante el arte que en ellos está la "Verdad" y el "Poder".
 En España el Barroco coincide con el período cultural que se ha denominado el Siglo de
Oro. Es un período de máximo desarrollo de las letras y las artes, que contrasta con la
profunda y compleja crisis política, social y económica que se vive en España, lo que casi
anula los encargos de la burguesía y de la aristocracia, que se conforma con las grandes
decoraciones barrocas de pintura. Por tanto es la iglesia el principal cliente y las ideas de la
contrarreforma las que en la escultura se van a manifestar.[ CITATION Jes \l 10250 ]
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4.3.3 Características generales de la pintura barroca en España.
 En la pintura barroca española es fundamental la influencia de la pintura italiana,

principalmente del tenebrismo de Caravaggio, que estuvo presente en gran parte de los pintores
españoles, como Ribera y Velázquez.
 Una de las características principales de la pintura española barroca es su gran
naturalismo, su realismo, el deseo de mostrar lo más fielmente posible la realidad.
 También destaca la sencillez y equilibrio en las composiciones y las formas, no hay
movimiento violento ni impetuoso como ocurre en las obras italianas, prefiriéndose
organizar el tema en el cuadro a partir de líneas diagonales y escorzos.
 Por otra parte, el dibujo cede terrero a la utilización más natural del color.
 También existe una mayor preocupación del artista por la profundidad, culminando con el
pleno dominio de la perspectiva aérea.
 En cuanto a la luz, se concibe como un elemento que organiza los ambientes donde se
desenvuelven las figuras, contribuyendo además a crear atmósferas que transmiten la
realidad de los temas.
 En cuanto a la temática, predominan los temas religiosos: santos, martirios, Inmaculadas;
entre los temas profanos sobresalen los mitológicos, por clara influencia de Rubens, los
bodegones, las escenas de género, los retratos, los desnudos y los paisajes.
 A finales del s. XVII la capacidad pictórica nacional da muestras de agotamiento y
empieza la intromisión de cuadros y artistas extranjeros, que culminará con el cambio de
dinastía. En el s. XVIII se observa un cambio en el desarrollo de las características pictóricas:
 Adquieren mayor importancia los temas profanos y el tratamiento menos dramático de los
temas religiosos, circunstancia que contrasta con el realismo cruento de la primera etapa.
 Aparece también el empleo de una iluminación más dispersa y suavizada, ya muy
próxima al rococó francés.
4.3.4. La incorporación del tenebrismo a la pintura barroca española
 Francisco Ribalta
Se forma como pintor en Madrid y sus primeras obras se caracterizan por el dramatismo en el
tratamiento de los temas y, por influencia de Tiziano, la preocupación por la luz y el color.
Posteriormente se trasladó a Valencia donde realizó toda su obra de madurez, observándose en
él en esa etapa una tendencia más acusada hacia el naturalismo e influencias del tenebrismo de
Caravaggio, con el que probablemente entró en contacto durante sus estudios en Italia.
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Ilustración 47: San Francisco confortado por un ángel músico
 José de Ribera
Se formó con Ribalta pero viajó tempranamente a Italia, donde realizó toda su obra y donde se
impregnó de la influencia de Caravaggio, siendo allí conocido por “Lo Spagnoletto”, el pequeño
español. Sus primeras obras tienen marcado carácter tenebrista, con figuras que se recortan
violentamente sobre un fondo oscuro; en una segunda etapa su pincelada se hace menos densa,
la luz más dorada y se van aclarando los fondos.
Ilustración 48: San Andrés
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4. MÚSICA
En España el barroco supone una etapa de decadencia musical, reflejo de su crisis política y
económica y de su aislamiento internacional.
Tras la muerte de Felipe II en 1598, comenzará una larga etapa de recesión que se mantendrá
todo el S. XVII bajo los reinados de los últimos tres austrias: Felipe III, Felipe IV y Carlos II,
cuya muerte provocará una guerra de sucesión que terminará con la llegada a la corona española
del primer borbón: Felipe V.
Es una época de decadencia científica y universitaria. Sin embargo en las artes plásticas y la
literatura mantuvieron un esplendor con personalidades como Zurbarán, Velázquez, Quevedo,
Góngora, Lope de Vega o Calderón. En música no sucederá lo mismo. Las razones son:
 Se deja de valorar la música.

 Repiten lo que se había inventado en el Renacimiento
 Se dedican a imitar a Italia y Francia.
El paso de Renacimiento al Barroco no supondrá un cambio brusco en el lenguaje de los

compositores sino una evolución paulatina que irá asumiendo poco a poco algunas
innovaciones. El barroco en España comienza con la monodía acompañada como en el resto de
los países. La música monódica en el siglo XVII está libre de influencia italiana, lo que no
ocurrirá con la del S. XVIII.
4.4.1 Elementos
 No se siguen los estilos europeos (Concerto, Suite, Pasión, Oratorio).

 Nacen formas típicas: la zarzuela y la tonadilla.
 Siguen teniendo importancia las formas religiosas.
 Sigue en vigor la escuela organística de Cabezón.
El ritmo de hemiolia es característico de la música española: consiste en introducir un ritmo

binario en un compás ternario. (acentuación del texto en la música vocal).
4.4.2 Música Vocal
 Religiosa
Sigue siendo el repertorio musical más importante cultivando las formas polifónicas
tradicionales de motetes y misas con texto en latín y destinados a las celebraciones más
solemnes.
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En las festividades religiosas de carácter más popular se introducirá el villancico con texto en
castellano y acompañado de un conjunto instrumental.
 Profana
Durante la primera mitad del S. XVII se continúan recopilando en cancioneros formas como el
villancico o el romance de tradición renacentista. Son canciones breves que suelen alternar
pasajes contrapuntísticos y homofónicos.
A mediados del S. XVII surge un nuevo estilo de canción denominado solo o tono humano en
torno a los ambientes cortesanos de Madrid. Es una canción profana con temas de carácter
sentimental que introduce la monodia acompañada con una voz solista apoyada por un único
instrumento. Se caracteriza por la utilización de un ritmo ternario y melodías sencillas,
normalmente en estilo silábico, con estructuras que constan de introducción, estribillo y coplas.
Se empleará con frecuencia en la música teatral.
Destacan compositores como Mateo Romero y Juan Hidalgo (1614-1685).
 Música Escénica
Las primeras representaciones de música escénica consistirán en la introducción de números
musicales dentro de la representación teatral.
Durante el barroco, el teatro se convirtió en España en un auténtico fenómeno de masas. En

todas las representaciones, la música formaba parte del espectáculo, introduciéndose
normalmente en el intermedio de las escenas y en el final de la obra. Eran interpretaciones
vocales e instrumentales de carácter breve y no siempre en relación con el argumento.
Nacieron en este período géneros típicamente españoles como la zarzuela y la tonadilla.
 La zarzuela
El origen de este nombre parece provenir del palacio de la Zarzuela, en el Real Sitio de El
Pardo, donde se reunían músicos y artistas para entretener a los reyes con obras que tenían texto
y música (aunque hay quien indica que el nombre es una derivación de las zarzas de los bosques
de alrededor).
Características y elementos que definen las zarzuelas del S. XVII:
 Se emplean coros a cuatro voces, dúos, tonos y tonadas a voz sola, la mayoría en forma
estrófica, o compuestos por coplas y estribillo.
 Aparecen arias; el diálogo era hablado y no cantado (apenas se usa el recitativo).
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 Su temática era amorosa, idealizada y pastoril; sus protagonistas son dioses y diosas de
la mitología clásica pero, a pesar de ello, personajes de carne y hueso que se enamoran,
odian y sufren; también participan villanos, jardineros, etc.
 Incorpora características de la tradición dramática española del S. XVII, es decir, la
presencia de lo tragicómico, elementos populares como canciones, bailes, danzas, etc.
También incorpora lo rústico y pastoral, pero tiende hacia lo burlesco con el uso de un
lenguaje común y sencillo, a pesar de la participación de los dioses.
 Son representadas por las compañías de Madrid y los instrumentistas de la corte. Los
papeles solistas los interpretan actrices-cantantes de las compañías cómicas, y músicos
de guitarra y arpa.
 Era una género para un público cortesano, no para el pueblo, que asistía a los “corrales
de comedias”
 La Tonadilla
Es un género de música escénica típicamente español. Se representaba en los populares corrales
de comedias. Es un intermedio satírico de carácter jocoso que representaban las costumbres de
la época y que generalmente concluye con una danza española. Surgió a principios del siglo
XVIII y desapareció antes de llegar a la mitad del mismo. Sus compositores más célebres fueron
Luis Misón (hacia 1720-1766) y Blas de Laserna (1751-1816) entre otros.
 La Opera
Siguiendo la influencia italiana, la ópera llega a España como un género de carácter
aristocrático que se desarrollará en torno a los palacios reales. La primera ópera española fue La
selva sin amor (1629), con texto de Lope de Vega. Sin embargo, no nos ha llegado su música ni
conocemos el nombre de su compositor. La primera ópera conservada, aunque incompleta es
Celos aún del aire matan, con texto de Calderón (1660) y música de Juan Hidalgo, que combina
recitativos, arias y breves coros. La tercera ópera es La púrpura de la rosa con música de Juan
Hidalgo y texto de Calderón de la Barca.
4.4.2. Música Instrumental
La música española permanecerá ajena a las corrientes europeas ignorando los nuevos estilos
del concierto y la suite.
Sigue centrándose en el ámbito de los instrumentos solistas como el órgano, que mantiene la
brillantez del período anterior, y la guitarra, que sustituirá a la vihuela, convertida en un
instrumento muy difundido tanto en el ámbito popular como en el cortesano.
 Orquesta y clave. Antonio Soler
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(1729-1783), compositor español del barroco. Tiene una obra extensa y variada, compuso
centenares de sonatas para clave, villancicos profanos y sacros, quintetos con cuerda y órgano,
Seis conciertos para órgano obligado y obras de teatro como El defensor de su agravio.
Nació en Olot y se inició en la música en el Monasterio de Montserrat. Ingresó en la orden de

los jerónimos y pasó a ser organista y director del coro del Monasterio de San Lorenzo de El
Escorial. Fue discípulo de Domenico Scarlatti, quien influyó notablemente en su obra
 La guitarra barroca de Gaspar Sanz.

Si Antonio Soler, decíamos que era el compositor más importante de la escuela de clave del
barroco español, es Gaspar Sanz (1640 – 1710) quien le acompaña en esa distinción para la
guitarra.
 El órgano de Juan Cabanilles
Juan Cabanilles (1664-1712) es compositor barroco español, organista de la catedral de

Valencia a la que estuvo dedicado toda su vida salvo unos primeros años en el coro de su ciudad
natal Algemesí, cuando era niño. Es autor de tocatas, tientos, pasacalles y gallardas para órgano.
Estudió y desarrolló en profundidad la obra de Antonio de Cabezón y, en general, la escuela
tradicional de órgano española que sirvió de nexo con el siglo XVIII.
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CONCLUSIONES
El barroco es el desenlace de una serie de corrientes artísticas y culturales previas que hicieron
coincidir en este estilo artístico.
Francia
 Como es evidente, aunque la mayor parte del arte barroco de la arquitectura, pintura y
escultura producida durante el siglo XVII es conocida como barroca, de ninguna
manera es un estilo monolítico
 El arte barroco fue iniciado por la monarquía, que en un principio dejaban a los artistas
libertad plena para trabajar, esto término con el ascenso de Luis XIV al trono, quien
decidió darle un sentido único y monótono.
Italia
 La razón el instrumento ideal para liberar al hombre del prejuicio socio-cultural,

orientándolo hacia una sociedad justa y feliz.
 En todas sus expresiones artísticas no renuncia a la realidad, pero tampoco al ideal
clásico de belleza.
España
 El Barroco Español fue grandiosamente influenciado por el contexto social, económico

y cultural de los siglos XVI y XVII, haciendo que el barroco Español sea uno de los
principales derivaciones del Arte Barroco en toda Europa.
 A pesar de la crisis política, económica y el aislamiento internacional de España, esta
fue inmensamente influenciado por sus países vecinos para el surgimiento del Arte
Barroco Español.
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