Act. Formativa II (Separata 1)
Act. Formativa II (Separata 1)
SEPARATA Nº 1
La Estética
Es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano
para expressar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario,
mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar
ideas, emociones, percepciones y sensaciones.
MÚSICA:
La Duración.
La duración es una cualidad del sonido que nos hace distinguir entre sonidos
cortos y sonidos largos. La duración de un sonido depende de lo que persista la
onda sonora.
En música la duración del sonido se expresa a través de las figuras musicales:
Redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, etc.
Altura o Tono.
Esta cualidad nos permite distinguir entre sonidos graves y sonidos agudos.
La altura de un sonido depende de un concepto físico que se llama frecuencia y
que corresponde al número de vibraciones por segundo. A más vibraciones el
sonido es más agudo, y a menos vibraciones el sonido es más grave. La unidad de
medida es el herzio (hz).
Si un sonido tiene tantas vibraciones por segundo que supera nuestra capacidad
para oírlo, es decir, si es demasiado agudo, lo denominamos ultrasonido; si por el
contrario, un sonido tiene tan pocas vibraciones por segundo, es tan grave, que no
lo podemos percibir se le denomina infrasonido.
En música la altura del sonido se representa a través de las figuras musicales
puestas en el pentagrama.
La Intensidad:
Esta cualidad del sonido nos permite distinguir entre sonidos fuertes y sonidos
débiles.
La intensidad de un sonido depende de la amplitud de la onda sonora, es decir, de
la fuerza con la que se produzca el sonido. La unidad de medida de la intensidad
del sonido son los decibelios(dB).
El Timbre o color:
El timbre es la cualidad del sonido que nos hace distinguir quién o qué produce el
sonido. Cuando descolgamos el teléfono y oímos al interlocutor a menudo
reconocemos quién es sin que nos diga su nombre, reconocemos el timbre de su
voz.
Si oímos una misma canción tocada por una guitarra y por un piano somos capaces
de distinguirlas porque reconocemos el distinto timbre de una guitarra y de un
piano.
ELEMENTOS DE LA MÙSICA
Representación de Acordes
Partitura para coro (al unirse varias voces simultáneamente forman acordes)
Partitura para orquesta sinfónica (la verticalidad en la música):
Representación de Ritmo, Melodía y Armonía
Una orquesta sinfónica es... ¿cómo decirlo? Se puede definir de tantas maneras...
La forma más habitual de describir una orquesta vendría a decirnos que es algo
así como un montón de músicos tocando al mismo tiempo una música muy difícil de
entender. Al frente, un señor mueve enérgicamente un palito y pone caras muy
raras. Pero, cerremos los ojos y escuchemos (podríamos además hacer el
esfuerzo de entender la diferencia entre “oír” y “escuchar”). Entonces llegamos a
entender que una orquesta es un enorme instrumento musical, que está –de
alguna manera- siendo “tocado” por el director (ése señor del palito). Un
instrumento maravilloso, que nos permite contar con infinitas variantes las
sensaciones, los sentimientos, los sonidos ordenados de un sinfín de maneras
maravillosas.
Si queremos entender un poquito mejor cómo funciona esta gran “fábrica” de
sentimientos podría ayudarnos saber de qué partes está hecha. Una forma
habitual es describir las diferentes partes de una orquesta hablando de familias.
Instrumentos de cuerdas, que está integrada por violines, violas, violonchelos y
contrabajos (clasificado de agudo a grave). A toda esta familia se le denomina
“de cuerda frotada” porque todos utilizan el llamado “arco”, que viene a ser un
pequeño trozo de madera alargada, un poco menos curvada que un arco para
disparar flechas. En este arco, en lugar de una cuerda fina y muy tensa, se han
colocado pelos de caballo. Con el arco, los músicos frotan las cuerdas y las hacen
sonar.
Timbal Sinfónico
Por último, coordinando y haciendo que todo funcione está el director. Una
orquesta sinfónica tiene alrededor de 100 músicos, todos ellos excelentes y con
un punto de vista particular sobre cómo debe interpretarse una obra. Es fácil
comprender que es necesario que alguien coordine y encauce el torrente de
sonidos de toda la orquesta, no sólo para saber cuándo entran a tocar juntos o
para marcar el compás, sino que un director es el músico que hace sonar a toda la
orquesta como si todos los que la integran fueran un único instrumento, dando
instrucciones precisas a los músicos sobre cómo debe interpretar una obra.
Composición
El coro está formado por diferentes tipos de voces, agrupadas en cuerdas. Cada
cuerda agrupa las voces en función del registro o tesitura (intervalo de notas que
es capaz de interpretar) de cada una.
Voces Femeninas
Barítono, es la voz más habitual de los hombres, su registro oscila entre el de los
bajos y los tenores.
Los castrati
LA INTELIGENCIA MUSICAL
Las personas que poseen inteligencia musical se cree que tienen una fuerte
apreciación por la música y recuerdan fácilmente canciones y melodías,
comprenden los conceptos de timbre y composición que a veces sólo se adquieren
en una escuela de música. También pueden identificar las diferencias entre los
tonos musicales, muy importante para aprender canto, pero en general son
personas que disfrutan y están inmersos en la música. La capacidad de tocar
instrumentos es algo natural para este tipo de personas.
Las personas con este tipo de inteligencia son sensibles a la métrica, el tono, la
melodía y fácilmente puede distinguir entre los sonidos de distintos
instrumentos, además pueden aprender canto sencillamente.
Así mismo, las personas con inteligencia musical pueden reproducir una gran
variedad de instrumentos, aprender canto sin mucho esfuerzo o pueden crear
algún tipo de música de calidad. Ellos normalmente piensan y aprenden mejor con
la música.
Pero las inteligencias múltiples no son una ley innata. Las personas que no han
nacido con el dominio en la música aún puede aprender mediante la práctica.
Usted puede ejercitar su inteligencia musical, aprendiendo sobre la teoría de la
música, aprendiendo a tocar un nuevo instrumento, tomar clases para aprender
canto, escribir sus propias canciones, exponerse a nueva música y escuchar
activamente música clásica.
LA MUSICOTERAPIA
Sesión de musicoterapia
EL JAZZ
Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianístico, que sin
llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el
RAGTIME, su característica principal es la superposición de un ritmo regular
tocado por la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano
derecha, a veces también utiliza las “blue notes”. Su origen parece ser que está
en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Las partituras de
ragtime se grababan en “rollos de cartón” para piano mecánico o pianola y su
músico más representativo fue Scott Joplin.
La Improvisación
Latin jazz.- es el término general dado a música que combina melodías Africanas
y Latino Americanas con jazz proveniente de Estados Unidos. Las dos principlaes
categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.
Dizzy Gillespie
Arturo Sandoval
Chucho Valdés
Paquito D'Rivera
Dizzy Gillespie
John Birks Gillespie, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su
padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su
primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de
sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas la notas. A los catorce años empezó a
practicar con una trompeta de un vecino y su afición por el que sería el
instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta
conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg
Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935,
obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba
el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo
del propio Gillespie: Roy Eldridge.
Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a New York y allí conectó con la
orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su
carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por
vida y por el que sería conocido en la historia del jazz "Dizzy" que quería decir
"alocado"· Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea
en 1937 y allí ejecutó su primer solo en el tema "King Porter Stomp" dando
pruebas en aquel entonces, de una gran inmadurez musical. A su regreso a New
York, la banda firmo un contrato en la famosa sala "Savoy Ballrom" y las cosas
comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny
Clarke.
Los sesenta y la bossa nova también llamó la atención de Dizzy que incluiría
algún tema en su repertorio. En los setenta forma parte de los "Giants of Jazz"
formación estelar reunida por el productor, George Wein, para una serie de
giras. Su actividad fue decayendo con los años pero todavía tuvo tiempo de
grabar en 1989 un interesante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un
concierto en Paris. Dizzy Gillespie, murió en 1993 y con su muerte se perdió a un
inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió
personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva
forma de enfocar la armonía. De su pluma han salido temas tan famosos como
"Salt Peanuts"; "Groovin' High"; "Be-Bop"; "A Night in Tunisia" y muchísimas
otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz. Dizzy
Gillespie hizo y hace feliz a mucha gente con su música.
Dizzy Gillespie
Arturo Sandoval
Después del servicio militar fue uno de los co-fundadores de Irakere, que se
convirtió en el conjunto de Jazz más importante de Cuba, con el saxofonista
Paquito D'Rivera y el pianista Chucho Valdés. Muy pronto tuvieron un éxito
espectacular a escala mundial y su presentación en 1978 en el Festival de Jazz
de Newport en Nueva York los introdujo al público americano, y dio como
resultado un contrato de grabación para el sello Columbia Records. Pero Arturo
buscaba posibilidades musicales nuevas y abandonó el grupo en 1981 para formar
su propia banda. Continuó recorriendo el mundo con su grupo, tocando una mezcla
única de música latina y Jazz, y también como un trompetista clásico, tocando
con las sinfónicas de la BBC y Leningrado en la extinta Unión Soviética.
Arturo Sandoval tiene una carrera musical paralela como intérprete clásico.
Su grabación, "The Classical Álbum" , contiene conciertos de trompeta de
Hummel y Mozart así como su propio Concierto Para Trompeta y Orquesta.
También ha dado clases en el Conservatorio de Paris, el Conservatorio Chaikovsky
en la Unión Soviética, la Universidad de California en Santa Bárbara, la
Universidad de Miami, la Universidad de Wisconsin, Universidad de Purdue y en
muchas otras instituciones del mundo. En la actualidad es profesor fijo en la
Universidad Internacional de Florida en Miami. Arturo Sandoval ha compuesto
también e interpretado en varias bandas sonoras de cine tales como "La Familia
Pérez," "Los Reyes del Mambo" y "La Habana."
Paquito de Rivera
En 1958, cuando apenas contaba con diez años, D'Rivera actuó en el Teatro
Nacional de La Habana, dejando estupefacto al público y los críticos. Ingresó en
el Conservatorio de La Habana a los doce años para estudiar clarinete,
composición, consonancia, y "todo lo demás". En 1965, D'Rivera con tan sólo 19
años, convertido en todo un virtuoso del clarinete y el saxo, actuaba por primera
vez, como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, en un concierto
televisado a nivel nacional. Ese mismo año, D'Rivera y el pianista Chucho Valdés,
fundaron la famosa Orquesta Cubana de Música Moderna, de la cual fue director
durante algo más de dos años. Ocho de los músicos más jóvenes y aventureros de
la Orquesta, se unieron a otros tres músicos para formar Irakere, cuya explosiva
mezcla de jazz, rock, música clásica y música tradicionalmente cubana no se
había escuchado jamás.