02 Trecento
02 Trecento
Trecento
Influencias formativas artísticas de la pintura italiana del Trecento
● Propias de Italia
que fueran los romanos, al disponer de un mayor número de pinturas y mosaicos tardoantiguos y
de la Alta Edad Media en los que inspirarse, los primeros en estudiar nuevas formas de
representación de la figura humana y del espacio, y que sin dilación lo hicieran también los
toscanos. Entre los maestros de esta escuela están Pietro Cavallini, Jacopo Torriti y Filippo Rusuti.
- Arte popular propio de la Toscana. Mediados siglo XIII. Representantes: Giunta Pisano, Guido da
Siena, maestro de San Francisco. Imágenes dramáticas, con riqueza en el colorido, y trazos
sinuosos en la figura humana. De notable fuerza emocional pero poco realismo en el tratamiento
del espacio y la figura.
● Foráneas:
Otras influencias:
Las órdenes mendicantes surgen en la Edad Media hacia el siglo XIII buscando dar un giro a la vida
religiosa de la Iglesia católica. Sus miembros hacen voto de pobreza por el que renuncian a todo
tipo de propiedades o bienes, ya sean personales o comunes, poniéndolos a disposición de la
comunidad religiosa a la que pertenecen. Así viven en la pobreza, mantenidos sólo por la caridad;
También profesan los votos de castidad y obediencia. Estilo de vida→ vida contemplativa (oración,
estudio) y vida activa (predicación, evangelización, educación).
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Florencia representa el desarrollo del arte naturalista→ Máximo exponente: Giotto: Humaniza la
representación, vidas de Jesús y María, relaciones humanas en un ambiente cotidiano.
● Nueva literatura: Textos apócrifos. Ej.: “La leyenda dorada” de Jacobo de Voragine,
“Meditaciones de la vida de Cristo” de San Buenaventura (franciscano) → aportan al desarrollo de
la narrativa plástica, sensibilidad lírica, nuevos abordajes literarios → composición más animada,
mayor número de personajes en la narrativa (concepto de muchedumbre). Elementos del género y
del paisaje→ mayor riqueza en el detalle.
Los evangelios apócrifos o extracanónicos son los escritos surgidos en los primeros siglos del
cristianismo en torno a la figura de Jesús de Nazaret que no fueron incluidos ni aceptados por
ninguna de las distintas Biblias usadas por distintos grupos de cristianos. Entre las tradiciones
conservadas únicamente en los apócrifos se cuentan: los nombres de los padres de María,
(Joaquín y Ana), la presencia de un asno y un buey en el pesebre donde María dio a luz, el número
y los nombres de los Reyes Magos (Melchor, Gaspar, Baltasar), la historia de Verónica, entre otros.
● Racionalismo:
● 1er Sisma católico→ La revolución papal que tuvo lugar entre los años 1303 y 1305 dejó a Italia
sin corte pontifical. Se trasladó la corte papal a Avignon en 1309. Las comunas güelfas de la
Toscana (Florencia y Siena) sobrevivieron al caos con sus fortunas intactas y en el plano intelectual
y el artístico, más aisladas e independientes. Los ejes culturales que unían Roma con estas
ciudades habían desaparecido, la actividad artística en Roma decayó inexorablemente.
La nueva situación política modificó radicalmente el panorama del mecenazgo artístico. La pintura
perdió la tutela papal, y el arte pasó a depender casi por entero de mecenas pertenecientes a la
esfera de las altas finanzas y el comercio.
Los encargos eran de familias ricas, burgueses adinerados, cortesanos, ciudades, gremios, órdenes
religiosas: franciscanos (mayor renovación), dominicos (más tradicional, gustos bizantinos).
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Región Toscana→ Florencia y Siena, que eran ciudades estado con gran poder económico, se
disputan el desarrollo del 300.
Surgen gremios→ tenían mucho peso político. Los pintores estaban nucleados en el Gremio de San
Lucas (médicos y boticarios).
Siena→ a finales del SXIII y principios del XIV era un centro relativamente estable de poder y
riqueza mercantil. Estaba bajo el gobierno de los Nueve (democracia pequeño burguesa). Usa el
arte como herramienta publicitaria de valores republicanos: ideas de bien común, justicia social,
paz, concordia, poder del gobierno. La mayoría de las obras eran encargos de la comuna→
significado político→ carácter cívico→ demostración de poder (competían las ciudades entre sí).
- Figura humana: tipos iconográficos (putti, Vitoria, Hércules, Apolo, Zéus, etc), gestos patéticos,
volumen, tipos faciales, vestimenta, color para cada personaje.
- Arquitectura: frontones, capiteles, esculturas decorativas, frisos.
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Cimabue
Florencia Giotto
Trecento
Duccio
Simone Martini
Siena
Pietro Lorenzetti
Ambrogio Lorenzetti
Escuelas
- Modo imperfecto de la perspectiva espacial, con un enfoque pragmático, dejando a los edificios y
a los personajes un espacio poco profundo dentro del cual puedan ser situados con cierto
realismo→ telón de fondo.
- Dar peso y redondez a las figuras, especialmente si llevaban grandes mantos con pliegues.
- Dibujo subraya rasgos fundamentales de la acción representada en el cuadro.
- Significado alegórico, simbólico o figurativo de los temas tratados, disposición significativa (Ej.: la
escena de Las Bodas de Caná está colocada arriba de La lamentación→ la transformación del agua
en vino prefiguraba la conversión del pan y el vino en cuerpo y sangre).
Los relatos de Asís, Padua y Siena eran caros. Se supone que en el caso de Asís lo costearon el
papa y los fieles de la Iglesia mediante la compra de indulgencias; en el de Padua un próspero
mercader al que también ayudaron compradores de indulgencias; y en el de Siena, el gobierno
comunal→ El flujo incesante de los ingresos papales y comerciales forma parte fundamental del
marco de la época.
Giotto (1266-1337)
Cada uno de sus viajes marcó el florecimiento de escuelas pictóricas. Gracias a la disposición de
Giotto de ir de ciudad en ciudad, el estilo del maestro toscano se convirtió en el nuevo lenguaje
del arte italiano.
Algunos de los frescos: San Francisco entrega el manto a un pobre, San Francisco se despoja de sus
bienes, Sueño de Inocencio III, Inocencio III aprueba los estatutos de San Francisco, Expulsión de los
demonios de Arezzo, Pesebre de Greccio, Milagro del sediento, San Francisco conversa con los
pájaros, Estigmas del santo, Muerte y ascensión de San Francisco.
Uso del espacio y de los elementos arquitectónicos en la serie de San Francisco→ Edificios
dibujados desde una perspectiva oblicua. No era un intento de presentar un foco
matemáticamente correcto para el espacio total de la obra (como lo harían Brunelleschi y
Masaccio en el siglo XV) → se trataba de una imitación empírica de los edificios de la pintura
romana. El sistema espacial de la leyenda de San Francisco debe haberse inspirado en la pintura
romana, seguramente en modelos que hoy han desaparecido.
Homenaje de un
hombre sencillo
Aparece un templo
romano dedicado a
Minerva→ cita
clásica.
Destacan los gestos
y expresiones.
Expulsión de los
demonios de
Arezzo
Pesebre de Greccio
Cantores con bocas
abiertas→ innovación.
Detalles de la carpintería
de la cruz vista desde
atrás.
El carácter racional prima
en esta obra, por eso el
crucifijo se ve de atrás ≠
carácter emocional→
Cristo siempre
representado de frente.
Milagro del
sediento
San Francisco
conversa con
los pájaros
La capilla de la Arena también llamada capilla de los Scrovegni, en Padua, fue erigida por orden de
Enrico Scrovegni, que pretendía así expiar los pecados de su padre, conocido usurero (a quien
Dante situó en el infierno). La capilla tenía finalidad funeraria, y el propio Enrico está enterrado
allí.
La capilla alberga un célebre ciclo de frescos de Giotto. Estos están dispuestos en tres bandas
horizontales superpuestas, dividida cada una en 6 recuadros. El orden narrativo es de izquierda a
derecha y de arriba hacia abajo.
Superior: Historias de San Joaquín, Santa Ana y la Virgen. Ej.: El anuncio a Santa Ana, Nacimiento
de la Virgen, El encuentro en la puerta Aurea, El sueño de Joaquín, Matanza de los inocentes,
Presentación en el templo.
Medio: Vida pública de Cristo. Ej.: Huida a Egipto, Adoración de Reyes Magos, Oración en el
huerto de los olivos, Resurrección de Lázaro, El beso de Judas
Inferior: Escenas de la Pasión. Ej.: Crucifixión, El llanto por el Cristo muerto, Noli me tangere.
Además hay otras pinturas: en el arco triunfal de acceso al ábside se representa la Anunciación de
la Virgen. En la pared opuesta, se representa un grandioso Juicio Final.
En los zócalos, por debajo de las escenas de la vida de Cristo, Giotto pintó 14 alegorías de Vicios y
Virtudes. Los Vicios están en el muro izquierdo, mientras que las Virtudes se encuentran en el
derecho, correspondiéndose con el infierno y la salvación en el Juicio Final. La técnica usada es la
grisalla→ ilusión óptica de formas escultóricas tridimensionales, sólo se pinta en valores (blanco y
negro).
El Juicio Final
Visión de Juan Evangelista→
profetiza el fin del mundo y la
segunda venida de Cristo. Los
guardianes del cielo hacen
retroceder el firmamento.
Cristo grande en Majestad en
el centro→ entronizado como
juez supremo en una
mandorla con los colores del
arco iris. Los doce apóstoles
se sientan a su izquierda y a
su derecha. Aquí los dos
niveles se dividen: la hueste
celestial aparece arriba, abajo
la gente se sumerge en la
boca del infierno, o son
guiados por ángeles hacia el
cielo (hombres y mujeres,
representantes de lo secular y
lo sagrado).
El eje central de la
composición está marcado
por dos ángeles que
presentan la cruz de Cristo. En
el registro superior domina la
simetría, en el registro inferior
no está presente.
El noble Enrico Scrovegni
ofrece a las tres Marías la
iglesia que ha donado. Es
acompañado en esto por un
clérigo.
El Príncipe del Infierno, un
monstruo gigante, es
entronizado en un dragón.
Agarra a los condenados y los
come. Los tormentos de la
gente desnuda, que están
siendo administrados por las
criaturas sombrías, se
representan en gran detalle.
Algunos de los castigados
están colgando de sus
genitales, cabellos o lenguas.
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Duccio di Buoninsegna fue el primer pintor destacado de la escuela sienesa, inspirador de otros
miembros de la misma, como Simone Martini y los hermanos Ambrogio y Pietro Lorenzetti, entre
otros.
Características:
Escala jerárquica.
Suntuosidad→ fondo dorado → espacio celestial (oro), azul (lapislázuli)→ aporta valor
material al valor simbólico.
Preciosismo, detallismo, minuciosidad.
Carácter aristocrático.
Linealidad, sinuosidad.
Búsqueda espacialidad→ construcción diagonal, semicircular.
Desarrollo anatómico bajo el ropaje.
Ilumina paños para marcar volúmenes.
Gente arrodillada→ terrenal.
Inteligibilidad de las cosas.
Registros superpuestos.
Muchedumbre, personajes superpuestos.
Imprimación verde.
Simbolismos religiosos: gestos piadosos, aureola, colores.
Rebatimiento de plano.
Brillo en los colores.
Aberraciones espaciales.
Composición: llena el plano, no el espacio.
La Maestá (o Majestad)
Es la obra más importante de Duccio, y el retablo de mayor tamaño de su época. Se aspiraba con
ella a glorificar a la Virgen María, patrona de la catedral y de la ciudad de Siena, por cuya
intercesión Siena sobrevivió a la crisis de la batalla de Montaperti entre otros peligros, y a quien la
población se encomendaba. Fue emplazada en el altar mayor (lugar más prominente de la
catedral). Fue un encargo de la comuna, y se realizó una importante ceremonia el día de su
traslado desde el taller hasta la catedral→ importancia central que la oligarquía de la ciudad
atribuía a la Virgen.
Consta de más de 50 tablas unidas. Lectura ascendente. Posee un desarrollo anterior y posterior→
Está hecha de manera que pueda verse de frente por la congregación, desde la nave, y por detrás
por los clérigos, desde una posición más próxima, desde el presbiterio→ Duccio se preocupó para
la parte frontal del tamaño y de la visibilidad y para la parte posterior del detalle.
Retablo central→ gran representación frontal de la Virgen entronizada, con santos y ángeles a
ambos lados y apóstoles arriba. Coronación superior: vida de María. Predelas inferiores: niñez de
Cristo. Retablo en reverso: Vida y Pasión de Cristo.
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Técnica→ pintura al temple→ yema de huevo con aglutinante; imprimación verde; pan de oro.
No existe una fuente literaria clara, aparte de los Evangelios. Se ha sugerido que la elección de las
escenas se fundaba en las iluminaciones de un manuscrito bizantino.
Características de la obra de Duccio: rasgos suaves, delicados del rostro, robustez y realismo en los
niños, escrupulosa ejecución del ropaje, transparente o semitransparente, detalle del manto de la
Virgen, uso eficaz de la estriación dorada.
Se ven influencias francesas y bizantinas. Descuida el problema del realismo espacial integrado.
Influencia de la escultura de Nicola y Giovanni Pisano→ dominio de la anatomía y el ropaje. Ej.: Las
tres Marías ante el sepulcro→ pliegues ricos y cuidados. En Duccio el tratamiento de los pliegues
está mucho más conseguido que el del espacio.
Giotto tiende a unificar el espacio en cada escena, y una y otra vez dispone los edificios de forma
oblicua con respecto al plano. En Duccio se observa un interés por el espacio menos sistemático, la
organización espacial suele pecar de inconsistente→ aberraciones espaciales. Estas no se observan
en los trabajos de Giotto. No obstante, Duccio intenta mostrar un complejo espacio interior a
través de una puerta estrecha. Ej.: Las bodas de Caná, La tentación del templo.
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Entrada en Jerusalém
Espacio representado con una S (línea ondulante)→ espacio
profundo→ 4 planos espaciales.
Personajes trepando los árboles→ recuedan a Giotto.
Aberrraciones espaciales→ perspectiva invertida, marca distintas
diagonales.
Unidad. Detallismo, riqueza cromática.
Ultima cena
No es “casa de
muñecas”→ muestra
sólo el interior.
Rebatimiento del
plano en la mesa.
Apóstoles de los dos
lados de la mesa→
profundidad,
espacios.
Barral que atraviesa
la habitación. Juan
dormido a su lado.
Los apóstoles de la
parte inferior no
llevan el halo en su
cabeza para no
interferir con los
objetos de la mesa.
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Beso de Judas
Oración en el huerto de los olivos Brillo en los colores, simbólicos.. Composición equilibrada de colores.
En el escenario del huerto de Getsemaní se ve a Jesús Arbol central→ más importante.
representado en dos momentos sucesivos en el tiempo→ Composición→ grupo de personajes→ llenar el plano, no el espacio.
Adición, dos escenas superpuestas. La composición se centra en el grupo de Cristo, situado en el centro
Paisaje simbólico (telón de fondo, sirve a fines compositivos, de la imagen, con una acentuada verticalidad conseguida gracias al
no naturalista). juego de lanzas, faroles y árboles.
Cristo ante
Pilatos
Aberración
espacial→
columna.
Crucifixión
Es la escena principal del
conjunto, situada en la parte
superior central y es la imagen
más grande del reverso.
Fondo dorado → ámbito sagrado.
Composición casi simétrica.
Ángeles→ exaltan sentimiento
patético.
Duccio se inspiró en el púlpito de
la catedral elaborado por Nicola
Pisano, especialmente por la
distribución de la gente en dos
grupos al pie de la cruz.
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Noli me tangere
Cristo lleva una túnica roja, símbolo de la Pasión y, sobre ella,
un manto azul, símbolo de Gloria, ambas con brillantes
pliegues dorados que señalan su desmaterialización→ efecto
“etéreo”.
En la mano izquierda sostiene un báculo con una cruz,
símbolo también de la Pasión.
Arboles→ enfatizan la figura de Cristo. La presencia de
vegetales señala el renacer de la vida.
Tentación en el templo
Arquitectura realista contemporánea al artista y alejada por
tanto del momento histórico narrado. Duccio intenta mostrar
un complejo espacio interior a través de una puerta estrecha.
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Vector de conexión entre el 300 y el gótico→ que luego deriva en el gótico internacional→ Estilo
cortesano, aristocrático.
Carácter de artista cortesano→ inserto en distintos círculos: pintor de la ciudad de Siena, Corte
pontificia en Avignon. Rey Roberto lo nombra caballero.
Guidoriccio da Fogliano
Fresco de grandes dimensiones (9 m de largo) ubicado en el Palazzo Pubblico (sala del concejo). Temática
profana.
Representa la conquista de los castillos de Montemassi y Sassoforte→ El fresco es el emblema de una victoria de
los burgueses (comerciantes modernos) sobre los nobles (señores feudales). Vestidura de los cruzados. Evoca un
mundo caballeresco ya en declive→ encarnación del ideal caballeresco de la Edad Media→ Pero sin embargo NO
puede considerarse una exaltación a la caballería. Guidoriccio da Fogliano era un condottiere→ mercenario a
sueldo→ todo lo contrario a un caballero.
Agudo sentido de la observación: exacta representación de ciudades fortificadas (Montemassi y Sassoforte) y
minucioso campamento→ Pero ubicadas en un paisaje arbitrario.
No se percibe sensación de espacio→ telón de fondo.
Exalta la imagen del personaje→ Representa el gobierno republicano defendiendo los intereses de la ciudad.
El ropaje se percibe casi plano, en contraposición con Giotto.
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La anunciación
Figuras de Ángel Gabriel y la Virgen realzan la línea
gótica. Ropaje del Angel se eleva con forma
serpenteante. Virgen marcada linealmente→ línea
quebrada→ movimiento→ Sensación de rechazo de la
Virgen (asustada), no como normalmente se la suele San Luis de Tolosa coronando al rey de Nápoles
representar con gravedad, aceptación, serenidad. Escala jerárquica. Fondo dorado. Era un cuadro “de
Lirios→ pureza de María. La inscripción dorada de familia”→ Luis (obispo de Toulouse) era hermano de
relieve que comienza en la boca del Ángel contiene Roberto. Predela con escenas del santo recién
palabras iniciales de la Anunciación. canonizado.
Profundidad apenas insinuada. Doble coronación: Los ángeles a San Luis, San Luis al
Inteligibilidad→ Mármol moteado. rey Roberto.
Fondo dorado→ divinidad, espiritual. La alfombra y la predela refuerzan la perspectiva. El
retrato de Roberto de Anjou es individualizado.
Políptico Orsini
San Martín divide el manto. Sueño de San Martín El milagro del muchacho resucitado
Caballeresco→ propio del gótico. Fue Jesús muy aplanado. Elementos Búsqueda espacial en las figuras→
desapareciendo por la aparición de la decorativos quitan el volumen de los escorzos, cabezas inclinadas.
pólvora→ carácter nostálgico. elementos. Elementos decorativos
quitan el volumen. Rebatimiento de la
cama. Tratamiento diagonal y diagonal
inverso.
Pietro Lorenzetti
En Asís el tipo expresivo domina→ no tan sólo en los rostros sino también en los cuerpos. Ej.: el
cuerpo de Cristo en el Descendimiento; Magdalena en el Entierro.
Virgen de Dofana
Contraste entre la virgen serena y los ángeles
inquietos y picarones.
Nacimiento de la Virgen
Descripción del interior burgués de la época. Interior
medieval→ arquitectura S. XII y XIII. Muy detallada.
Santa Ana→ más pesada, como las figuras de Giotto.
Lineas diagonales en la cama (no convergen en un solo punto)
→ marcan profundidad.
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Crucifixión
Multitud→ aproximadamente 50 personajes
diferenciados.
Cuerpos desnudos con más volumen ≠ a los
cuerpos flacos y débiles de Giotto.
Descenso de la cruz
Búsqueda de la expresión. Cuerpo de Cristo
quebrado, dislocado→ no tiene sensación de
peso. Criticada por el exceso de
expresionismo.
La última cena
Aparece la cocina→ detalle profano→ tema mundano.
Putti cita clásica. Aparecen primero en la escultura,
luego en la pintura como esculturas, antes de aparecer
personificados.
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Ambrogio Lorenzetti
Estancias florentinas:
1) Joven y poco formado se sume en el medio florentino en pleno auge y plena formación de
ideas, extrae de él las lecciones que orientaron su carrera→ gran influencia de Giotto.
Sensibilidad a los problemas espaciales y de volumen→ los resuelve a su manera: volúmenes de
gran relieve obtenidos más por el dibujo que por claroscuro; espacio etéreo y legible que en vez de
servirse como Giotto de los huecos y los volúmenes, se construye con profundidades
arquitectónicas y planos sucesivos→ este espacio integra las figuras del primer plano con las del
segundo sin perder claridad; abandona los personajes alargados y elegantes de Siena y los
sustituye por unos robustos y sanguíneos de rostros austeros.
2) Tras su segunda estancia en Florencia restablece un equilibrio entre el estilo sienés y el
florentino. Combina figuras robustas con las finas y graciosas. Aborda nuevos problemas:
ordenamiento de un paisaje y representación ilusionista de una gran ciudad. Su segunda estancia
influye en la propagación de influencia sienesa en los medios pictóricos florentinos.
Es el primer artista que intenta, no ya “significar” una ciudad y un paisaje, sino representarlos→ La
ciudad misma y el paisaje campestre constituyen el verdadero tema. Antes bastaba con un
elemento de arquitectura para indicar que la escena ocurría en la ciudad, o un árbol para indicar el
campo→ la decoración no dominaba sobre el tema (acción o suceso).
Anunciación
Espacialidad.
Monumentalidad de
la figura. Peso y
volumen. Expresión.
Presentación en el templo
Interior basilical (casa de muñecas)→ énfasis
en la arquitectura.
Jesús representado con actitudes de un niño
real→ chupándose el dedo.
Lineas diagonales→ Ilusión de espacio.
Comparaciones
Crucifijo
Crucifijo de Arezzo –
Cimabue
Decoración gótica, paño
abultado, lineal, cabeza
inclinada.
Virgen
S XIII influye el movimiento franciscano→ imagen más terrenal, cambio de actitud→ más amable,
concepto fuerte de madre.
Virgen de Kahn
Arte bizantino S. XIII
Duccio – Madonna
Rucellai
Se proyecta el arte
bizantino: dorado en el
fondo y aureolas, registros
superpuestos; pero
manifiesta un cambio: trono
con construcción diagonal→
marca espacialidad
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Escultura