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Fotografía
Es el “dibujar o escribir con la luz”. Según la enciclopedia Encarta la fotografía es
un “procedimiento por el que se consiguen imágenes permanentes sobre
superficies sensibilizadas por medio de la acción fotoquímica de la luz o de
otras formas de energía radiante.”

LA CÁMARA por otro lado es un “aparato que sirve para hacer fotografías, y
que consta de un medio óptico, el objetivo, y de un medio mecánico, el
obturador”

Historia de la Fotografía
Origen árabe. Se observó los eclipses solares y lunares.
Cámara Oscura: Éste hacía pasar los rayos expuestos por el astro rey e irradiados
por el satélite natural mediante un pequeño agujero, los cuales se reflejaban en la
pared opuesta de una habitación sombría.

En 1820 en Francia se llevaron a cabo los primeros experimentos fotográficos.

En 1839 aparece el daguerreotipo. Utilizó placas de cobre embarradas con

yoduro de plata y las exhibió en cámaras de madera. Las fotografías tenían que
ser preparadas y reveladas inmediatamente después de la exposición

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 Universidad de Cambridge: Sus “calotipos” sobre papel eran más fáciles de
reproducir, pero gozaban de menor definición que los daguerrotipos.

Los daguerreotipo tenían tiempos de exposición muy largos, al principio. Más

adelante se fueron reduciendo considerablemente y el perfeccionamiento
progresivo de la técnica provocó la aparición de una industria fotográfica.

Británico Frederick Scott Archer: Descubrió el colodión, que permitía llevar a

cabo negativos en cristal. Este sistema unía las ventajas del daguerrotipo y
del calotipo. Lo malo, es que el
fotógrafo debía sensibilizar la placa inmediatamente antes de la
exposición y aprovechar la emulsión mientras estuviese húmeda.

Nadar elaboró las primeras fotografías aéreas desde un globo y el británico

Roger Fenton fue el pionero de los reportajes de guerra.

Las fotografías sólo podían hacerse en blanco y negro, pero en 1861 se

conocían los principios fundamentales de la fotografía en color.

El británico, Eadweard Muybridge, tomó fotografías de las sucesivas fases del

movimiento de una figura.

El americano George Eastman (fundador de Kodak) lanzó un nuevo método de

manera que los
negativos podían almacenarse en rollos. Como resultado, el fotógrafo dejaba
el laboratorio en casa, y el equipo resultó más sencillo. Gracias a este sistema,
las cámaras se perfeccionaron y la fotografía se volvió más popular todavía

A principios del Siglo XX, fotógrafos estadounidenses animaron la aparición de

publicaciones y la organización de exposiciones fotografías.

Los hermanos Lumière establecieron unas placas de cristal para obtener

fotografías en colores.

La fotografía artística siguió explorando la vida cotidiana, sus personales y sus

paisajes, sin adornos, ni retoques.

1935: Surge la verdad fotografía a color, de la mano de Kodak y Agfa cuando

empezaron a vender sus películas con emulsión de tres capas. Con el paso del
tiempo, se fueron reconociendo las fotografías como arte.

La fotografía se extendió rápidamente a todas las áreas de creatividad humana

y se transformó en un lenguaje de primera magnitud en una cultura
primordialmente visual, como es la contemporánea.

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 Características de la Fotografía
La fotografía es el antecedente del cine, posee sus propias características:

Es estática.

Al igual que el cine, se puede dar en diferentes colores y tonalidades

como blanco y negro, color y sepia.

Cuando son cámaras con rollo, posee un negativo que debe ser revelado
con productos
químicos para que pueda ser positivo

La luz es un elemento muy importante en la fotografía, pues no serviría de

nada fotografiar un objeto a oscuras.

Se han creado miles de tendencias en este campo: publicitaria, artística,

personal, documental, etc.

Fotografía en Blanco y Negro

Algunas de las razones son para obtener buenos resultados, aunque el revelado de
la película y el tiraje de las copias lo debe hacer el mismo fotógrafo. Los laboratorios
están automatizados y el blanco y negro requiere un cuidado especial, muy
persona.

CARACTERÍSTICAS DE LA FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO.

Se le da prioridad al objeto, ya que gracias a esta técnica se pueden

observar mejor los
detalles como volumen, luces, sombras, textura, profundidad, entre otros.

Brinda más posibilidades que el fotógrafo haga su propia interpretación de

la realidad.

A partir del mismo negativo, el fotógrafo puede obtener imágenes muy

distintas desde el
punto de vista expresivo.

Ofrece más posibilidades de intervención.

Partes y Funciones de la Cámara Fotográfica

Toda cámara posee una abertura en su parte frontal y, en su parte posterior, el
material que va a ser impresionado por la luz.

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 Caja o Cuerpos de la Cámara
Estuche cerrado a la luz que constituye el cuerpo de la cámara.

Película
Material fotosensible que experimenta una alteración química cuando es
iluminado. Esta modificación es la que guarda la información visual del objeto en
cada fotografía.

Diafragma

El diafragma regula la luz que entra para que la película se pueda imprimir. Lo
hace mediante unos números que pertenecen a las distintas aperturas.

Obturador
Regula el tiempo que actúa la luz sobre la película sensible. Existen dos tipos

Central: Cuando está situado en el propio objetivo.

Plano Focal: Cuando está colocado ante la película, como parte de la

propia cámara y no del objetivo. (Cuanta más luz haya, menor será la
abertura).

Visor
Pequeña ventana para mirar por ella, puede tener una lente propia o utilizar un
aparato que le permita ver a través del cuerpo de la cámara.

Objetivo

Puede acoplarse a las cámaras y se diferencian por la distancia focal que

ofrecen:

Los de 50 mm: Reproducen la imagen en sus proporciones reales. Son los

más comunes.

Teleobjetivos: Tienen una distancia focal más larga que los objetivos
corrientes y permiten “aproximar” los objetos lejanos.

Gran Angular: Posee una distancia focal menor que los usuales e incluye
una mayor superficie del objeto, la gran mayoría de las veces con cierta
deformación en sus extremos.

El Ojo de Pez: Objetivo gran angular con mínima distancia focal que
deforma la imagen (exageradamente). Deforma los extremos y curva las
líneas centrales. (literalmente toda la imagen se ve como un ojo)

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 Control de Perspectiva: Corrigen la convergencia de líneas paralelas y se
usan en la fotografía arquitectónica.

Los Zoom: Pueden acerca y alejar la imagen que se quiere fotografiar (se
empezaron a usar en la cinematografía)

Objetivo Macro: Cuando quieren fotografiarse objetos muy de cerca

(corrige errores ópticos)

Teleobjetivos
Si el objeto que quiero fotografiar está lejos es necesario utilizar una distancia
focal y una apertura grande para que ese objeto sea vea lo más claro posible.

Flash

Su función es iluminar objetos sin luz o con muy poca.

Diafragma, obturador y lentes

Hacen posible la proyección de la imagen sobre el material sensible de una
manera adecuada. Es necesario ajustar la distancia focal (objetivo + película),
según la cercanía o alejamiento del objeto a fotografiar.

Profundidad de Campo
Se vincula con el intervalo de distancias dentro del cual la imagen por
fotografiar, resulte bien definida (enfoque). Ésta será menor cuanto más
abierto esté el diafragma y mayor a medida que se cierre.

Los filtros

Cambia la forma en que una película (imagen registrada por el objetivo)

registra colores o valores tonales. Son discos de cristal y gelatina que se
colocan delante del objetivo.

Polarizados: Corrigen el efecto de los reflejos

Ultravioletas: Absorben rayos ultravioletas.

Infrarrojos: Se usan para hacer visibles aquellos efectos que la visión

humana no capta. (efectos poco iluminados)

Tipos de Cámaras
Cámaras Técnicas

Más grandes y pesadas que las medianas o pequeñas. Se utilizan para trabajos
de estudio, paisajes y fotografía de obras arquitectónicas.

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 Cámaras de Visor Directo
Tiene un visor a través del cual el aficionado ve y encuadra la escena o el
objeto. Se asemeja a lo que se va a retratar pero LO QUE SE RETRATA NO ES
IGUAL A LO QUE SE VÉ POR EL VISOR

Cámaras Réflex

Incluyen espejos que reflejan en el visor la escena que va a ser fotografiada. La

imagen que toma el objetivo se ve en el visor porque tiene un espejo colocado a
45°

Historia de la Cámara
Leonardo Da Vinci creó el antecedente rudimentario de la cámara fotográfica,
el cual consistía en una caja con un orificio circular en uno de sus lados y un
vidrio en el lado opuesto, en el que se reflejaban los objetos exteriores de
manera invertida.

Después de la cámara oscura: Comenzaron a usarse cámaras que consistían

en tiendas de campaña como instrumentos de dibujo para reproducir edificios,
campos, entre muchas cosas.

La primera cámara portable fue construida por Johann Zahn en 1865. Las
primeras cámaras fotográficas eran similares al modelo de Zahn, aunque
generalmente con una mejora en el enfoque. Antes de cada exposición una
placa sensibilizada era insertada en frente de la pantalla de observación para
poder grabar la imagen.

La invención del proceso de placa mojada con colodión redujo drásticamente

el tiempo de exposición.

Inicios del Siglo XX: la industria fotográfica inventó las cámaras del tipo de
película de 35 mm y la cámara reflex. En esta época las fotografías en color se
tomaban con cámaras de tres exposiciones.

En 1925 apareció en Alemania la cámara de 35 mm, la cual estaba creada

originalmente para hacer cine. Como era pequeña y económica, se hizo popular
entre los fotógrafos profesionales y los aficionados.

En la década de los 50’s se inventó la nueva forma de aumentar la velocidad y

la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. (Aumentó
el ISO a 5000 y entraron al mercado amplificadores de luz)

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 Fotografía Creativa
ELEMENTOS MORFOLÓGICOS DE LA IMÁGEN
El Punto

El punto no necesita estar gráficamente representado para que su influencia

plástica se haga notar.

Condiciona el espacio del plano

Propiedades que lo definen: dimensión, forma y color

Un punto central estabiliza la composición al coincidir el centro geométrico

del plano original con el estimulo visual.

La Línea

Coloca vectores de dirección a la imagen que le dan cierto dinamismo.

Separa dos planos entre sí (mediante el contraste cromático)

Existen tres tipos de líneas: objetual (unidimensional), sombreado

(profundidad y volumen) y la de contorno (definición del objeto)

El Plano

Soporte de la imagen

Está ligado al espacio de la composición

Posee bidimensionalidad y superficie

La propiedad más notable de este elemento es su capacidad de codificar

bidimensionalmente todas las características morfológicas de un objeto.

La Textura

Elemento morfológico superficial.

Coexisten cualidades táctiles y ópticas

Tiene dos dimensiones básicas: perspectiva y plástica

El Color

Experiencia sensorial

Existe el color pigmento y el color luz

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 Tres fuentes de la experiencia cromática: la luz, la superficie de los
objetos y la retina

El brillo normalmente se corresponde con la intensidad y también de la

sensibilidad de la retina ante determinadas longitudes de onda.

Funciones Prácticas del Color: contribuye a la creación del espacio plástico

de la representación que, a su vez, es articulado de diferentes maneras y es
muy buen elemento para crear ritmos y contrastes dentro de la fotografía

Fotografía y Publicidad
La fotografía es muy usada en la publicidad. Se ha usado mucho con la intención de
impulsar y dirigir el consumo, y como un elemento más de la publicidad.

Hacen retoques en ellas para que se aproxime a la perfección que los medios y la
publicidad han establecido en cuanto a la belleza humana.

Ha representado un gran avance para la industria gráfica junto con las técnicas
de reproducción fotográfica de gran calidad.

Herramientas Fotográficas
Balance de Blancos
La idea consiste en “contrarrestar” el tono predominante utilizando su “contrario”
en busca de ese
equilibrio.

EJEMPLO
Si nos encontramos en una situación en que vemos que las fotos nos salen
amarillas o naranjas,
metemos un Balance de Blancos de tonos más fríos, tirando a azules.

Si fuera al revés y las fotos nos salieran por defecto azuladas, meteríamos un
Balance de Blancos “cálido”, tirando a rojo, para encontrar ese equilibrio de
tonos.

Balance de Blancos Automático

La cámara se encarga automáticamente de determinar el color “excesivo” en la
fotografía y se encarga de contrarrestarlo.

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 Balance de Blancos Manual
Tener en cuenta el gráfico de Balance de Blancos e ir moviendo la perilla de
acuerdo al color predominante en la fotografía. Si se tiene mayor cantidad de
colores cálidos, la perilla debe estar en números más chicos. Si la fotografía tiene
predominancia de colores fríos la perilla debe estar en números más altos.

Gráfico de Balance de Blancos

La Luz
La luz (procedente de la ventana o de cualquier otra fuente) rebota en los
objetos para posteriormente dirigirse a la cámara, penetrar en ella a través del
objetivo, y terminar proyectándose en el sensor. Puede ser natural o artificial.

Fotografías en el exterior: Aumentar la luz con el “flash”. Generalmente, en

interiores poco iluminados y fotografías nocturnas, se hará uso del “flash”.

Fotografías sub-expuestas (con carencia de luz): Otra opción es hacer uso de

los controles manuales y aumentar el tiempo de exposición (riesgo de que la foto
salga movida) combinado con un diafragma de amplio tamaño, para que la luz
recibida sea la máxima

Triángulo de Exposición

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 Interacción que se da entre el ISO, APERTURA y VELOCIDAD está relacionado
con el
empleo de la luz y el cómo ésta entra a través del lente en nuestra cámara.

1. ISO→ En la fotografía digital, el ISO corresponde a la sensibilidad que uno

mismo
determina tenga el sensor de la cámara a la luz. Es el equivalente del ASA de la
analógica.

2. APERTURA o (F) STOP→ El tamaño del orificio del lente por donde pasa la luz.

3. VELOCIDAD→ El tiempo de exposición que indica cuánto tarda en cerrar el

obturador
de la cámara.

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 PROBLEMAS A TENER EN CUENTA
Si se cambia la APERTURA variará la profundidad de campo.

Si se cambia el ISO se verá afectada la granulosidad de la imagen.

Si se cambia la VELOCIDAD se puede determinar la detención del

movimiento o dar la ilusión de movimiento.

Técnicas de Iluminación

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 Algunos factores que se tienen que tener en cuenta son:

ORÍGEN

Luz Natural: Como el sol, la luna y las estrellas. Es más difícil de controlar
porque cambia constantemente de intensidad, dirección, calidad y color.

Luz Artificial: Tipo de luz que se puede controlar, pero es más costosa e
incómoda de usar, aparte de limitar la extensión de la superficie que se va a
alumbrar.

NÚMERO DE FUENTES LUMINOSAS

Influye sobre el contraste y el modelado de la imagen. Para este caso, es

recomendable usar el menor número posible de fuentes y emplear siempre una
como luz principal.

COLOR

DIRECCIÓN O POSICIÓN DE LA FUENTE RESPECTO A LA CÁMARA Y EL

MOTIVO

Los detalles principales van a depender de la posición de la fuente. La

sensación de volumen, textura e intensidad de los colores tendrán mucho que
ver con la dirección de la luz.

Frontal: Iluminación directa y al frente. (se ven planos y brillantes). Lo

malo es que anula la textura.

Lateral: Iluminación de lado. Da menor “información” sobre los detalles.

Realza la textura e intensifica el contraste de la imagen.

El Contraluz: Le damos la espalda a la luz. Anula los colores. Simplifica en

siluetas.

Alta: A diferencia de la luz frontal y para evitar confusiones, se aplica desde

un punto alto y a una determinada altura.

Cenital: Ocurre cuando se alumbra desde arriba.

Contrapicado: Cuando se ilumina desde abajo hacia arriba, es decir de

manera diagonal.

Contrapicado Lateral: Se ilumina de lado (izquierdo o derecho)

DIFUSIÓN O FORMA DE EMANAR Y LLEGAR AL OBJETO

Bordea las sombras, las convierte en sombras más nítidas y podemos verificar
la dureza o suavidad de la imagen.

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 La Luz Dura: Proviene de fuentes pequeñas y alejadas. El grado de dureza
establecido por la distancia y el tamaño. Ofrece un mayor grado de
contraste.

La Iluminación Semidifusa: Viene de fuentes más grandes y cercanas al

objeto. Forma sombras definidas sin bordes nítidos. Subraya el volumen y la
textura. Los colores aparecen apagados y sin brillo.

La Luz Suave: Es muy difusa y casi que no genera sombras. La fuente

luminosa es muy extensa. Este tipo de luz resuelve los problemas de
contraste. Las sombras son menos importantes y le da dominancia al
volumen del motivo.

La Oscuridad
Existen situaciones de riesgo a la hora de sacar una foto.

LA NOCHE

EL AMANECER Y EL ATARDECER

OBJETIVOS DE LARGAS DISTANCIAS FOCALES

HABITACIONES Y CUARTOS OSCUROS

BOSQUES Y LUGARES NATURALES CERRADOS

ACCESORIOS QUE OBSTRUYEN EL PASO DE LUZ

AJUSTES DE EXPOSICIÓN

Velocidad de Obturación
Cuanto más lenta sea la obturación, más cantidad de luz acaba entrando y
acumulándose.

Es importante que si necesitamos sacar fotografías con mayor cantidad de luz,

tenemos que ponerle una velocidad de obturación más lenta. Por lo tanto, esto
requiere que la cámara en cuestión se encuentre en un trípode o en un soporte.

Gráfico de Velocidad de Obturación

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 ISO
Es una herramienta que también nos sirve para modificar la luz en una fotografía. Si
necesitamos más cantidad de luz en una foto y ya modificamos la velocidad de
obturación y aún así sigue oscura podemos modificar el ISO (sensibilidad a la luz).
Mientras más grande el número de ISO más sensible va a ser la cámara a la luz.
(Mayor cantidad de ruido en la foto)
Mientras más chico el número de ISO menos sensible va a ser la cámara a la luz.

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 CONCLUSIÓN
Para una foto bien iluminada en lugares oscuros se debe tener un trípode estable,
un objetivo de apertura f/1.4, una velocidad de obturación lenta, un valor de ISO alto
y opcionalmente un disparador remoto

PROFUNDIDAD DE CAMPO
La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del sujeto
enfocado
que aparece nítida. La profundidad de campo, siempre aumenta cuando el
diafragma
está en su apertura de menor tamaño (valor de “F” más alto).

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 CONSEJOS PARA SACAR BUENAS FOTOS

Si ustedes desean una foto con gran definición permitiendo una mayor
profundidad
de campo (menor apertura del diafragma), se utilizará el programa de paisaje.

Si en vez de ello, ustedes desearan dar prioridad al primer plano, desenfocando

el
fondo (mayor apertura del diafragma), se utilizará el programa de retrato. Un
objeto enfocado se traduce en una imagen clara y nítida, mientras si está
desenfocada la imagen, se va a ver borrosa.

Si se deseará conseguir una velocidad alta que congele la imagen y logre la

sensación
de detención de movimiento, se utilizará el programa de deportes.

COMPOSICIÓN

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 El objeto o la/s personas a fotografiar deben estar en todo el cuadro a fotografiar
(encuadre). Es importante elegir qué es lo que vamos a incluir en nuestro marco y
qué es lo que vamos a excluir.
Una vez que decidimos que vamos a fotografiar tenemos que saber de qué forma
vamos a encuadrar (horizontal o vertical).

El fotoperiodismo debe tener en cuenta que lo que se quiere fotografiar debe

estar en todo el encuadre.

Composición estética y creativa

Debe haber un balance en los elementos que componen en la fotografía.

Balance Simétrico: es más simple de lograr, éste se logra poniendo el

mismo elemento, del mismo tamaño, forma y color a cada lado del encuadre.

Balance Asimétrico: se logra poniendo diferentes elementos a cada lado de la

mitad
del encuadre y que tengan el mismo peso, logrando que haya un balance en la
obra.

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 Composición con Líneas: Pueden estar dentro de la imagen o no. Pueden
actuar de diferente manera.

Composición Fotográfica
El Equilibrio: Mientras más equilibrada sea la situación de los elementos que la
componen, más agradable resulta la fotografía. Una imagen mal equilibrada es
rechazada inconscientemente por cualquier observador y su mensaje no podrá
ser captado.

El Ritmo: Resultado de la repetición de líneas, formas, volúmenes, tonos y

colores. Cuando se repite un motivo, la armonía de una escena aumenta.
Genera unidad y fluidez.

Reglas Básicas de Composición

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 Elegir bien el encuadre y el punto de vista: Encontrar el objeto que
queremos fotografiar y buscar el mejor punto de vista desde el que
sobresalga mejor.

La regla de los tercios: Fraccionamos la pantalla en tercios. El objeto

debe estar en uno de los puntos de intersección de la cuadrícula
imaginaria y no en el centro de la imagen.

Las líneas dominantes: Deben centrar la atención, no desviarla. Las

líneas pueden ser horizontales, verticales, curvas o cruzadas. Las
diagonales y líneas en "S" se emplean para imprimir un cierto movimiento a
las fotografías.

Líneas Horizontales: nos resultan más agradables y tranquilizadoras

ya que nuestros propios ojos ven en horizontal, por tanto es algo muy
natural. La mayoría de las veces le dará a la imagen una mayor
sensación de estático, pasivo.

Líneas Verticales: son tan naturales para nuestros ojos, por esto
mismo nos producen una cierta sensación de velocidad y aportan
muchísima fuerza a la foto.

Líneas Diagonales: al ser algo poco natural para nuestro modo de ver,
suelen darnos una sensación de inestabilidad y dotan a la imagen de
bastante dinamismo, por eso mismo será difícil, si haces un encuadre
con líneas diagonales, conseguir una foto aburrida.

Tres Leyes de Composición

Ley de la Mirada: por delante tengo más espacio que por detrás. Hay una
porción de aire, dentro del cuadro. Por está misma razón el fotografiar objetos
móviles, es muy importante captarlos entrando en la foto y nunca saliendo

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 Regla de los Tres Tercios: es el plano tres líneas horizontales y tres líneas
verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos
adecuados para situar el punto o los puntos de interés de la foto, alejando éste del
centro de la fotografía.

Si se aplica esta ley, nunca se ubica el motivo de mayor atención en el

centro de la foto, sino a la altura de alguno de los tercios.
No es necesario ocupar todas las líneas ni los puntos, sino situar sobre
cualquiera de ellos el elemento principal.

EJEMPLOS: El curso de un río, la dirección de un camino o una muralla,

pueden acabar su recorrido en uno de los puntos de intersección de la regla
de los tercios. Así conseguimos dirigir la mirada del observador al motivo
que queremos transmitir

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 Ley de Horizonte: divido el plano en tres líneas horizontales. Por ejemplo, un
tercio de cielo, de mar y de playa.
Si queremos destacar el cielo, la línea del horizonte, debe de ocupar solo el
tercio inferior de la imagen. Si queremos destacar el terreno, el horizonte debe
colocarse ocupando 2/3 de la fotografía.

Es importante aclarar que se pueden romper estas reglas, sobre todo si lo que se
quiere comunicar a través de la foto son texturas, tramas, formas, la uniformidad.

Punto de Interés: El punto de interés tiene que ser el elemento de la imagen

que primero capture nuestra atención, y normalmente será el objeto o persona a la

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 que queremos fotografiar. No debemos confundirlo con el peso visual de la
imagen, son dos cosas diferentes, de hecho a veces en una imagen puede o no
coincidir el punto de interés con el peso visual.

No toda fotografía tiene un punto de interés.

Proporción Áurea

Se crea a partir de la “Sucesión

Fibonacci”. Esta sucesión dice que
la suma de dos números te da el
siguiente. La proporción áurea se
crea a partir de la división del
encuadre en rectángulos para
luego dibujar una líneas en forma
de caracol.

Composición por Disposición

Nosotros ponemos los elementos
de la foto como realmente
queramos, creando las formas o
líneas que deseemos. (Siempre va
a ser una fotografía manipulada)

Composición por Selección

Nosotros podemos decidir qué es
lo que va a ver el espectador y
que no. Esto lo podemos hacer
simplemente cambiando el
encuadre.
A veces no podemos disponer en la
composición de nuestra foto, pero

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 sí podremos elegir qué área de
ese conjunto es de nuestro interés
desechando el resto

13 Reglas de Composición Fotográfica

• REGLA 1 (Rompe con la “Ley de los Tercios”): Identificación del centro de
interés. No tiene que ser necesariamente el objeto que ocupa la mayor parte de la
toma. Se ocupa cuando hay algo que destacar. (Mensajes, personas, ideas, etc)

• REGLA 2: Rellena el encuadre. Ocupemos con “ese algo” la toma. Eliminar los
elementos que hagan ruido.

• REGLA 3: Apoyarse en las líneas porque aportan formas y contornos. Dirigen la

mirada del espectador. (aportan a producir un equilibrio en la fotografía -
película-)

• REGLA 4: Trabaja el flujo. Es el modo en que se desplaza la mirada del

espectador de un lado de la fotografía a otro. Uso de líneas.

• REGLA 5: Juga con la dirección. Igual al flujo. Crea la ilusión de movimiento. Si

hay algo que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que que se
mueve.

•REGLA 6: Elementos repetidos. La repetición de algún elemento, dan sentido de

relación de distintas partes de una imagen. Unión. (ritmo)

•REGLA 7: Los colores comunican. Rojos, naranjas y amarillos son colores cálidos.
Azules, verdes y violetas son colores fríos.

•REGLA 8: Interés de los tres. Existe una percepción especial de los números
impares en fotografía, en especial de los grupos de tres elementos. (Máximo
numero de repetición 3 o 5).

•REGLA 9: Regla de los tercios. Los elementos fundamentales recaen en esos

puntos: ventanas y puertas, ojos, líneas de Horizonte. Llevando nuestro punto de
interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una toma más interesante.

•REGLA 10: Espacio negativo. Son los grandes espacios vacíos, normalmente en
blanco o negro. Dentro de la fotografía se tira el objeto a un lado.

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 •REGLA 11: Trabajando en tres dimensiones. Tanto en el fondo como en el frente
tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

•REGLA 12: El enmarcado . Existen elementos que pueden ayudar a poner un

marco en el centro de interés de la foto.

•REGLA 13: Son un elemento muy recurrente en la fotografía. Está relacionado con
la sensualidad. También transmiten movimiento y ayudan a conducir la mirada.

Géneros y Sub-géneros Fotográficos

GÉNERO
Diferentes temas tratados en las fotografías. Sirven para categorizar las fotografías.
Su uso es recoger los momentos importantes, dar testimonio, documentar eran en
suma funciones propias del dibujo, como lo era también servir de memoria familiar y
colectiva a través de los retratos.
La demanda social se va a encargar de determinar el tipo de imágenes que se
crean.

La necesidad humana de aprehender el mundo ha llevado al desarrollo de

diversas estrategias, algunas de las cuales no pretenden modificarlo, sino sólo
encontrar algunas de las características que poseen sus elementos (fase de
análisis) para posteriormente agruparlos en conjuntos caracterizados
porque todos sus elementos comparten las mismas propiedades (clasificación
o fase de síntesis).

LOS GÉNERO FOTOGRÁFICOS

Definición de género en el campo de la fotografía

Término para designar el tipo de fotografía en el que aparecen

personas en su ambiente normal de trabajo o diversión (…)
representación sin afectación de la vida corriente
del individuo medio.

EL SENTIDO DE LOS GÉNEROS

Retrato

Proviene de la pintura

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 La persona es el eje central de la fotografía.

Factor espacial: La imagen de una persona es retratada.

Factor Temporal: Condensa toda la vida en un segundo

Subgéneros: Fotografía erótica, de glamour, de moda o desnudos

Bodegón

Proviene de la pintura

Hay una ausencia de la persona, por lo tanto son lugares o cosas que ya
existen

Factor espacial: La figura tiende a integrarse con el fondo

Factor Temporal: Es la ausencia del tiempo

Subgéneros: Fotografía publicitaria

Reportaje

Género cultivado en el medio de la fotografía

Posee ciertas características que le permiten registrar imágenes con

tiempos tan breves como para memorizar una situación determinada en un
entorno continuamente variable en el tiempo.

La persona se encuentra en la fotografía

Factor espacial: Algo que tiene lugar en un cierto espacio

Factor Temporal: Pretende que un instante parezca un instante

Subgéneros: Fotografía de prensa, de guerra, ensayo, ilustración, de

reportaje, testimonial, informativa

FOTOGRAFÍA INFORMATIVA:

Responde a las 5W

Cumple los objetivos informativos o editoriales del medio (por lo

tanto está sujeta al mismo)

Comprometida con la “realidad”

Exige “objetividad” y, por lo tanto un mensaje como tal.

Tiene inmediatez (al ya, ahora), no profundiza los hechos.

FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL:

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 Nace en la practica de observar fotográficamente el mundo

Comparte el compromiso con la realidad

Describe fenómenos estructurales y sociales más allá de la noticia

Analiza e informa

Se sustenta de la opinión del fotógrafo

La imagen no se pierde en la inmediatez

Posee un objetivo transformador y concientizador

Es un periodismo gráfico de opinión que va más allá de la

información.

Por ejemplo los álbumes de fotos en nuestras casas

FOTOGRAFÍA DE ENSAYO:

Sustentada en la opinión del fotógrafo

Implica un análisis más profundo del tema

Investigación temática iconográfica en torno algún tema

Tesis y argumento del autor

Describe fenómenos complejos, emocionales, afectivos, políticos,

etc.

Mensaje cultural, editorial, ideológico

El tiempo no es limitante

Libertad temática, expresiva, creativa y reflexiva

Participación vivencial del fotógrafo

FOTOGRAFÍA DE ILUSTRACIÓN:

Complementario al texto o a la información

Fotografía ajena a la línea editorial del medio o el fotógrafo

Desvinculada de la realidad o a la verdad

Ajena a noticias, acontecimientos o fenómenos sociales

Acepta todo tipo de manipulación

Puede ser un montaje

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 Su objetivo no es informar, sino motiva, inducir o ilustrar

Generalmente por encargo

Total libertad en su narrativa

Generalmente independiente del autor

Paisaje

Viene de la pintura

Tiene una ausencia del hombre

Factor espacial: La atención se centra en el fondo

Factor Temporal: Intenta convertir un segundo en infinito

Subgéneros: Fotografía arquitectónica, Rural, Paisaje Imaginado.

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