Realización Del Espectaculo en El Teatro Puesta en Escena
Realización Del Espectaculo en El Teatro Puesta en Escena
ESCENA
Se trata de aquello que se muestra sobre el escenario o en pantalla de
acuerdo a la intención del director.
La puesta en escena incluye el vestuario, la escenografía, el decorado, la
caracterización, el sonido y las actuaciones. Lo que observa el público, en
definitiva, es la puesta en escena del realizador.
Precisamente, el rol que juegan las personas que aportan su visión de la
obra es esencial a la hora de llevar a cabo una puesta en escena. El
impacto que pueden generar dos miradas de una misma historia puede
variar drásticamente si la elección de los elementos antes mencionados
(vestuario, escenografía, etcétera) es muy diferente.
1. ESCENOGRAFÍA
La escenografía es el conjunto de elementos decorativos destinados a
ambientar y tematizar un entorno determinado.
Por lo tanto, podemos decir sin miedo a equivocarnos, que se trate de una
de las herramientas más importantes en los eventos.
La escenografía debe ser el reflejo del mensaje y del concepto paraguas
que pretende dar el cliente.
Y aunque se suele interpretar que la escenografía atañe solo al escenario,
la realidad es que va mucho más allá.
Hay que crear una escena que envuelva todo el evento. La escenografía
es un look`n feel, es el estilo que hay que marcar para transmitir el
mensaje ad hoc creado para la marca.
Todo debe partir de un concepto y una idea. Se trata de crear un universo
en el que sumergir al asistente para lograr los objetivos que tiene la marca
para ese evento.
No en vano, la escenografía forma parte del storytelling del evento,
haciendo que el mensaje sea captado de manera visual e instantánea.
Tiene la capacidad de transmitir una emoción concreta en décimas de
segundo, en un solo vistazo.
Además, para que funcione a la perfección debe estar en sintonía con
todos los demás aspectos, como el catering, la música, los discursos (si
los hay) o el tono de la comunicación.
2. UTILERIA
La idea de utilería refiere a un grupo de útiles. Los útiles, por otra parte,
son los utensilios, los instrumentos o las herramientas que tienen algún
tipo de utilidad (es decir, que sirven para un fin).
Se denomina utilería, de este modo, a los elementos que se utilizan en la
televisión, el cine y el teatro para complementar una puesta en escena. La
utilería, el vestuario y la escenografía permiten que se desarrolle una
representación ante el público.
Por ejemplo: “Me gustó la obra, aunque la utilería me pareció un poco
pobre”, “Tendremos que invertir dinero en la utilería”, “Todos los
elementos de la utilería son fabricados en el taller del teatro”.
3. MUSICALIZACIÓN Y SONIDO
El sonido escénico, en cualquiera de sus manifestaciones diseño,
composición o musicalización, es un lenguaje espectacular presente en
cada instancia de la experiencia teatral que supera ampliamente la esfera
de músicas agregadas.
El sonido escénico es, como todo artificio teatral, labor técnica y lenguaje
estético.
En el espacio es omnipresente, no entiende de cuarta pared: lo escuchan
los espectadores, los actores y los personajes simultáneamente, aunque
con cada uno plantea diferente vínculo y complicidad.
Es evento en el tiempo y como tal efímero, como la función teatral misma.
Sucede en el tiempo y se propaga al espacio: su lenguaje es el que revela
la pulsión, el ritmo, el latido de la obra y lo propaga, del escenario a la
platea.
Las voces de los diálogos, los silencios, la manifestación audible de las
acciones, los sonidos de la trama, las pausas y las músicas son el
resultado sonoro inevitable de convertir un texto en representación.
El germen, la pulsión del ritmo y el sonido escénico, está en la trama: es
el latido del relato que en la representación adquiere un cuerpo sonoro,
toca al espectador en la distancia y la obra se convierte en espectáculo
vivo, dinámico y audible.
El sonido escénico como conjunto se completa en las músicas que traen
la ronda, la reunión, el ritual colectivo que se concreta en la función teatral
ante el público.
El sonido y las músicas sincronizan el latido conjunto del escenario y la
platea, el pulso común en el que se concreta la re-unión, individual y
colectiva que propone cada historia en escena.
4. ILUMINACIÓN
La iluminación teatral forma parte importante de las artes y técnicas que
se usan como complemento de la danza. Es un refuerzo a lo que se
quiere transmitir en una coreografía, creando ambientes y atmósferas que
provocan sentimientos y emociones en el espectador.
La iluminación escénica o teatral, es una materia muy extensa y muy
compleja. Para dominarla, hay que saber mucho de física, matemáticas,
circuitos eléctricos, voltajes, etc. No es necesario que un bailarín posea
todos estos conocimientos, pero sí debería preocuparse por entender al
menos algunos conceptos básicos. Así como cuando hablamos de la
música y el ballet y comentamos que el bailarín debe dominar ciertos
conceptos elementales de la música, y que el músico debe tener
conocimientos sobre el ballet; así también, el bailarín debe aprender lo
básico sobre iluminación y el iluminador debe conocer la coreografía, su
carácter y lo que intenta comunicar.
En el antiguo Teatro Griego, hasta el siglo XVI, las representaciones se
hacían de día para que el público pudiera disfrutar de la obra. Después se
utilizaron las antorchas, hogeras, velas, y posteriormente, lámparas de
petróleo y de gas. Se dice que en 1664 se utilizaron aproximadamente
20,000 velas para iluminar el Teatro de Versailles. El cambio de la
lámpara de gas a la luz eléctrica, gracias al invento de Thomas Alva
Edison, significó un cambio radical en la forma de hacer teatro. La Opera
de París y el Teatro Savoy de Londres fueron los primeros en utilizar la
luz eléctrica. En 1970 se empiezan a utilizar los tableros de control
computarizados. El desarrollo de la iluminación teatral, se basa en el
control de las propiedades de la luz: intensidad, color, forma, distribución
y movimiento.
5. VESTUARIO
El vestuario es el conjunto de prendas, complementos y accesorios en un
espectáculo que permite caracterizar a los personajes en un contexto
especifico. La transformación del vestuario en el teatro ha ido
evolucionando a través de los años.
En el teatro griego la vestimenta tenía valor ritual. En la tragedia se
utilizaban máscaras, largas túnicas sacerdotales y trajes jónicos, también
llamado quitón (especie de vestido de lino que consistía en un trozo de
tela que no tenía sobrefalda). Mientras en el teatro romano, el vestuario
fue muy parecido al griego.
A finales de la Edad Media el vestuario empezó a tener mayor
importancia. Se retomaban ornamentos sacerdotales para personajes
bíblicos y atuendos contemporáneos para el pueblo. En el Renacimiento
se utilizó indumentaria contemporánea, con variaciones fantásticas en los
accesorios de los personajes, dependiendo de su importancia en escena.
En el teatro de actualidad el vestuario mantiene una relación con la
función social del personaje. Muchas veces está ligado con la
personalidad y aporta matices que complementar el carácter psicológico.
Juan Cervera en el ensayo Teoría y técnica teatral plantea que “el corte y
el color del vestuario han de estar orientados a la aportación de matices
que completen la definición psicológica del personaje que el autor a
menudo realza mediante actitudes y pormenores. Así el vestuario se aleja
de su función real para incorporarse al convencionalismo teatral. Actitudes
como vanidad, arrogancia, crueldad, sordidez o por el contrario
amabilidad, comprensión, jovialidad, bondad se tienen que reflejar en el
vestuario mediante pormenores que no pasarán inadvertidos del público”.
6. MAQUILLAJE
El maquillaje es el modo de combinar la pintura dentro del cuerpo. La
pintura de la cara y del cuerpo es un modo de comunicación porque
remplaza la palabra, así las imágenes de la pintura en el cuerpo pueden
decir, soy jaguar, soy gato o tengo 80 años.
Se hace una escritura en el cuerpo, un conjunto de las formas, un
lenguaje que expresa algo en particular. Cuando el maquillaje es algo
dentro de lo cultural tiene un significado y valores.
El maquillaje ritual es un lenguaje simbólico esto es que depende de los
valores y significados sociales que les da determinada cultura.
El maquillaje en el teatro tiene como función dramatizar las facciones del
rostro acentuándolas, exagerándolas, deformándolas o difuminándolas,
volviéndolas levemente sutiles, un ejemplo seria el jorobado de Notredam.
El maquillaje es una máscara donde el rostro conserva su movilidad. Las
expresiones faciales y especialmente los ojos, actúan en el maquillaje, se
dice que es una máscara con ojos.
7. ESPACIO ESCÉNICO
Se define espacio escénico como el lugar donde un actor representa un
personaje. No tiene que ser un lugar delimitado especialmente, sino que
se crea en cualquier parte donde un actor actúe para representar; puede
ser el centro de los espectadores, el patio de butacas, o una cuerda que
se balancea sobre los espectadores. Su localización depende del
concepto básico y general del espacio y de la relación que se establezca
entre actores y espectadores.
Las actividades y movimientos del actor en ese lugar significan las del
personaje en el lugar sugerido por la escena.
El espacio escénico tiene significado en relación a la sala de los
espectadores, pues su forma y condición determinada limita determinadas
formas de movimiento; existen escenarios circulares, elípticos, de suelo
plano, inclinado; también los materiales del suelo aportan significado y
limitan los movimientos, así como sus dimensiones. El escenario se
convierte en la posibilidad del actor de realizar determinados movimientos
que se interpretan como los propios del personaje.
El espacio escénico es un elemento imprescindible del código teatral, ya
que el actor como cuerpo tridimensional precisa siempre de un espacio.
Otras posibilidades adicionales del escenario, como los decorados, los
accesorios y la iluminación, son elementos potenciales, pero no
imprescindibles.
8. PUBLICO
“Conjunto de las personas reunidas en determinado lugar para asistir a un
espectáculo o con otro fin semejante”.
DIRECTOR
El director de escena (también, director de teatro) es la persona
responsable, en el ámbito de las artes escénicas (principalmente, el teatro
y la ópera), de supervisar y dirigir la escenificación de una obra,
unificando criterios y conductas de variados esfuerzos y aspectos de la
producción, como los decorados, los vestuarios, los efectos especiales, la
iluminación, los movimientos de los actores y en ocasiones incluso las
coreografías, cuando estas no tienen ya un coreógrafo que se ocupe de
ellas.
FUNCIÓN DE LA RAIZ
Las principales funciones de las raíces son fijar la planta al suelo y la
absorción de agua y sales minerales. Otras funciones son la de almacén,
como en el caso de la remolacha, zanahoria o batata, la síntesis de
hormonas vegetales, la aireación de la planta en medios acuáticos, como
medio de propagación de nuevas plantas, etcétera. En numerosas
especies la raíz se asocia de manera simbionte con determinadas
especies de hongos para formar micorrizas, y también algunas plantas,
como las leguminosas, se pueden asociar con bacterias de manera
simbionte formando unas estructuras denominadas nódulos. Estas
simbiosis permiten una mejor absorción de sustancias nitrogenadas por
parte de la planta.
ZONAS DE LA RAIZ
Desde la zona apical hasta las partes más maduras de una raíz se
pueden distinguir diferentes zonas, que suelen aparecer en todas las
raíces, aunque la longitud de cada una de ellas depende de la especie y
las condiciones ambientales. Son las siguientes: