Historia Del Arte - (No Es Mio)
Historia Del Arte - (No Es Mio)
- ARTES VISUALES: En su sentido más general, son las que se relacionan con la
impresión e ilustración, las que se expresan por medio de gráficos e imágenes; abarca
todas las artes que se representan sobre una superficie plana. Las Artes Visuales tienen
como función el comunicar lo que el artista desea expresar por medio de un lenguaje
visual, atendiendo tanto a los elementos compositivos como a los principios
compositivos, para que la obra en sí resulte agradable y de buen gusto para quien la
observe.
Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas las formas
de los animales que había observado, logrando representar sus movimientos, la masa y
la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por el
ser humano, que siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos los veían.
El hombre a través del tiempo deja su huella traduciendo la impresión que le transmite
un objeto reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, bien por medio de un trazo,
como en el arte egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del
relieve por el juego de las sombras y de la luz; este último modo de expresión es ya
visible en los frescos de Pompeya y en los artistas del Renacimiento italiano, como
Leonardo De Vinci. En términos generales, este arte se ha desarrollado en función de
las condiciones de existencia de cada época, de cada cultura y de los progresos y
conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por los artistas.
Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los
instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el
pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas
figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de
sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos,
pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los
colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la
pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o
con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera,
piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después
trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de
los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química,
dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos emplearon la técnica
del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encáustica en retratos. En el arte de
la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio
esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las
pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos
molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo,
adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco,
aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un
método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy
utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y
al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La
Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt,
no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con
aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de
linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método
transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo
blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el
exceso de aceite.
La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente
para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en
ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo
y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con
respecto a la representación de la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes
rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos,
vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo
seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de
armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a
que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
PINTURA: La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un
medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de
religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el
equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica,
natural y contemplativa. La representación de la figura humana se caracterizó por los
siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil;
hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista.
Utiliza trazo seguro y firme.
Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del
Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético,
proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad
genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El
atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La
sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los
griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura.
El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle
a sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio
de elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una
pequeña península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país nacieron las
primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros
conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el
arte de los griegos.
- Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un
estilo y una técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio
estas figuras eran de tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron ideas de
movimiento, los brazos se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa.
Las esculturas eran hechas como ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros
de Anavyssos (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del
caballero Rampios, etc.
- Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época
toma modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de
realización, entra la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de
monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa
a un primer plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más
importantes: las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de
conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que
sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi
toda, y lo que ha quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo
era aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos,
Zeuxis, Parrasio y Apeles.
CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en
lo que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa
evolución de su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas
variadas y originales, predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las
tonalidades del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo
sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas animales y
humanas.
Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del
Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después
de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado,
más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el
arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores logros los presenta
en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio
de esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas
heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se
observan dos corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la
forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico -
Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el
paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en
Pompeya), se observan cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o arquitectónico,
ornamental y fantástico.
- ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad
Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este nombre
hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte
romano, del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha
denominado románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los
idiomas derivados del latín.
PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones
de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era
un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la
composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que
muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a
través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son
las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de
significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas
muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.
Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia romana,
asciende de repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande, al rango de
capital imperial con el nombre de Constantinopla. Medio siglo después, el emperador
Teodosio divide su reino entre sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el
Imperio de Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con centro en
Bizancio. La caída del Imperio de Occidente (año
476) echa sobre Bizancio la herencia espiritual de Roma y acrecienta su importancia
como poder político y artístico, que le llegará a su cúspide con el glorioso Justiniano.
Pero la situación geográfica de Bizancio, en las puertas de Asia; su alejamiento de las
fuentes latinas y el contacto estrecho y continuo con
los reinos de oriente, influyen sobre ella en forma que si, por una parte, mantiene su
título de hija y continuadora de la cultura clásica, por otra, Bizancio ofrece los rasgos de
una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres,
gustos y estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual se
refleja en su arte.
ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio
estuvo más en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural.
Por eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los
griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los
más importantes tenemos:la cúpula, las trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los
contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la
arquitectura bizantina es la Iglesia. (imagen Catedral de Santa Sofia - Estambul)
LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte mural bizantino sin referirnos a una de
sus más hermosas creaciones: el mosaico. Consistía en la composición de grandes
escenas, generalmente religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de
cerámica o de mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base
debidamente preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las figuras que
se querían representar. La gran diversidad de colores y matices de estas teselas permitía
dar a las figuras todos los efectos de la pintura, en lo que se refiere a tonalidades,
sombras, formas, etc.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.
- La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los
curiosos el deseo de conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto, en sus
inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto arquitectónico,
posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por completo el conjunto
lineal arquitectónico.
- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos
colores.
- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y
ventanas, generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o
curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las pilastras tienen
sus orígenes en la arquitectura romana.
ARQUITECTOS RENACENTISTAS
ESCULTURA
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la escultura
renacentista. En esta época se advierte:
Surgen los primeros intentos del nuevo estilo escenificado en las obras de los "pisanos",
Incola, Giovanni y Andrea Pisano.
Realización de "Madonas".
Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad artística
se encuentra centrada en la ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus
principales representantes son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además,
cabe destacar la importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della Robia,
Andrea y Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad
escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y vidriado.
Diversificación temática.
Efectismo pictórico.
Durante este siglo la figura más resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza
numerosas obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores
de la misma época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Dominio anatómico.
PINTURA
La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su
propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha
importancia.
Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos
representantes más significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della
Francesca y Sandro Botticelli, entre muchos otros, con pinturas verdaderamente
grandiosas.
Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de
1527, en el cual se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci,
Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean
Cousin y el Greco.
El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los
recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de
profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro.
A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los
pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.
EL DIBUJO Y EL GRABADO
Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes,
bocetos y estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio,
quienes se destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el
manejo del lápiz. El que más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a
través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos
finos pero firmes, destacando las expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no fue
considerado en la época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para
tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de composición, perspectiva,
movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.
Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre
papel. Pero si el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en
cambio el grabado, sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como
una técnica autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales: el
grabado en metal (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya difusión
contribuyó el reciente invento de la imprenta en 1450.
- BARROCO
Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida fue
Italia, Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la
arquitectura. De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de
España, el Barroco se difundió por toda América y alcanza su momento culminante en
el siglo XVIII.
ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son
la Iglesia y el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales
que enmarcan la gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de
Versalles, consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo central
contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis de gran valor
artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son las galerías, que son salones
largos, abovedados y con ventanales, y la escalera "a la imperial".
PINTURA: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo
y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones,
animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos.
Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas
normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas,
pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más
caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad
dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o
estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel
Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y
Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal, representado
magistralmente por Diego Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José de
Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos
escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue
representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la
Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes:
Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
El ROCOCO
ESCULTURA: Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue difícil
desprenderse de él . Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la
efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el
movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco afectaba solamente a la
concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada como un detalle para dar vida a
cada pormenor de los cuerpos.
NEOCLASICISMO
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas.
Aspiración a una belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes, según medidas
dadas por la razón.
PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El
artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien
influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la
influencia italiana e inglesa se fundieron.
- ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la
frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el
romanticismo era imaginación, pasión e infinito.
CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede
manifestarse según su gusto y según las exigencias de la propia obra.
ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX y
representó una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad y
eclecticismo absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor de
los ideales medievales.
- REALISMO
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y trabajadora, expuestos
con sentido de crítica social.
Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por los contrastes del
claroscuro.
- IMPRESIONISMO
- EXPRESIONISMO
- FAUVISMO
- CUBISMO
- FUTURISMO
- SURREALISMO
Este movimiento vanguardista no se
circunscribió a un solo lugar geográfico y su
manifestaciones son tan variadas como sus
interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man
Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy
(imagen) ,fueron sólo algunos de los artistas
que tomaron parte activa en el grupo de los
pintores surrealistas. El Surrealismo, libró a la
pintura de su larga sumisión a la imagen
realista y del concepto de espacio heredado del
Renacimiento, dándole rienda suelta al artista
para expresar sus sentimientos e impulsos más
íntimos. Influido por el psicoanálisis de Freud
y las doctrinas revolucionarias de la época, el
surrealismo supo dar cause a vagos impulsos
renovadores latentes en la intelectualidad
surgida de la primera posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a 1928.
Como ideal es-
tético se propone lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto
ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no era "hacer arte", sino explorar
posibilidades.
- ABSTRACCIÓN