Tema 3: Del movimiento romántico al realismo

1. La idea de lo sublime (en el tema 2)

Blake y Fuseli son los autores utilizados para hablar del concepto de lo sublime. Son
figuras que de tanto vivir en su tiempo, acaba viviendo contra su tiempo, visionarios que
se anticipan y acaban siendo ignorados.

Romanticismo es una época donde la relación con la sociedad adquiere una mayor
dimensión, más complejas y turbulenta.

2. Paisaje del alma: Turner y Friederich:

2.1 Introducción:

La idea de los sublime explota y se desarrolla más durante el romanticismo. En el tema

anterior hemos visto estos paisajes donde se introducían elementos que se metían en el
cuadro porque eran pintoresco, desarrollándose en la idea del jardín inglés, amor por lo
irregular, lo que se sale de las normas. De aquí, vamos a pasar ya en el siglo XIX a pinturas
como Constable y Turner, los grandes paisajistas británicos.

2.2 Constable

CONSTABLE fue un paisajista inglés de finales del XVIII e

inicios del XIX. En su obra El valle de Dedham (1802) introduce
la cualidad atmosférica, pues Constable conecta el paisaje con
la emoción creando una atmósfera poética, también presente en
El carreta de heno
(1821).

La catedral de Salisbury (1823) añade además un

sentido cultural muy amplio, y ni el cielo nublado

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ni los árboles están dispuestos de forma casual. La ausencia de una excusa mitológica o
religiosa indica que el paisaje, como género en sí mismo, está empezando a ganar
prestigio e importancia.

Al compararlo con los cuadros de Claudio de Lorena, esta cualidad no aparece en las
obras de Lorena. En sus cuadros la climatología cambiante británica se aprecia a la
perfección, representando cada detalle de las nubes, como por ejemplo en la obra Estudios
de nubes (1822). Las nubes, para ese momento, seguían siendo algo desconocido y
misterioso, casi filosófico, cuya explicación sobre su formación ignoraban. Es un artista
que influye mucho en la pintura francesa, sobre todo por su pincelada, muy suelta.

Hay mucho juego con los reflejos del agua, y siempre juega con una amenaza de tormenta.
Claudio de Lorena no se para a representar esa densidad atmosférica. Parece que
Constable transmite un sentimiento, y es lo que empieza a ser romántico, donde el paisaje
se va a convertir en el transmisor de esas emociones.

En general, durante el romanticismo se va a poner de moda la vuelta al gótico, es decir,

un estilo neogótico. Este regreso al pasado medieval vino motivado por un auge de los
nacionalismos, pues querían encontrar un origen común para todo el territorio del Estado.
Por ese motivo, en el arte se vuelve a las variedades locales del arte medieval. Se producen
también una serie de falsificaciones de la historia, como el neogótico victoriano o el
neomudéjar (que mezcla arte árabe con otro tipo de estilos).

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Unido a este espíritu de “revival”, el romanticismo es también una época de auge de las
restauraciones, destacando la figura de Viollet-le-Duc. Viollet-le-Duc realiza una
restauración interpretativa, que parte de la falsa premisa de la unidad del edificio, es decir
que cada edificio tenía un único estilo. Por ejemplo, el Monasterio de Batalha, realizado
entre 1386-1517, era un mix de estilos en origen, pero fue restaurado a partir de 1840
interpretándose como un edificio gótico en su totalidad.

También es un momento de auge de las ruinas, como en la obra de Turner de las ruinas
de la abadía de Tintern, que representan grandes hitos de la Antigüedad y nos remarcan
la pequeñez del ser humano. Hay también una reivindicación de las artesanías y de las
artes “menores” dado este auge de la revitalización de la Edad Media.

Se crea un enfrentamiento entre lo clásico y lo gótico, vinculado este último al

romanticismo y a una belleza poética. Así, también lo cristiano se convierte en algo
moderno.

2.3 Turner

Turner es un artista inglés del siglo XIX. Su forma de usar la luz choca con otros artistas,
pues las obras de Turner están cargadas de matices y tonalidades doradas, interpretando
la luz de una forma completamente distinta, dándole mucho más protagonismo conforme
pasaban los años, hasta llegar al punto de que el elemento más importante en obras como
Tormenta de nieve o Barco de vapor en la bocana de un puerto. Según se fue acercando
a esto, fue recibiendo cada vez más críticas, ya que su arte no era entendido por sus
contemporáneos. Algunas de sus primeras obras como la catedral de Salisbury o el Puente
de - vemos un interés topográfico por representar las obras, que conecta con la figura del
artista-viajero, algo sintomático de la época, pues los artistas quieren pintar de forma más
empírica el paisaje.

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2.3.1 DIDO CONSTRUYENDO CARTAGO (1815)

Esta historia fue utilizada en esta época para alegorizar la relación entre la Francia e
Inglaterra napoleónicas. Desde el punto de vista compositivo, es una referencia completa
a Claudio de Lorea y obras como Puerto de mar: la
reina de Saba embarcando. En este cuadro, sin
embargo, el protagonista es el Sol, que incluso
difumina las sombras, cubre todo el cuadro a la paz
que parece que atrae, como un imán, al resto de
elementos.

Se muestra una historia utilizada en esta época para alegorizar la relación entre la Francia
e Inglaterra napoleónicas. Es un motivo tomado de la Eneida de Virgilio donde Dido, que
se enamora de Eneas, se quita la vida cuando él se marcha. Desde el punto de vista
compositivo, es una referencia completa a Claudio de Lorena y a obras como Puerto de
mar: la reina de Saba embarcando. En este cuadro, sin embargo, el protagonista es el Sol,
que incluso difumina las sombras, cubre todo el cuadro a la paz que parece que atrae,
como un imán, al resto de elementos.

2.3.2 TORMENTA DE NIEVE: ANÍBAL Y SU EJÉRCITO CRUZANDO LOS ALPES

(1812):

Esta obra representa una tormenta de una forma peculiar, como si fuera una ola. Este
fenómeno meteorológico invade el cuadro y se convierte en protagonista mientras que
Aníbal aparece en un segundo plano, en la parte inferior. Se relaciona la obra con el
mundo de lo sublime, con la naturaleza envolvente que convierte al ser humano en
pequeño y asustado. Turner había visitado los Alpes, y aunque no presenció una tormenta
allí, sí lo hizo en Yorkshire. La unión de estas dos experiencias le motivó a pintar este
cuadro.

Representa una tormenta de una forma

peculiar, como si fuera una ola. Este
fenómeno meteorológico invade el
cuadro y se convierte en protagonistas,
mientras que Aníbal aparece en un
segundo plano, en la parte inferior. Se
relaciona la obra con el mundo de lo

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sublime, con la naturaleza envolvente que convierte al ser humano en pequeño y asustado.
Turner había visitado los Alpes, y aunque no presenció una tormenta allí, sí lo hizo en
Yorkshire. La unión de estas dos experiencias le motivó a pintar este cuadro. Los
británicos se sentían asustados frente a la Francia napoleónica, por lo que hicieron del
tema de Aníbal algo contemporáneo.

2.3.3 INCENDIO DEL PARLAMENTO (1835):

Este es el incendio del Parlamento británico, que tuvo lugar en 1834. Se unen todas las
vertientes que hemos visto: afán topográfico (el lugar es reconocible), es fiel a lo que ve
y a la sensación que produce (una sensación que además se relaciona con el debate en
torno a la percepción: ¿percibimos solo con los ojos o con más sentidos?), sentido
documental (un hecho histórico). Es una experiencia sobrecogedora. Precisamente a
Turne, por obras como estas, se le considera precursor del expresionismo y del arte
abstracto. Turner transmite las experiencias vividas a través de una pintura donde la
materia se disuelve en la luz. Los colores se entremezclan y lo de ariba y lo de abajo se
confunde entre las manchas de color.

Se muestra el incendio del Parlamento británico, que tuvo lugar en 1834. Se unen todas
las vertientes que hemos visto: afán topográfico (el lugar es reconocible), es fiel a lo que
ve y a la sensación que produce (una sensación que además se relaciona con el debate en
torno a la percepción: ¿percibimos solo con los ojos o con más sentidos?), sentido
documental (un hecho histórico). Es una experiencia sobrecogedora. Precisamente a
Turner, por obras como estas, se le considera precursor del expresionismo y del arte
abstracto. Turner transmite las experiencias vividas a través de una pintura donde la
materia se disuelve en la luz. Los colores se entremezclan y lo de arriba y lo de abajo se
confunde entre las manchas de color.

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2.3.4 TORMENTA DE NIEVE: O BARCO DE VAPOR EN LA BOCANA DE UN
PUERTO (1842)

Aquí se cuenta que Turner estaba en un barco y se hizo atar al mástil de un barco para
desde ahí vivir una tormenta, algo que, verdad o no, denota la intención de experimentarlo
con su cuerpo, no con únicamente la vista. Vemos varios elementos: agua, nieve, aire,
vapor de la chimenea del barco… Todo ello genera una sensación envolvente.

Se cuenta que Turner estaba en un barco y se hizo atar

al mástil de un barco para desde ahí vivir una tormenta,
algo que, verdad o no, denota la intención de
experimentarlo con su cuerpo, no con únicamente la
vista. Vemos varios elementos: agua, nieve, aire, vapor
de la chimenea del barco… Todo ello genera una
sensación envolvente de texturas atmosféricas sin
elementos claramente definidos.

2.3.5 LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD. EL GRAN FERROCARRIL DEL OESTE

(1844):

Crea una atmósfera gracias a la mezcla de lluvia, vapor… Esta obra es muy útil para
explicar de que manera esta visión atomsferica, lsoc contornos representados se diuyen
en el vapor y la lluvia. Esta forma de pintar, es lo que va a influir profundamente en el
impresionismo, como vemos en el puente de Argenteuil de Claude Monet. Forma de
captar infantil, en el sentido de que no está lleno de prejuicios. También observa que la
manera de representar las fuerzas de la naturaleza que recorre el cuadro supone irse de la
escala humana e irse a otro plano no humano.

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2.4 Friedrich

El romanticismo en Alemania tuvo mucha fuerza e importancia. Friedrich producción de

paisajes que expresan espiritualidad, un mundo religioso.

2.4.1 La hermandad de St Luis Antes de entrar en su obra, para situarnos en el contexto

alemán, veremos a los Nazarenos, que reciben el nombre de Hermandad de San Luis, es
un conjunto de pintores relacionados con lo religioso que enlazan con la recuperación de
las tendencias medievales. El nombre de san Luis es porque este santo pinto por primera
vez a la Virgen. Fueron a Roma y el determinado tipo de pintura afectaron a su forma de
vida. Manifiestan la voluntad de unir arte y fe, tipo de pintura por el que apuesta esta
comunidad artística. Pretendían revivir la honradez y espiritualidad del arte cristiano
medieval.

2.4.1.1 El triunfo de la religión en las artes: vemos un posicionamiento de otras series de

referentes. Vemos una serie de monjes, la iconografía de la virgen y el niño. Fuente es
símbolo de reencarnación. También vemos pintores que toman como referencia para
volver a una pintura cristiana pura, pintores italianos como Fra Angelico o Raphael;
flamencos, etc.

2.4.1.2 Italia y Germania: simboliza la unión cultural entre Italia y Alemania. Cada figura
tiene arquitecturas distintas de cada región. Nos sirve como referencia al mundo que
toman como fuente de inspiración tanto estilos como temas.

2.4.1.3 José vendido a los comerciantes egipcios: pintura con representaciones de

momentos bíblicos, representa esa emocionalidad de manera antigua como Giotto.

Este tipo de representación en esta época no resulta tan increíble como si resultan los
paisajes de Friedrich que consigue llegar a ese deseo de crear una pintura religiosa que
consigue emocionar a través del genero del paisaje y no la biblia.

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2.4.2 Cape Arkona:

Pintura de una colina. Vemos ese amor por el detalle empírico, pintura detallada, las
rocas, nubes, etc. Parece que el tiempo se ha suspendido en un momento, la luz que
desprende el Sol parece casi una luz sobrenatural. Nos da una imagen detenida que casi
nos invita al silencio y contemplación del paisaje. Frente a los cuadros de Constable y
Turner, aquí parece que el tiempo se ha suspendido en un momento determinado de la
puesta de sol, y la luz resulta sobrenatural.

2.4.3 Paisaje invernal:

Muchas cualidades vistas en el cuadro anterior. Escena calmada, pero produce una
inquietante con esos troncos que parece lo de las tumbas y esos árboles. Vemos también
al lado del árbol un personaje. Produce una situación inquietante con tocones que se
levantan hacia el cielo negro. La presencia humana es prácticamente inexistente, y nos
muestra la pequeñez del ser humano frente a la naturaleza, además de que el personaje
nos guía la mirada hacia donde este la dirige. Hay un juego poético en el cual la forma
del árbol recuerda a la de la iglesia

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2.4.4 Paisaje invernal con iglesia:

Aquí resalta una figura, hay una cruz, una presencia humana que casi que no se ve si no
fuera por esos palos de caminante. Tenemos una catedral gótica que enlaza con las
proyecciones culturales de lo gótico, como imagen de antonomasia, arquitectura que
trataba de imitar a la naturaleza, comparando las construcciones con los bosques. El árbol
esta imitando la forma de la catedral, vemos que las características del edificio y el árbol
son iguales.

Estos personajes no se ven con facilidad, ni hacen mucha acción; estos individuos sirven
para hablarnos de la relación del sujeto con el paisaje. Todas nos dan la espalda, algunas
tienen un mayor tamaño, en otras es difícil verlas, etc; estos personajes tienen como
función hacernos entrar en el cuadro, a contemplar el paisaje. Son todos figuras
contemplativas, absortas en la visión de la naturaleza. En este sentido, representa la idea
del paisaje como experiencia contemplativa, individual.

2.4.5 Caminante ante un mar de niebla:

Este personaje impide ver el paisaje en su monumentalidad.

Son excursionistas, personas que se van a pasear al campo,
una experiencia de conexión con la naturaleza, muy habitual
en la Alemania del momento. En este sentido, todo esto
muestra un sentimiento religioso, este sentimiento y
espiritualidad se refleja a través del paisaje. En todos los
cuadros, los seres humanos aparecen de espaldas, a pequeña
escala, y normalmente irrelevantes en la plenitud de la obra.
Refuerza la idea del paisaje como experiencia individual.

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Acantilados blancos en Rugen muestra a una pareja de caminantes que disfrutan de la
contemplación de la naturaleza como experiencia mística.

Visión que identifica a la naturaleza con Dios, ve en los elementos de la naturaleza

símbolos que representa a Dios. Apenas hay cruces salvo en la obra vista y la Cruz de la
montaña, aunque aparezca una cruz, esta no tiene mayor importancia de ser un elemento
más del paisaje. Nos recuerda a los perfiles de una catedral gótica, lo vertical se vincula
con los religioso y gótico.

La luz es rara, podemos entender que se está poniendo el sol y vemos los rayos que
proyectan todos esos colores a las nubes, pero hay algo antinatural en el tono de la luz. SI
lo comparamos con otros, las nubes no se mueven, no hay un estudio climatológico de
las mismas.

2.4.6 Espesura de abetos en la nieve:

Imagen de suspensión. Todos estos árboles tienen

resonancia con lo gótico, esas alturas, formas, etc.

La pintura de Friedrich es una pintura simbólica, cuadros

concepto, cada elemento de la naturaleza se convierte en
símbolo de lo divino, por ejemplo, los barcos representan
la vida, el transcurso de la vida.

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Lo vemos en el cuadro de las tres edades de la vida, todo
vinculado con el transito del mar. La llegada a un puerto
representa l final, vista de un puerto, donde los mástiles
simbolizan cruces.

2.4.7 Mañana de pascua:

Todo es simbólico, vemos las tres figuras que nos invitan a entrar
y contemplar el paisaje. El cielo tenemos la luna. Los brotes en el
árbol creciendo, todos estos elementos representan la
resurrección, el ciclo de muerte y resurrección.

2.4.8 El mar de hielo:

Recibe esa idea de que no aparecen símbolos religiosos, pero el sentimiento se transfiera
a todos los elementos dl paisaje, este mecanismo poético pone en forma esa paradoja
poética de que aquello ausente se hace presente con mayor fuerza. Estos lo vemos en la
obra. Hay un troco de barco al final, lo más interesante es que no representa el naufragio,
nos habla de un momento catastrófico, pero la tormenta ya ha pasado. Esto se ha
vinculado con el momento personal de la muerte de su hermano. EL momento del
naufragio, lo particular es que representa la calma después de la tormenta, no el mismo
momento.

En la basa de la Medusa representa el naufragio, ese sufrimiento, el drama del momento,

sin embargo, con Friedrich el drama ya ha pasado y el resto nos lo deja a nuestra
imaginación, así es como funciona la pintura en el sentido poético y pictórico. Detallismo
con el que está pintado esos fragmentos de hielo, representación con una naturaleza
sublime.

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2.4.9 Monje junto al mar:

En la obra vemos una figura que está en la costa contemplando el mar. Se expuso en el
salón en 1810, los contemporáneos decían que no era nada. En un principio pensó en
poner unos cuadros en el mar, pero lo descarto. Es una obra muy atrevida respecto a los
estándares del momento, precisamente porque no tienen tantos elementos. La figura nos
cuesta identificarla porque va vestido de negro. Aquí lo que hace es una pintura del vacío,
entendiéndolo como algo que rodea todo. El paisaje es inspirado del norte de Alemania,
el Báltico, no es un paisaje tan alegre.

Al ser un monje la figura, se le da un mayor sentido. Tenemos tres elementos: la línea de

costa, el mar y el cielo ocupado por una bruma que nos recuerda a la del paisaje de
invierno con iglesia, el elemento representado tras la niebla nos resulta incluso más
sublime. Por lo tanto, reducción extrema de los elementos del paisaje.

Ese monje con actitud contemplativa está mirando a la nada, casi una negación a la
imposibilidad de ver, esta reducción del paisaje al mínimo también esta relacionado con
la idea de reducir el paisaje a su esencia algo que hará también Piet Mondain, esto es lo
que va a pinturas horizontales y verticales que veremos en el siglo XX, siendo este estilo
una reducción abstracta del paisaje que vemos en el tableaus 1, en la naturaleza hay una
serie de esencias, dualidades esenciales que resumen todo lo demás.

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Otra cuestión en el cuadro, al compararlo con otra imagen como
la del caminante es la posición del sujeto, donde en este cuadro
no vemos esa posición firme del personaje, aquí esta engullido
en el paisaje, una gran novedad es la construcción del paisaje.
Es una construcción del espacio por capas superpuestas,
considerado precedente de Rothko, cuadros muy grandes con
gran densidad y capas tras capas con sensación de bruma con
resonancia poética.

2.4.10 Abadía en el robledal:

Es pareja de la anterior obra. Nos encontramos con un primer plano accesible, hay más
elementos, toda una serie de figuras que están llevando un féretro a enterrar, recorren una
arquitectura gótica que tiene conexión con las formas de la naturaleza, los árboles.
También vemos una cruz pequeña que no se ve bien. En general es muy oscuro, pero tiene
cierta esperanza en la luna creciente, sobre la rama más alta, esta simboliza la vida eterna.
Tenemos dos espacios separados por la bruma que genera a división y diferenciación
entre la realidad y lo divino, lo infinito. Juego de lo cercano y lo lejano.

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 3. La revolución permanente: la pintura romántica francesa.
En Francia, la pintura tiene una serie de peculiaridades. Frente a los autores alemanes, no
se centran en el paisaje, sino en las figuras humanas. Tenemos dos tipos de pintura: de
línea y de color. El principal exponente de la pintura de línea es Ingres, mientras que de
color destaca Delacroix. Los pintores de color son denominados románticos.

3.1 Ultraclasicismo o romanticismo de la línea.

Siguiendo el desarrollo de la pintura con François Gerard, que
se podría clasificar su pintura dentro del principio del
romanticismo de la línea, se centran en una pintura liberaría,
donde en el cuadro Eros y Psique muestra gran erotismo, muy
presente en este tipo de pintura. Hay una mayor sensación de
irrealidad que en otros cuadros como en los de David, del que
fue discípulo. Están mucho más iluminados, lo que hace que se
vean más etéreas.

Otro discípulo de David fue Pierre-Paul Prud’hon, como con su

cuadro El crimen perseguido por la venganza y la justicia.
Vemos un tema más oscuro.

A Anne-Louis Girodet Trioson no le interesa solo el mundo clásico, sino también lo

literario y exótico, como muestra en su cuadro El entierro de Atala. Está oponiendo a los
salvajes con la santidad de los cristianos. Atala es hija de un cristiano y una nativa, y
aunque se ha criado con los nativos, era cristiana e hizo un voto de castidad. El otro chico
es nativo, pero pierde a su padre y es criado por un cristiano, que resulta ser el padre de
ella. Finalmente, ella se ha suicidado porque se ha enamorado de él, pero como hizo el
voto de castidad no podía. El que la sujeta era un misionero que iba a decirle que podía
retirar sus votos, pero no llegó a tiempo. Hay una carga erótica en la representación de su
escultórico pecho.

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Otro cuadro que destaca de este autor es La apoteosis de los héroes muertos por la patria
durante la guerra de la libertad. Se utiliza para glorificar estos personajes la apoteosis,
que enlaza con la iconografía barroca (cuando un
santo es recibido por una gloria celestial). Para
hacer una apoteosis de estos héroes republicanos,
en vez de ser dios el que recibe con su gloria, es
Ossian, de una epopeya gaélico escocesa (que
luego resultó ser una falsificación). Hay una luz
muy blanca, casi artificial, con una serie de figuras
femeninas que son prácticamente etéreas y
transparentes.

3.2 Jean Auguste Dominique Ingres (romanticismo de la línea)

En el cuadro Napoleón entronizado podemos ver un hombre extraño y
extravagante, una divinización de Napoleón en un modo totalmente
arcaico: es hierática, llenando todo el cuadro con su figura,
absolutamente simétrica y con todos los símbolos del poder (cetro de la
justicia de Carlomagno, el águila en la alfombra y los ropajes reales). A
la vez está cargado de un lenguaje fantasioso.

Recuerda al cuadro Júpiter y Tetis, donde hay toda una serie de elementos de fantasía que
transmiten una clara sensación de irrealidad. Es una historia de la Ilíada rogándole Tetis
que intervenga por Aquiles. Al lado tenemos a Juno, la mujer de Júpiter, que parece que
está adaptando su propia fisionomía al poder de Júpiter, asimilándose a un ser in
vertebrado; está rompiendo la proporción para mostrar el poder de seducción de Júpiter
como alguien al que ruegan.

Tetis es una línea sinuosa. Están desafiando las leyes de la

gravedad. También hay una falta de concordancia, pues frente
al relieve de la base con cuidadosos detalles, está Juno como
borrosa. Tuvo que enviar este cuadro a David para que lo
revisase y se dijo que era un cuadro absolutamente excéntrico
en su manera de representar el mundo clásico.

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En Edipo y la esfinge se afirmó por algún crítico que parecía un chino perdido por Atenas.

En Roger libera a Angélica del dragón llama la atención la eroticidad de ella, que no sale
en la historia, sino que es una fantasía de Ingres. El cuello aparece torcido, de manera
surrealista, absolutamente rendida hacia ese poder masculino, su héroe.

En la Gran odalisca vemos también contorsionismo, pero por el desnudo de espaldas, el

cuerpo delgado de la mujer y la luz no generó gran escándalo en la época., idealizando la
realidad de la carne humana. No son mujeres reales, sino que son idealizadas de manera
excéntrica. Contorsión puesta que no puede ser real, como si la hubiera representado de
distintos planos.

Sin embargo, en Las bañistas de Courbert, que veremos más adelante, sí que se criticó el
desnudo, ya que el tratamiento de la piel iluminada era mucho más real. Además, en este
último, se muestra el culo en el centro, mientras que en el cuadro de Ingres se encuentra
tapado. Gran odalisca recuerda al cuadro de Mme. Recamier de David, donde la dama se
cubre con un gesto pudoroso. Cada una de las partes de su cuerpo se retuercen en una
dirección y eje distintos, lo cual es lo contrario a la Venus del espejo de Velázquez.

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Otra razón por la que tampoco escandalizó el cuadro es que es tan artificial, aleja a la
figura de la realidad haciéndola asequible para los cánones morales de la sociedad. Las
odaliscas eran las esclavas que servían a las concubinas y las esclavas del sultán, y con
suerte podían llegar a ser concubinas en un futuro. Se relaciona con el orientalismo, con
lo exótico. Lo vemos en el tocado, en las telas, en el abanico, por lo que resulta lejano, es
un filtro y por tanto es más aceptable para los estándares de la época.

El baño turco es una excusa para mostrar su fantasía

literaria retratada en los baños de Constantinopla que una
viajera escribió “había 200 mujeres desnudas, retozándose,
etc.”. Fue una escena que influyó mucho. Nunca estuvo
realmente en uno, sino que toda la información que tiene es
literaria y la imaginación romántica del propio pintor. La
forma es un juego, como si estuviéramos viendo a través de
un agujero.

Tiene una proliferación de la línea en esos cuerpos sinuosos y sensuales con esos
elementos lujosos que alimentan la realidad fantasiosa, aunque la figura de la derecha es
un retrato de la mujer de Ingres, lo cual enlaza con la realidad. Se pinta en un círculo, de
acuerdo a la sinuosidad de los cuerpos, pero a la vez parece que lo estuviésemos viendo
a través de un agujero. Vemos un retrato idealizado de su mujer en la obra. Como se
representa a la mujer y se relaciona con la sexualidad masculina. Dentro de toda esa visión
intelectual está el juego de la luz fría que nada tiene que ver con la obra de Mujeres de
Argel de Delacroix.

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3.2.1 Retratos:

Retrato del romanticismo del color es un retrato poético, juega con las luces y sombras,
es un retrato psicológico.

Monsieur Rivière: retrato de Ingres. Nos encontramos con un personaje que nos mira sin
vernos, es una sonrisa complaciente, personas que muestra su riqueza mediante sus
atributos y vestimentas. Esto sería lo que se caracterizaba como retrato histórico, figuras
bien definidas, representativo donde se ha escogido subrayar una serie de atributos para
mostrar el poder de la persona. La pareja de este cuadro es la de Mademoiselle Rivière,
donde la mujer esta vestida, pero hay un recurso que le da una sensualidad a la mujer
mucho más sutil. Frente a la Mona Lisa, la figura es mucho más curva, resaltado la
curvatura del cráneo, cuello, espalda; esta curva recorre toda la obra, no solo su cuerpo
como podemos ver el chal. Al mismo tiempo sensual e intelectual.

Monsieur Bertin: se puede ver un personaje poderoso

de la época que dirigía un periódico. No es un retrato
realista, manos fuertes y poderosas que nos trasmita el
gesto de alguien muy activo, listo para levantarse en
cualquiera momento. Nos habla de un poder burgués,
ejecutor, se ha sentado para reflexionar, pero en
cualquier momento se va a levantar para mandar
orden, el retrato aristócrata no es ejecutor, sino
estático.

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Frente a este retrato tenemos los retratos de mujeres, de la alta burguesía durante los años
40-50. Aunque estén de pie, son figuras que no muestran ese poder visto, los gestos aluden
a una serie de virtudes como la finura, delicadeza, sensibilidad típica de la época. Son
personas con un rasgo más idealizado en el rostro y está inspirado en modelos clásicos
como la Condesa de Houssonville o Madama Moitesser sentada, no nos miran
desafiantes, mayor idealización. Es un poder que no está en su gesto, sino a través de los
ropajes ricos y los muebles y objetos que se le rodea. Mayor detalle en los vestidos que
el propio rostro. Tenemos también el juego del espejo, es un perfil griego exótico e
idealizado, vemos por tanto el juego de idealización y detalle de la representación.

Picaso está muy influido por Ingres, el retrato de

Gertrude Stain muy influenciado por el retrato de
Bertin. Gertrude era una mujer, era una poeta con
mucha consonancia con la pintura de Picaso. También
era una intelectual y estadunidense rica asentada en
París y gran protectora de las artes, por tanto, una mujer
poderosa. Para hacer su retrato no coge como
referencia a la mujer, sino el de Bertin, ya que esta
muestra un personaje real. Modifica muchas
cuestiones, pero el gesto reflexivo de ella y esos brazos
implican dinamismo, momento de pasar a la acción.

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3.4 Romanticismo del color:

3.4.1 Théodore Géricault

Va a ser el primero que rompa con esa pintura posta, ya no es discípulo de David y rompió
con esa pintura de inspiración clasicista. Personaje romántico, murió en un accidente
caballo, amor por ellos que se refleja en su pintura. Hace una pintura transgresora desde
el punto de vista de los temas y forma artística. Él va a buscar una nueva temática que
sea más acorde con su época. Es un pintor que va a representar temas acordes con su
tiempo.

El cartel del herrero: sirve para la tienda de un herrero, pintado sobre una tabla. Vemos a
una figura heroica, dentro de la tradición de retratos ecuestre donde aparece un hombre
dominando al animal, aparece con sus opas y herramientas del trabajo, muestra la
capacidad de controlar la fuerza salvaje del animal. Desde el
punto vista ético vemos un cambio, esa fuerza del animal se
representa a través de una pintura suelta, no hay definición
nítida del contorno, sino nos encontramos con esos toques
fuertes de luz, contrate de luces y distintas tonalidades.
Utiliza una pintura muy pastosa, gran densidad de pintura.
Esta temática de los animales está muy presente.

La doma de toros: vemos la lucha de los

animales por la supervivencia en contra de los
hombres. Estos marcan dos diagonales en los
laterales, llega incluso a deformar en parte las
figuras. La temática es extraña, se inspira en
mataderos, de hecho, vemos a un campesino de
la época, pero al mismo tiempo tiene mucha
resonancia mitológica. Hay una combinación
de las visiones, mundo cotidiano de los trabajos
per al mismo tiempo en un tono elevado. Toda
esa lucha de las fuerzas animales contra el
control humano nos resuena ese mundo de las
pasiones y los instintos, control de la razón contra las fuerzas desatadas.
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Oficial de Cazadores cazando: más tradicional se ha centrado en la representación de la
fuerza y el dinamismo del animal, nunca habíamos visto este estudio de la fuerza del
animal. En esta obra aparece mucho la técnica, es una pintura donde el énfasis esta puesta
en la fuerza y dinamismo a través de una pincelada suelta. Vemos esa diagonal. EL oficial
cromáticamente hay toda una serie de toques rojos.

La figura central mantiene el eje, el acento se transmite a través del color, contrastes,
negro y el rojo. Pintura de luz y de color, donde los efectos se consiguen a través de estos
recursos. Ya estas investigando esos juegos con los contrastes cromáticos. Estos pintores
están influenciados por la pintura inglesa, hay un fuerte componente atmosférico, detrás
del oficial hay una tormenta, pero delante se va despejando. Atmósfera que mezcla
distintas sustancias como fuego, nubes.

La basa de la Medusa: puede que sea una de las obras más conocidas. Presentado en el
salón de 1819, obtuvo más éxito en Inglaterra. Recibió rechazo, es una temática que
rompe con los temas de la pintura y la manera de representarlo, naufragio de un barco que
mandaba a personas a Senegal. La elección del tema es fundamental, es de la actualidad,
no de lo que se ocupó David, no son acontecimientos históricos, no es transcendente, sino
un cuadro de género (temas cotidianos, pintura de marco y dimensiones m3nores). Este
tema periodístico lo representa en un cuadro monumental, que se reservaba para grandes
acontecimientos.

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Vemos una representación de las 15 personas abandonadas a su suerte, lo que suponía
una crítica al poder político y la aristocracia. Lo que había sucedido es que al capitán era
un aristócrata que se encontraba en ese puesto por enchufe, era un marinero incompetente,
se centró en salvarse a sí mismo y a sus compañeros de la tripulación. Aquí hay una crítica
velada al sistema político basado en la ascendencia de las personas.

En el salón se presentó con otro título que se disimulaba el tema, a pesar de todo, se sabía
de qué se estaba hablando. Se expuso en un salón, la sociedad parisina que se encontraba
esta escena horrible donde se trata la desesperación humana.

Las personas supervivientes hablan de locura, sed, canibalismo, terrenos oscuros del
sufrimiento humano. Cierta combinación con la idealización, en ciertos cuerpos se ve el
resultado del estufo de los cuerpos, pero a la vez bastante apolíneas, estudio de los
cadáveres, pero al mismo tiempo una monumentalidad, intención de engrandecer estos
acontecimientos, exaltación que normalmente no sería una temática del cuadro. La
imagen retorica la consigue a través de varios recursos, las figuras están enzarzadas en un
ascenso, momento en el que ven a la lejanía un barco.

Composición diagonal, que verticaliza a través de la línea diagonal que culmina en la

figura superior con el pañuelo rojo. En esta diagonal todas estas figuras van haciendo un
creciendo.

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En primer plano casi cayéndose encima los cadáveres, vemos una diagonal ascendente,
poco a poco nos encontramos con unas figuras vivas, absortas, rozando la locura. En el
centro personajes agonizando y otras si ningún tipo de fuerza por la vida. En la parte
superior, culminando ese ascenso narrativo vemos a una serie de figuras luchando por la
vida.

Por lo tanto, vemos una composición diagonal que ensalza la verticalidad, con un ascenso
narrativo desde la muerte hasta la lucha por la vida. Hay dos fuerzas contrapuestas: la
diagonal de todas las figuras y en contra tenemos la fuerza de la vela; vemos la fuerza de
la vida, que nos mueve y nos eleva, esta se ve frenada por la diagonal opuesta. Esto enlaza
con los sublime y el mundo hostil del hombre. Cuadro en el que utiliza los contrastes de
luces y sombras de manera muy barroca. Cuerpos del primer plano blanquísimo y otros
más oscuros por ña sombra que provoca el mástil.

Algo que tenemos que tener en cuenta respecto a esta obra es lo que está sucediendo en
el momento. Después de las guerras napoleónicas, con la caída de Napoleón se celebró el
congreso de Viena con la intención de volver al anterior sistema político, algo con lo que
no está de acuerdo la burguesía. Estos artistas románticos son liberales, pero en contra de
la burguesía. Se van a unir a la revolución de 1830, donde la burguesía y las clases
trabajadoras se alían en contra de los Borbones, poniendo a Felipe de Orleans, el rey
burgués.

Es un rey con el que la burguesía va a estar contenta pero no las clases trabajadoras, lo
que lleva a otra revolución de 1848, donde las clases trabajadoras tienen una fuerza
esencial. La revolución de 1848 nos lleva a un nuevo punto, el realismo. Esta situación
nos ayuda a entender la retórica romántica, donde hay esa voluntad política y marca una
pintura que supera los géneros y jerarquías temáticas.

Ingres vemos un artista critico con su tiempo, no comprometido, escenas hieráticas que
transporta a otra dimensión que vita cualquier comentario sobre el poder. Frente a esto
tenemos estas imágenes que retratan escenas desagradables, periodísticas donde vemos
un posicionamiento ideológico.

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Cabezas de prisionero ejecutados y miembros amputados: son estudios realizados a partir
de cadáveres de hospitales como los estudios forenses. Detalle a la muerte, enfermedad,
etc. Rasgo claramente documental y búsqueda del realismo en esos detalles muy potente,
un realismo que no evita cierta idealización, combinación de las dos cuestiones.

3.4.1.1Retratos: se realizó en colaboración con un psiquiatra. Trabajó en una nueva teoría,

la genealogía basado que la forma del cráneo y del rostro permite conocer la ascendencia
personal e incluso criminales de las personas. Intenta entender todos los desórdenes
mentales, una visión mucho más humana. Se refleja en los cuadros el deseo de poder
curar a estas personas, no son caricaturas ni representaciones burlescas.

En el momento en el que el pinto hace unos óleos de estos personajes marginales, está
haciendo una transgresión recordando que el problema existe y tiene se tiene que abordar.

EL único artista que se había abierto a la locura fue Goya con la Casa de locos. Esto nos
lleva a este mundo romántico que se interesa por la locura y esos aspectos romántico
frente a la razón, mundo de la energía animal se enlaza con el de la fuerza psíquica. Son
cuadros donde se representa solo a estas personas. Fondo negro, anda distrae la mirada
de esos rostros, se centra en la fisonomía. Monomaniaca de la envidia-mujer demente,
monomaniaca del robo-cleptómano o monomaniaca del juego-ludópata. Precedente
realismo.

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3.4.2 Eugène Delacroix

Es más joven y claro continuador de la línea pictórica del anterior. Prototipo de artista
romántico, persona sofisticada que lleva a su vida esa idea de superioridad estética y
moral. Procedía de la alta burguesía y como es típico de estos artistas, se declaraba anti-
burgués.

Autorretrato de Delacroix: Retrato novelesco, mirada que invita a introducir a la mente.

Pincelada suelta, figura a través de las luces y sombras, modelado por el sombreado del
rostro y las tonalidades. Algo característicos es la manera de pintar los colores
complementarios como el verde de la ropa y lo rojizo del cabello. También vemos algo
muy característico que recorre toda su pintura, es esa mirada que nos reta a introducirnos
a su cabeza, es la imaginación, para estos pintores es el principal motor de la creatividad
y de la idea. Esto enlaza mucho con la idea de imaginación. Para él, la imaginación es
una sensibilidad especial que permite ver cosas que no ven los demás y percibirlas de
manera distinta.

Pintura muy literaria que enlaza mucho con Ingres. Su tratamiento es distinto, centrado
en la expresión de emociones de los relatos a través de una demencia que veremos en sus
cuadros. Las pinturas se considera que se hacen de forma rápida, sin pensar, lo que en el
momento no se consideraba positivo, pero es algo típicamente romántico.

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La barca de Dante: enlaza con la temática literaria del romanticismo, como Dante ofrece
un gran espacio de posibilidades a la imagino, una que se recrea en los oscuros como este
cuadro, que se inspira en el infierno de Dante. Escoge un pasaje del inferno vemos a dante
con el gorro rojo y Vergilio con la corona de laurel atravesando las aguas del Estigia con
una serie de figuras desnudas y retorcida, los condenados. Espacio de tormenta y una
ciudad del infierno al fondo que está en llamas aporta una luminosidad que contrasta con
el resto de la composición. Ambiente hostil, figuras en una balsa que se mueve, inestable
como la balsa de la medusa, también algo parecido a esta son las figuras desnudas, pero
diferencia del otro cuadro, estas se retuercen, no están tranquilas, vemos por tanto un
interés por el sufrimiento psíquico, veos desfiguración en los rostros por el sufrimiento.
Expresión de dante frente a estas figuras. El personaje que esta dado la vuelta es Caronte.

La muerte de Sardanápalo: inspirado en el poeta de lord Byron. Vemos muchas

tonalidades orejas, cálido, sensual con toda una serie de connotaciones con la sangre.
Parece una orgia, pero es una escena de muerte, realmente es una orgia de sangre.

Sardanápalo cuando vio que iba a ser derrotado decidió suicidarse y antes destruir todas
sus pertenencias incluida a las mujeres y los caballos. Sardanápalo vemos tirado en la
cama con una mirada fría, en una composición tremendamente asfixiante, horror vacui,
se acentúa al ser un espacio cerrado. La cama a lo alto y toda la escena se desarrolla
debajo de la misma, crea así esa sensación de agobio en el que pasan tantas cosas que no
se sabe dónde detener la mirada. Escena de muerte y violencia representadas en una
voluptuosidad, sensualidad e incluso elegancia que no parece muy realista, hay un
recrearse bastante sádico en estas escenas de violencia cargadas de connotaciones
eróticas.

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Detalles de elementos lujosos, desde el punto de vista técnica, visual hay un predomino
de tres colores, en especial el rojo y el blanco, y luego hay toques de negro, no hay esa
frialdad de los tonos de Ingres, son tonos cálidos que potencian la sensualidad, cuestión
que te entra por los sentidos, pintura que apela a esa sensualidad cromática. Construido a
base de esos contrastes cálidos y coloridos, lumínicos. Haz de luz que se abre, dejando
las esquinas derechas más ensombrecidas.

La matanza de Quíos: se trata de una representación artística de un momento histórico.

Es momento del surgimiento de los nacionalismo y libertad, lo que se va a conectar en el
pensamiento de estos artistas, un pueblo que se identifica con la libertad y forman una
nación, lo que se identifica con estos artistas. Un acontecimiento histórico que prende la
imaginación de estos artistas va a ser la guerra de independencia de Grecia contra el
Imperio Otomano, comienza en 1821-1830, se representa en el cuadro. Lord Byron murió
ahí, atraído por esta lucha del pueblo griego por la libertad, por lo que esto tiene unas
connotaciones poéticas para estos artistas.

Es un cuadro que ya pensaba hacer, finalmente la matanza de Quios le dio la idea sobre
como ahondar esta cuestión. El ejército otomano masacro la población de Quíos y se
hicieron muchos esclavos, es el tema representado. Cuadro que supuso un choque total
por la forma en que está
representado, algunos lo
nombras como matanza de la
pintura. La diferencia
fundamental con la basa de la
medusa es que aquí no hay un
núcleo, no hay un clímax, no hay
figura que se destaque sobre las
demás. Tenemos unas figuras
muy cerca y un fondo. Todos los
elementos hacen que el centro de
la composición quede abierto.
Detrás escombros, campos
quemados, gente luchando,
batalla al fondo.

27
En primer plano todas estas figuras que son como un friso que se recorta en otra escala
mucho mayor que representa a los griegos derrotados, en primer plano, que representar
sensación de agobio, donde apenas puedes moverse, lo que se acentúa con el soldado
turco, son prisioneros, detrás vemos a mujeres que serán convertidas en esclavas
sensuales. En este sentido se ve que la línea del horizonte nos sirve para centrar sobre las
cabezas de las figuras, el único que sobresale del horizonte es el turco, que es el poderoso,
los demás están abajo, lo que aumenta esa sensación de agobio, recurso pictórico para
hablarnos de la esclavitud.

Tiene una dualidad muy característica en su obra, hay una dualidad entre dos niveles de
representación, el documental casi de reportaje y por otro lado la visión literaria/poética.
Delacroix se documentó mucho, habló con un coronel que había sido testigo de los
acontecimientos. Grupos exhaustos que se abrazan y no siguen luchado, el dramatismo
se intensifica en esta obra. Debajo vemos a una mujer muerta con un niño encima que
busca el pecho para mamar.

La libertad guiando al pueblo: algunos lo consideran como el primer cuadro político,

inspirado en la revolución de 1830. Es una revolución que tuvo ligar en las calles del Paris
entre el 27 y 29 de julio. Vemos esa conexión directa con los acontecimientos y la
voluntad documental que tiene el pintor, en el salón o presento como “28 de julio, la
libertad guiando al pueblo”. De nuevo encontramos esa ambigüedad. No es cuadro de
historia en el momento en el que aparece esta alegoría, mezclada entre las gentes, sin
embargo, ella, representa el prototipo de la mujer, se habla de la valentía de las mujeres
y adolescentes. Al mismo tiempo es una figura alegórica que enlaza con la victoria de
Samotracia, levando a ese mundo de alegoría que se salen de ese momento histórico.

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Está relacionado con el mundo romántico, literaria de la liberta y que ayuda a crear una
imagen propagandista, no es en sí, pero está intentando utilizar esta retorica que si se
utilizará más adelante. Junto al burgués tenemos a un trabajador, niño de la calle, en el
primer plano hay dos soldados muertos uno legitimista y otro rebelde, esto refleja que es
una lucha del todo el pueblo. Como vemos los colores de la bandera se puede apreciar
por todos lados, el fondo nos da una serie de datos. Vemos la isla de parís con las dos
torres de Notre-Dame que nos ubica claramente. Vemos el humo de la batalla que
envuelve la escena en un halo romántico.

En este cuadro hay una referencia directa a la balsa de la Medusa del pintor visto en el
anterior punto. Al igual que el otro cuadro vemos un primer plano de la muerte y también
vemos una figura que se levanta y nos lleva a la libertad guiando al pueblo. Figura muerta
vemos varios detalles, como vello púbico, calcetines, elementos indignos que también
aparecen en el cuadro de la basa de la Medusa. También encontramos el elemento de la
inestabilidad, transmitido por la barricada rota Gesto de brazo levantado, apoyado por
más.

La diferencia fundamental hacia donde mira y avanzan los personajes, en el otro la

dirección es hacia el fondo y nos da la espalada, aquí es lo contrario, de izquierda a
derecha hacia delante. Esto cambia la retórica, no es que sea vago, sino que la cita para
interpretarla de otra manera, nos da otra lectura del cuadro. Aquí se prolonga
indefinidamente las personas que vemos, retórica de la lucha del pueblo por la libertad,
todos a una. Las figuras nos apelan, vienen a por nosotros, estamos avanzando hacia
delante, lo que enlaza con la idea de progreso histórico y avance hacia un futuro mejor.
De alguna manera es una imagen que sigue siendo muy elocuente. Se convierte en una
migan emblemática de cualquier revolución

Después de esto volvió a su mundo de referentes literarios, a la fantasía, imaginación, etc.

Se va a distanciando de los temas de la actualidad y se va a evadir a estos mundo
fantástico, poético, tan marcado por el mundo del oriental.

Dibujos y bocetos sobre el mundo oriental y exótico: por mucho que tiene componente
evasión, en su caso responde a una visión directa, experiencia vivida, ya que, en el año
1832, viaja a Marruecos y Argelia como acompañante del embajador francés. Los
pintores acompañan a los políticos para documentar los sucesos. Experiencia directa de

29
la evasión y el mundo oriental. La luz del norte de África sirve para consolidar las
innovaciones de los colores y luz de los cuadros.

Las acuarelas que hace son muy interesantes, ya que tienen esa frescura, pues son
acuarelas que captan impresiones visuales que es muy moderno, abriendo puertas a lo que
viene después. Afirmaba que Roma ya no está Roma, sino en el norte de África donde
según el en los moros están los griegos de Davis, arte que busca referentes en otras
culturas y ya no el mundo clásico. En las acuarelas se ve muy bien como trabaja, dibuja
contornos con lápiz y aplica el color, siendo esto lo que realmente construye la imagen,
un color basado en los juegos de complementarios.

La disposición de las figuras ayuda también ayuda a equilibrar la composición con los
colores. El juego de clores es un adelanto de la pintura impresionista. Va a empezar a
prescindir del negro, ya que se dan cuenta mediante el estudio científico, las sombras de
las cosas no son negras, sino del color complementario.

El cuadro de mujeres de Argel va a influir mucho a estos intereses. Utiliza tonos cálidos
que invitan a entrar en la composición, es un cuadro donde confluye lo ya mencionado.
Escena de interior, es un harem basado en una experiencia directa, intenta trasmitir es la
sensualidad esa experiencia, entendida en un sentido amplio, lo que entra en los sentidos,
no solo la vista. Interior de penumbra con una iluminación fuerte que entra por la ventana,
estudio de los colores con una gran cantidad de matización de colores.

Además, están fumando, tiene una pipa que remite a ese mundo de placeres prohibidos,
escena que transmite la sensación del tiempo detenido, en un estado de alteración de la
percepción a través de tres figuras, sus posiciones, acuclilladas nos habla de otra
feminidad que fascina a estos artistas/turistas europeos. Figuras absortas mirándose las
unas a las otras, en ellas tenemos esa sensación de tiempo detenido, esta languidez se ve
interrumpida por la esclava donde si hay un gesto rápido, que la coloca en un tiempo
distinto.

En ese sentido, aquí confluyen esa experiencia

directa, fuertemente sensorial y al mismo tiempo esa
proyección poética y literaria de mujeres dedicadas
al placer carnal, comer, ropas delicadas y exquisitas,
etc, mundo de exaltación de los placeres de los
sentidos.

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 4. El Realismo francés: Jean-Françoise Millet y Gustave
Courbet.

Es el movimiento artístico dominante no solo en Francia, sino en Europa, EUUU, UK,

entre 1840-1870/1880. Aquí Francia lleva la cabecera y será influyente en el resto de
Europa. El realismo es un tipo de forma de pintar que pretende hacer una representación
verídica, objetiva, realista y parcial del mundo real a través de la observación meticulosa
de la vida moderna. Esto no está tan claro, el realismo es un término que en relación a la
tradición artística occidental es todo y nada; relatividad del concepto de la palabra, porque
qué es lo real.

De hecho, si pensamos en la tradición occidental cultural, la realidad desde Platón se ve

como la verdad transcendente detrás de las cosas, pero si vemos por ejemplo el cuadro
del El vagón de tercera de Daumier, no es la verdad que vemos aquí. Oposición al
romanticismo, definición por oposición, reacción contra el movimiento anterior pero solo
en parte. El realismo rechaza sin duda es este mundo de la fantasía y exaltación, de la
subjetividad del artista, de su imaginación como la fuente de toda creación, frente a esto
el realismo opta por lo objetivo. Como hemos visto en la obra de Géricaulto, tenemos la
conexión con lo que mantiene del romanticismo, el interés por la observación del natural
de lo humano, de la naturaleza humana. La cuestión temática de los outsiders va a ser
clave en el realismo. La temática recurrente central va a ser e trabajo, las clases sociales
trabajadoras que hasta ahora no habían tenido cabida en la pintura, precedente claro en el
romanticismo.

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Por último, hay otra manera de acotar el realismo, la que considera que es un estilo sin
estilo, es decir, una representación neutra de la realidad. Para plantear esto, la fotografía,
la idea de estilo sin estilo, posible representación verídica e imparcial tiene mucho que
ver con el nacimiento e influencia de la fotografía. En el momento a la respuesta de estilo
neutro no estaba clara, porque se veía que la fotografía podría ser una mano objetiva. Va
a ser ahora cuando la aparición de la fotografía va a producir cambio en la manera de
mirar la realidad. La influencia va a ser mucho más profunda, afectado a la forma de mirar
la realidad. Es muy interesante ver como los pintores reaccionan respecto a esto. Ingres
se queda fascinado y la va a utilizar como herramienta para su trabajo, sin embargo, el
mismo dice que no puede manifestar el gusto por esto. Ellos ven desde el punto de vista
gremial, les van a quitar muchos encargos y trabajo de los artistas. Reacción de rechazo,
pero muchos fascinados por ella y empiezan a utilizarla como herramienta.

Mirada mucho más moderna, hace que los pintores dejen de tener una composición tan
artificiosa a la hora de realizar sus obras. El pinto no interviene en la realidad, es como si
hubiera hecho una foto y se hubiera ido. Los encuadres mostraran lo fragmentario, no
imágenes equilibradas, sino que transmite que es un fragmento de la realidad. Aquí hay
mayor sensación de fragmentariedad, instantaneidad. Otro ejemplo de composición
realista son los picapedreros de Coubert.

El realismo es un tipo de pintura que pretende hacer una representación verídica e

imparcial del mundo real a través de una observación meticulosa de la vida cotidiana. Sin
embargo, la definición presenta ambigüedades, pues hay varios tipos de realismo. El del
SXIX se define por oposición al romanticismo, pero solo en parte. Lo que rechaza el
realismo es el mundo de la fantasía, la exaltación de la subjetividad del artista. Frente a
esto, el realismo opta por lo objetivo.

El tema fundamental del realismo va a ser el trabajo, tanto desde una temática urbana
como rural. En la temática urbana, va a destacar este pintor, Honoré Daumier, mientras
que en la temática rural destacará Millet. La ciudad es la que mejor refleja el espíritu
moderno, ese constante movimiento, personas que se cruzan, vestidas a la moda de la
época, que hablan entre ellas con ese intercambio de ideas, etc. Esto genera este tipo de
imágenes de lo efímero que se consideran agradables.

Frente a ello, artistas como Daumier se sumergen en ese bullicio cotidiano de la ciudad,
pero para traernos su cara oscura, mostrándonos el tren, pero en el vagón de tercera. Trata

32
el otro lado del progreso y la modernidad para plantear una visión muy crítica (el progreso
no es para todo el mundo, solo para una parte de la sociedad más privilegiada). El vientre
legislativo caricaturiza su actitud y corrupción. La caricatura es una herramienta de crítica
social que desde entonces se ha seguido utilizando. De hecho, él llegó a estar en la cárcel
por sus caricaturas.

Este estilo documental, en el realismo, se suele mezclar con una intención de crítica, sobre
todo en el contexto de 1849 tras la publicación del Manifiesto Comunista. Un ejemplo de
esto lo tenemos en La barricada de Ernest Meissoner, que podemos comparar con La
libertad guiando al pueblo. En esta última, los personajes son tratados de una manera más
narrativa, pero en La barricada es de una manera más crítica, realista y documental.

4.1 Jean François Millet

Las espigadoras: se muestran como mendigos

del campo, porque las espigadoras son la clase
más baja de la sociedad rural que se está
articulando en ese momento. Una vez se ha
hecho la cosecha por parte de la granja grande,
ellas son las que cogen los desechos. Con el
uso de la luz, muestra una sensación de
opresión.

El Ángelus contiene una crítica que se ve en las ropas raídas y en la chepa que tienen de
trabajar. Han parado de trabajar para rezar la oración que da título a la obra. Es una imagen
no idealizada donde de alguna manera, sin embargo, se les ennoblece con otros recursos,
como a través de la luz, destacándoles por la
línea del horizonte, etc.

Este cuadro se hizo muy famoso por la

interpretación que hizo de él Dalí en la cual
están entregando a su hijo; esto es porque
Dalí se obsesionó tanto con este cuadro que
le pidió al Louvre que lo leyese con rayos X,
y vio que debajo de la cesta había un féretro.

33
4.2 Gustave Courbet

Es un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, fue un

comprometido artista republicano, cercano al socialismo republicano. Proviene del
mundo provinciano, de una familia con dinero, pero no burguesa. Rechaza el paso por la
academia, pues esto podría cambiar su mirada artística. Esto no significa que no estudie
arte, porque él iba a los museos y estudiaba allí. Para él será muy relevante la apertura del
Museo de Arte Español en París, donde aprenderá distintas técnicas que se reflejarán en
su paleta.

Los picapedreros nos muestran una composición abierta, que contrasta con Los
picapedreros de Brett, cerrada por la piedra de la izquierda y la ropa de la derecha; esta
última, replica el ritmo del árbol, es decir, hay un ritmo visual completamente estudiado.

En el de Courbet, nos encontramos ante un estilo más documental, según él que presenció
cuando pasaba por delante de ellos. Representa dos movimientos contrapuestos, uno de
elevación de la piedra y otro de descendimiento del pico. Se ve la ropa tirada en el suelo,
los zapatos rotos. No hay compasión, sino que se representa de manera distanciada; las
figuras ni siquiera tienen rostro. Imagen por antonomasia de la revolución.

Este cuadro se perdió desde la IIGM, estaba en Dresde, que fue bombardeada. Lo
conocemos a partir de reproducciones en libros de Historia porque los marxistas la
utilizarán para ejemplificar sus teorías.

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Bonjour, Monsieur o el encuentro es un cuadro
donde se muestra un supuesto encuentro en el cual
él sale a pasear al campo, encontrándose con un
coleccionista que va con su perro y sirviente. Es un
arte popular, según la crítica, donde no se
representan muchas cuestiones importantes como la
perspectiva. Está inspirado en la figura del judío
errante, en el anónimo popular del verdadero judío
errante

Las jóvenes damas del pueblo dando limosna a

una vaquera en un valle de Ornans fue un
escándalo por la forma de pintar y por el tema
representado. En el primer caso, él lo hace a posta,
donde las figuras femeninas según los estándares
del momento resultan demasiado rígidas. No hay
una perspectiva atmosférica, no hay aire entre
ellas y la montaña; las vacas están pintadas demasiado pequeñas, suponiendo una
incongruencia visual. Se carga las reglas de perspectiva atmosférica y la imagen, ya que
las vacas tendrían que estar realmente más lejos.

Supone una reivindicación de las pinturas anónimas populares, enlazando con el tema
representado de caridad. Habla de distintas clases sociales en un mismo cuadro, siendo
los campesinos enriquecidos sus hermanas.

Entierro en Ornans en este cuadro rompe con las jerarquías sociales y artísticas. Es un
cuadro inmenso, 3 metros aproximadamente. En él se puede apreciar una composición
dividida en tres: a la izquierda tenemos a unos personajes con sombreros, llevando el
féretro, luego el cura con unos personajes religiosos, importantes personajes como el
alcalde y las mujeres que lloran entre las que incluyen a sus 3 hermanas.

Esta composición refleja la distribución de un entierro de la época. Falta de concentración

en los personajes, algunos distraídos, algunas mujeres incluso están saliendo, no hay una
carga dramática ni enfatiza los sentimientos de pérdida de los asistentes. Todas las figuras
están puestas en un friso como la que hemos visto en Delacroix, donde pone énfasis en el
drama de cada uno.

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Lo único que sobresale por encima del horizonte es Jesús en la cruz, recurso visual y
composicional, para resaltar ese elemento, en este enterramiento Cristo es como un
artilugio que sobresale en el cielo, de hecho, es llevado por el personaje detrás del cura.

En cualquier caso, comparando con el cuadro de Delacroix, donde esta individualizadas

las personas con sus dramas, aquí también están
individualizadas, pero carecen de expresión emocional, las
mujeres que se tapan el rostro, tienen un gesto casi mecánico.
El que cada personaje mire hacia un lado también lo vemos
con el perro, aparece también un niño, etc, quiere decir que
no hay jerarquía en los personajes, están dispuestos de esta
manera porque era así como se colocaban en la vida real, se
habla de una democratización de la estructura visual.

Por otro lado, ese hoyo que vemos se sale del cuadro, solo se ve una parte, si a esto le
sumamos las grandes dimensiones del lienzo y la manera en la que se disponen las figuras
y la barrera de espectadores es como si estos estuvieran dentro del entierro, para el público
parisino este cuadro y el tono del mismo, confronta con esa realidad provinciana a la que
el espectador no tiene escapatoria.

También desde el punto de vista religioso, resulto

tremendamente hereje, lo entendemos mejor al comprarlo con el
cuadro del El entierro del conde de Orgaz del Greco, donde en la
parte inferior vemos ele hecho real y terrenal, mientras que en la
parte superior vemos la llegada al cielo, que enlaza con la idea
cristiana de la muerte, conexión mundo físico y el espiritual.

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Esto en el cuadro de Courbet elimina, desaparece, el cristo como decimos solo es un
artefacto, es evidente que está reduciendo todas las creencias cristianas, dando un reflejo
de entierro laico, social, simplemente reunión de personas en un lugar concreto y
momento, un retrato de un grupo de personas determinado.

El escandalo se va a convertir en algo constante en la obra de Courbet.

El estudio del pintor: resaltar en este cuadro el escándalo que provocó. Lo presenta al
jurado de la exposición universal en París del 1855, además de arte se expone inventos y
seres humanos de las colonias, es una celebración del progreso científico y tecnológico
unido al colonialismo, los países presentan invento y descubrimientos. Estos
acontecimientos también alojaban obras de arte, fue rechazado por lo que invento su
propio pabellón y lo llamo sobre el realismo donde expuso esta obra y toda una serie de
cuadros, con esto se inaugura una tendencia característica, esta actitud de los artistas de
crear su propias exposición, alejada de las propias instituciones artísticas que están cada
vez más alejadas de estos pintores, a partir de aquí se crean más contextos expositivos
como el salón de los rechazados, contacto del artista y el público donde está el manifestó
del realismos, necesidad de explicarse ellos mismos.

Evidentemente tiene un éxito, el éxito del escándalo, característicos de todos estos

artistas, estos salones alternativos tienen una influencia masiva del público, en muchos
casos van a reírse de ellos. Confrontación con el propio público que en muchas ocasiones
es muy conservador. Detalle de que el catálogo de esta exposición, manifiesto del
realismo, este artista político está adoptando este formato político escrito para explicarse,
conexión entre arte y política queda explicita.

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Excepción, ya que es una obra de carácter alegórico, el subtítulo es una alegoría real de
siete años de mi vida artística y moral. Muestra la ambición pictórica, este cuadro es un
auténtico manifiesto, en el sentido de que nos expresa ambiciones artísticas, vemos esa
dualidad, está hablando de sí mismo como artista, representado en el centro del cuadro
como artista héroe, revolucionario. Al lado izquierdo de la exposición vemos el material
bruto, esos personajes de la realidad concreta palpable y baja que pinta en su cuadro, su
fuente de inspiración de todas sus obras, personajes dispares que son el material concreto
de sus cuadros. A la derecha aparecen toda una serie de personajes reconocibles que
representa su vida, las personas importantes de su arte como los coleccionistas o críticos
de arte como Baudelaire. También vemos a una mujer desnuda, un niño y detrás un
personaje que no se sabe quién es, Jesucristo, un hombre desnudo, etc.

Toda una serie de elementos que hace que se haya hecho una gran cantidad de
interpretaciones, la mujer es la verdad, el niño puede ser su hijo ilegitimo, el hombre
desnudo puede escenificar todos los valores cristianos que lucha su pintura o incluso el
mismo, etc. En cualquier caso, está claro que, en un potente alegato a favor de su visión
de la pintura, compleja entre esa voluntad de hacer una interpretación real, combinada
con el ego del artista, quería ser capaz de representar las costumbres de la época de
acuerdo con su propio criterio.

Señoritas a orillas del Sena: la temática no es rural, es urbana, están en París. En el salón
en el año 57 fue un escándalo. Son dos mujeres que han llegado a la orilla del Sena, se ha
quedad en ropa interior y casi durmiendo que ha tirado el sombrero. Esto una señorita no
lo hacía, se trata de cortesanas, mujeres que viven de la prostitución, pero de distintas
maneras, a veces son amantes fijas, mantenida por un señor, mujeres que se han
enriquecido a base de ser amantes de un señor con dinero.

Muy característico de la época, todo ese mundo,

mujeres enriquecidas, lo vemos en la ropa que
contrasta con la actitud, vulgaridad y la actitud
de indiferencia sobre la opinión y visión de las
personas que las mire. Señores con sus esposas
confrontados por estos personajes que forman
parte de su realidad, pero no es algo de lo que
hable la burguesía, clase social móvil que está
proliferando. A parir de la primera guerra
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mundial, este tipo de figuras tiende a desaparecer por el cambio económico, de las
costumbres y la visión de la mujer. Este cuadro se compara con el retrato de Ingres en la
postura de la mujer de detrás.

El sueño: escena de intimidad entre dos

mujeres, comprado por un comerciante
egipcio que tenía una colección de arte
erótico. En este caso, nos resulta
mucho más directo, deseo propio que
en las mujeres del baño turco. Esto se
debe a que hay menos figuras, no hay
componente fantasioso o literario,
simplemente son dos mujeres en la cama.

En este caso están dormidas, somos todavía más intrusos que en el cuadro de Ingres,
donde las mujeres están posando, pisturas estudiadas para el placer del espectador. El
juego desaparece aquí, las posturas no son especialmente favorecedoras, lo que al artista
intenta transmitir es esa captación instantánea donde no están posando, gestura intima
donde no están posando para el espectador. No están forzando la composición, no es una
reivindicación femenina, pero si un cambio de mirada entre cuadros.

El origen del mundo: es un encargo del coleccionista mencionado. Cuadro que se puede
relacionar con el de la maja desnuda. En ambos casos la mujer es la amante de este señor,
se la ha incluso identificado a través de distintos documentos, parece ser una bailarina.
En muchos sentidos resumen muchos detalles de estos artistas, lo que ha cambiado de
goya es el punto de vista, fragmentario que ocurre con la influencia de la fotografía y los
puntos de vista, centralidad en los genitales, imagen pornográfica. Además de lo que
vemos, está la forma de representarlo, cuadro extraordinario. Se mantuvo durante mucho
tiempo en entornos privados.

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