F2 Fashion Context SPANISH 2021 UVM New

International
Certificate Program
Diseño de Moda Italiana
Módulo F2 Contexto de la Moda
© Nuova Accademia Srl | Confidential & Proprietary |

International Certificate Program in Italian Fashion Design
NABA2020/21
Módulo F2 Contexto Moda

ESTRUCTURA DEL PROGRAMA

El objetivo es concienciar a los estudiantes sobre cómo la industria de la moda está influenciada por diferentes contextos sociales, culturales y económicos.
Su objetivo es desarrollar las habilidades de investigación necesarias para crear un escenario.
El módulo analiza la influencia y la evolución de la moda en el contexto social. Se examinará la interacción y la influencia recíproca entre la moda, música,
arte, gráficos y de comunicación a nivel mundial y en Milán. Al final del módulo, cada estudiante presentará los resultados de la investigación propia dirigida a
un conjunto de ropa dentro de un contexto.
El módulo 'Contexto moda. El medio ambiente' como una fuente de inspiración para los diseñadores de moda se articula en dos áreas principales 'cambio
social' y 'contexto social', que son las palabras clave utilizadas para explicar la forma de analizar los cambios y las tendencias de la moda.
Este módulo se divide en dos partes: teórica y práctica.
© Nuova Accademia Srl | Confidential & Proprietary | NABA International Certificate Program in Italian Fashion Design
NABA2020/21

El objetivo principal de este módulo es enseñar a los estudiantes cómo analizar el mundo de la moda:
•La Historia.
•Antecedentes culturales y sociales.
•Los caracteres individuales de los diseñadores.
El módulo Contexto moda es el segundo paso de una actividad de investigación que NABA adopta para enseñar a los estudiantes a
trabajar en la investigación dentro de un escenario dado.
El módulo 'Contexto moda. El medio ambiente' como fuente de inspiración para los diseñadores de moda incluye dos puntos
principales, 'cambio social' y 'Contexto Social'; estas palabras clave se utilizan para explicar cómo analizar los cambios y las
tendencias de la moda.
TU1
• CONTEXTO HISTÓRICO Y DE MODA: 1900 – 1949
• EJERCICIO DE LANZAMIENTO 5: PROYECTO FINAL
• EJERCICIO DE LANZAMIENTO 1: ESTILISMO HISTÓRICO 1
NABA2020/21
TU1 Contexto histórico y la moda: 1900-1949

• Contexto histórico y el arte de la época eduardiana • Futurismo
• Era de moda Eduardiana– Dama y Caballero • Cubismo
• 1910s Contexto histórico y arte • Dada
• 1910s Moda – Dama y Caballero • Los Ballets Rusos
• 1920s Contexto histórico y arte • Bauhaus
• 1920s Moda – Dama y Caballero • Constructivismo
• 1930s Contexto histórico y arte • Realismo Social
• 1930s Moda – Dama y Caballero • Expresionismo abstracto
• 1940s Contexto histórico y arte • Surrealismo
• 1940s Moda – Dama y Caballero
• Iconos: Gabriele D’Annunzio

• Iconos: Marchesa Luisa Casati
• Iconos: Elsa Schiaparelli
NABA2020/21
Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949
ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): CONTEXTO HISTÓRICO
Eduardo VII fue el líder de una élite de moda que estableció

un estilo influenciado por el arte y la moda de la Europa
continental.
El período Eduardiano corresponde al período de la Bella

Época Francesa. El período se caracterizó por su propio
estilo arquitectónico único, la moda y el estilo de vida. El
Art Nouveau tuvo una influencia particularmente fuerte.
Rey Eduardo VII

Imagen: edwardianpromenade.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): CONDICIÓN DE LA
MUJER
Aunque el aborto era ilegal, era sin embargo la forma más

extendida de control de la natalidad en uso.
Se esparció principalmente entre las mujeres de la clase

trabajadora y el procedimiento se utilizó no sólo para
terminar el embarazo, sino también para prevenir la pobreza
y el desempleo.
Las mujeres y los hombres que asisten a Black Ascot

NABA2020/21
ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE DAMA
Durante este tiempo todavía era habitual hacer vestidos de

dos piezas: el corpiño estaba fuertemente deshuesado y
era casi como un mini corsé y se colocaba sobre el corsé S
curvo. Un corpiño superior se montaba generalmente sobre
el corpiño deshuesado y la ligera capa de un revestimiento de
lino, que se sujetaba con ganchos.
Daba estabilidad, contorno y la forma direccional debajo de

la tela superior delicada.
Mujeres Eduardianas
NABA2020/21
ERA EDUARDIANA (1901 – 1910): MODA DE DAMA
Cuellos altos y muy profundos de tela de encaje que

llegaron debajo de la barbilla para alargar el cuello. Poco
alambre o varillas como soportes cubiertos con ojales de
seda a veces dispersos cada pocas pulgadas del cuello para
mantener el efecto rígido.
Cuellos altos eran habituales durante el día, mientras que por

la noche se utilizaba el escote de corazón, los escotes
cuadrados y redondos permitieron a las mujeres mostrar sus
joyas.
Mujeres Eduardianas
NABA2020/21
Entre 1906 y 1909 la silueta comenzó a mostrar cambios

graduales y las faldas perdieron amplitud y la silueta se
enderezó. Los pies se mostraron de nuevo.
La línea de la cintura se eleva hasta que se convierte en una

columna como la línea imperio, después de los estilos
diseñados por el diseñador de moda Paul Poiret.
Mujeres Eduardianas
NABA2020/21
La Casaca era una chaqueta profunda muy ajustada que se

abotonaba hasta el cuello. El “paletot” era una chaqueta con
mangas y el “mantelet”(manteleta) era una especie de chal
corto.
Todos los artículos habían permitido cortar los bullicios y

cortar caminos de la época y las prendas se median en un
rango entre la cadera alta a los tres cuartos de longitud.
Mujeres Eduardianas
NABA2020/21
Se utilizaban algunas veces pequeñas bolsas decorativas

con una correa delicada que colgaban de la muñeca.
Las señoras llevaban poco dinero ya que las mercancías se

cargaban a las cuentas y se usaba sólo el maquillaje mínimo,
por lo que ninguno se cargaba.
Mujeres Eduardianas
NABA2020/21
ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE CABALLERO
Los artículos tradicionales de la ropa de caballero

cambiaron muy poco. La única concesión al paso del tiempo
eran pequeños detalles: un nuevo corte de pantalones, una
nueva silueta para una chaqueta, etc.
Como se había hecho desde finales del siglo XIX, los colores
permanecían bastante oscuros, con excepciones para el
chaleco, el suéter y la corbata.
Caballeros Eduardianos, c.1900s

NABA2020/21
Para la noche, una casaca negra, un chaleco blanco y un

pantalón que hiciera juego. La casaca fue de doble pecho
con un corte de distancia delantera y dos colas en la parte
trasera.
En 1900, las colas eran de la longitud de la rodilla y el

frente era de corte cuadrado en la cintura, con dos o tres
botones en cada frente.
Hugo Reisinger usando un traje obscuro

NABA2020/21
El Abrigo “Frock”, con doble botón, un abrigo de largo

hasta la rodilla de lana de color negro o gris oscuro, que se
usaba en ocasiones formales de la mañana.
En el 1900, la chaqueta salón comenzó a reemplazar tanto el
abrigo de día y como el Abrigo “Frock”. Por lo general,
tenía cuello alto, con solapas cortas y cruzadas, la parte
delantera curva que mantenía distancia a la parte inferior.
Las mangas terminaban lisas o con un manguito, y
hendidura con dos o tres botones también.
Caballero Eduardiano con su perro, c.1907

NABA2020/21
Hecho de tela de gabardina, el “trench coat” o gabardina,

fue inventado por Thomas Burberry en 1901 como una
alternativa a los abrigos de paño pesadosusadospor los
oficiales británicos y franceses.
Aunque no estába en uso generalizado hasta la “Gran

Guerra”, era una pieza opcional incluida en el kit de un
típico oficial.
La gabardina inventada por Thomas Burberry

NABA2020/21
Los sombreros casuales para el día incluyen el “Homburg”,

un sombrero de fieltro rígido con una corona abollada y con
borde de seda volteado; el “Trilby”, el sombrero flexible, de
una forma similar pero con un fieltro más suave, y el “Derby”,
ya sea con lados curvos o planos.
El sombrero “Top” o de seda se usaba con el abrigo “frock”,
el abrigo de la mañana y el vestido de noche, el boater, un
sombrero de paja de ala se llevaba en verano y el sombrero
de ópera, que era de seda o merino; la corona estaba
sostenida por un resorte espiral que permitía al sombrero
colapsar y doblarse completamente plano.
Hombres eduardianos con sombreros bowlet

Imagen: vintagedancer.com
NABA2020/21
Los accesorios para los hombres incluían guantes,

polainas, bufandas, paraguas, bastones y diversos
artículos de joyería.
Los guantes eran esenciales para el uso de la ciudad, tonos

bronceados claros para el día, y el ante o la tela para las
tardes. Las bufandas eran de seda de punto o de lana,
algunas de color claro, otras de rayas.
Algunos palos inteligentemente sostenidos en sus bolsillos o
quizás algunos lápices, cigarrillos, frascos, tuberías o
incluso dispositivos para medir la altura de los caballos.
Théobald Chartran - James Hazen Hyde

NABA2020/21
Hoja Complementaria
1910s: CONTEXTO HISTÓRICO
La década de 1910 representó la culminación del militarismo europeo que tuvo sus inicios durante la segunda mitad del siglo XIX.
Los estilos de vida conservadores durante la primera mitad de la década, así como el legado de alianzas militares, fueron cambiados para siempre por
el asesinato,del 28 de junio de 1914, del archiduque Franz Ferdinand, presunto heredero del trono austro-húngaro.
El asesinato desencadenó una cadena de acontecimientos en los que, en 33 días, la Primera Guerra Mundial estalló en Europa el 1 de agosto de 1914.
El conflicto se prolongó hasta que se declaró una tregua el 11 de noviembre de 1918, dando lugar al polémico, Tratado de Versalles, firmado el 28 de
junio de 1919.
El fin de la guerra provocó la abdicación de varias monarquías y el colapso de cinco de los últimos imperios modernos de Rusia, Alemania, china,
Turquía otomana y Austria-Hungría.
La década fue también un período de revolución en varios países: la Revolución Mexicana en noviembre de 1910, seguida por la Revolución Rusa de
1917, conocida como la evolución de Octubre, que inmediatamente se convirtió en Guerra Civil rusa y se arrastró hasta aproximadamente finales de
1922.
NABA2020/21
1910s: Arte
El movimiento más importante del arte de vanguardia italiano del

siglo 20, el futurismo, que celebra la tecnología avanzada y la
modernidad urbana.
Nació formalmente el 20 de febrero de 1909, con la publicación de

Manifiesto del Futurismo, escrito por el autor Filippo Tommaso
Marinetti.
Sus miembros deseaban destruir a las viejas formas de la
cultura, para demostrar la belleza de la vida moderna - la belleza
de la máquina, la velocidad, la violencia y el cambio.
Su entusiasmo por la modernidad y la máquina en última
instancia, les llevó a celebrar la llegada de la Primera Guerra
Mundial.
El manifiesto futurista por F.T. Marinetti

Imagen: theartstory.org
NABA2020/21
1910s: Arte
El cubismo fue uno de los primeros movimientos

verdaderamente modernas que surgieron en el arte.
Se desarrolló durante un período heroico y de rápida
innovación, entre Pablo Picasso y Georges Braque.
El movimiento se ha descrito como que tiene dos etapas:

cubismo analítico, en el que las formas parecen ser
analizadas y fragmentadas y el cubismo sintético, en el que
varios materiales se combinan en un collage a la superficie de
la tela como signos sintéticos para objetos representados.
Modigliani, Picasso y André Salmon en Paris, 1916

NABA2020/21
1910s: Arte
El Dadaísmo fue un movimiento artístico y literario que

comenzó en Zürich, Suiza.
Surgió como una reacción a la Primera Guerra Mundial y el
nacionalismo que muchos pensaron que había llevado a la
guerra.
Su salida era salvajemente diversa, extendiéndose del arte de

la actuación a la poesía, la fotografía, la escultura, la
pintura, y el collage.
La estética del Dadaísmo, marcada por su burla de actitudes

materialistas y nacionalistas, demostró una poderosa
influencia en los artistas de muchas ciudades, incluyendo
Berlín, Hannover, París, Nueva York y Colonia, que generaron
sus propios grupos.
Marcel Duchamp - Fuente, 1917

NABA2020/21
Hoja Complementaria
1910s: El Ballet Ruso
El Ballet Ruso fue una compañía de ballet itinerante con sede en

París, que se presentaba entre 1909 y 1929 en toda Europa y en
viajes a América del Norte y del Sur.
La compañía nunca se presentó en Rusia, donde la Revolución
interrumpió la sociedad.
Originalmente concebida por el empresario Sergei Diaghilev, el

“Ballets Russes” es ampliamente considerada como la compañía de
ballet más influyente del siglo 20, en parte porque promovía
innovadoras colaboraciones artísticas entre los jóvenes
coreógrafos, compositores, diseñadores y bailarines, todos a la
vanguardia de sus diversos campos.
El Ballet Ruso
NABA2020/21
1910s: Moda de Dama
El movimiento Art Deco comenzó a surgir en este momento y su

influencia fue evidente en los diseños de muchos diseñadores de
alta costura de la época.
Sombreros de fieltro simples, turbantes, y nubes de tul

reemplazaron a los estilos de casco popular en la década anterior.
También es notable que se organizaron los primeros desfiles de

moda reales durante este período de tiempo, por el primer modisto
femenino, Jeanne Paquin.
Traje de día usado en 1919

Imagen: glamourdaze.com
NABA2020/21
1910s: Moda de Dama
En 1914, las faldas eran más anchas en las caderas y muy

estrechas en el tobillo. Estas faldas “hobble” o rectas hacían
imposible poder dar pasos largos.
La cintura estaba suelta y suavemente definida. Gradualmente

cayeron cerca de la cintura natural a mediados de la década,
donde permanecerían durante los años de la guerra.
Las Túnicas se hicieron más largas y y los fondos de ropa

interior se hicieron más cortos. En 1916 las mujeres llevaban
vestidos de medio largo.
Tarje sastre,1912
NABA2020/21
1910s: Moda de Dama
La mayoría de los abrigos eran en forma de capullo o

kimono, anchos a través de los hombros y más estrechos
en el dobladillo. Los Abrigos de pieles eran muy
populares.
Los cambios en el vestido durante la Primera Guerra

Mundial fueron dictaminados más por necesidad que por
moda.
A medida que más y más mujeres se ven obligadas a

trabajar, exigen ropa que se adapte mejor a sus nuevas
actividades.
1918 Catálogo de Sears

NABA2020/21
1910s: Moda de Dama
Las Mujeres abandonaron las enaguas o fondos de sus túnicas

y conjuntos de falda, lo que simplifica el vestido y acortar las
faldas en un solo paso.
Estas fueron llamadas las ”crinolinas de guerra”; por la prensa

de moda, promovió el estilo como “patriótico” y “práctico”.
Durante los años de guerra, las mujeres que trabajan llevaban

zapatos de cordones con puntas redondas y bajos tacones de
cuña.
Tres trajes jersey de Chanel 1917

NABA2020/21
1910s: Moda de Dama
Grandes sombreros con alas anchas y sombreros anchos

con briznas de sombras de cara eran lo mas popular de la
moda en los primeros años de la década, reduciéndose poco a
poco a los sombreros más pequeños con briznas planas.
El “Bobbed” o pelo corto se introdujo en la moda de París en

1909 y se extendió a los círculos de vanguardia en Inglaterra
durante la guerra.
La bailarina, actriz de cine mudo e icono que impuso moda,
Irene Castle ayudó a difundir la moda para peinados cortos
en América.
Los sombreros grandes seguían siendo el foco del día

NABA2020/21
1910s: Moda Caballero
El saco o el saco del salón continuaron substituyendo el abrigo

“Frock” por la mayoría de las ocasiones informales y semi-
formales.
Se vestían con trajes de tres piezas que consistían en un saco

con chaleco y pantalón a juego, así como un abrigo y un chaleco
que coincidían con pantalones contrastantes, o un abrigo y pantalón
a juego con chaleco contrastante.
Los pantalones eran largos hasta el tobillo con vuelta y puños, y se

pliegan parte delantera y trasera usando una plancha de pantalones.
1910s Caballeros
NABA2020/21
La chaqueta “Norfolk” se mantuvo a la moda para la cacería y el

uso rudo como trajes de exterior.
Estaba hecha de tweed o de algún tejido similar resistente y

presentaba pliegues sobre el pecho y la espalda, con un cinturón de
tela.
Usado con pantalones que hacían juego, se convirtió en el conjunto

de traje “Norfolk”, utilizado conveniente para montar en bicicleta o
jugar golf con las medias hasta la rodilla y los zapatos bajos, o para
la caza con las botas resistentes o los zapatos con las polainas de
cuero.
Retrato de Wallace Beery

NABA2020/21
El traje de noche formal seguía siendo un abrigo de cola, color

oscuro y pantalones con un chaleco de color claro u oscuro. El traje
de la tarde fue llevado con una pajarita blanca y una camisa con
cuello de ala.
El saco menos formal o de “tuxedo”/esmoquin, que ofrecía un cuello

con los revestimientos de la seda o del satén visibles, ahora tenía
generalmente un solo botón.
Las corbatas “Ascot” fueron utilizadas con el traje fromal de dia, y

las pajaritas o moños blancos en el traje de la tarde.
Ropa de día formal incluye camisa de cuello de ala

NABA2020/21
Hoja Complementaria
1920s: Contexto Histórico
América del Norte, se refiere a menudo como los años veinte o la era del jazz, mientras que en Europa el período se refiere a veces
como los años veinte de oro a causa del auge económico después de la Primera Guerra Mundial.
Los franceses se refieren al período como felices años veinte, haciendo hincapié en el dinamismo social, artístico y cultural de la
época.
La prosperidad económica experimentada por muchos países durante los años 20 (especialmente los Estados Unidos) era similar en
naturaleza la experiencia de los años 50 y los años 90.
En los años veinte, las compañías petroleras extranjeras comenzaron a operar en toda Sudamérica. Venezuela se convirtió en el segundo
mayor productor de petróleo del mundo.
Sin embargo, la prosperidad en la década de 1920 no era omnipresente. La República Federal de Alemania sufrió una grave recesión
económica como resultado de las enormes deudas que acordó reembolsar como parte del Tratado de Versalles.
La devastadora caída de Wall Street en octubre de 1929 fué generalmente visto como un presagio del final de la prosperidad la década
de 1920 en Norte América y Europa.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
1920s: Arte
La “Bauhaus” Fue la escuela de arte modernista más influyente

del siglo XX, cuyo enfoque de la enseñanza y la comprensión de la
relación del arte con la sociedad y la tecnología, tuvo un gran
impacto tanto en Europa y los Estados Unidos hasta mucho después
cerrar.
Fué abierta por el grupo “Walter” en 1919, en Weimar, y fue

moldeada por las tendencias de los siglos XIX y principios del XX,
tales como el movimiento de Artes y Oficios.
Bauhaus
NABA2020/21
Hoja Complementaria
1920s: Arte
El Constructivismo fué el último y más influyente movimiento de

arte moderno en florecer en Rusia en el siglo XX.
Evolucionó justo cuando los Bolcheviques llegaron al poder en la

Revolución de Octubre de 1917 e inicialmente actuó como un
pararrayos para las esperanzas e ideas de muchos de los artistas
rusos más avanzados que apoyaron los objetivos de la revolución.
Proun Vrashchenia por El Lissitzky, c 1919

NABA2020/21
1920s: Moda de Dama
Las modas de prendas de vestir cambiaron con los cambios de roles de las
mujeres en la sociedad, particularmente con la idea de la nueva moda.
Aunque las matronas de la sociedad de una cierta edad siguieron usando los
vestidos conservadores, la ropa de deportes usada por mujeres más
jóvenes se convirtió en el cambio más grande en la moda de la posguerra.
Los vestidos tubulares de los adolescentes habían evolucionado en una
silueta similar que ahora se utilizaban como faldas más cortas con pliegues,
reunidas o con ranuras para permitir el movimiento.
La tendencia más memorable de la moda de los años 20 fue sin duda el estilo
“flapper” . El vestido “flapper” era funcional y aplanó la línea del busto en
vez de acentuarla.
Chaqueta y falda de 1923

NABA2020/21
1920s: Moda de Dama
Moda de día en 1920 Moda de dia a finales de 1920

Imagen: glamourdaze.com Imagen: glamourdaze.com
NABA2020/21
1920s: Moda de Dama
En el mundo del arte, la moda estaban siendo fuertemente influenciados por

movimientos artísticos como el surrealismo.
Después de la Primera Guerra Mundial, el arte popular vio una transición lenta
de las exuberantes abstracciones curvilíneas de la decoración art nouveau
a las formas más mecanizadas, lisas y geométricas del Art Deco.
Elsa Schiaparelli es una diseñadora italiana clave de esta década que fue
influenciada fuertemente por el arte “más allá de lo verdadero” y lo incorporó
en sus diseños.
Un anuncio de moda que muestra la blusa de los años 20

Imagen: fashion-era.com
NABA2020/21
1920s: Moda de Dama
La ropa interior comenzó a transformarse después de la Primera Guerra

Mundial para adaptarse a los ideales de un pecho más plano y una figura
más de niño o juvenil.
Lo más importante, el corsé fue desechado, reemplazado por un “chemise” o

camisola y los “bloomers”, más tarde acortado a pantaletas o bragas.
Jean Patou, un nuevo diseñador de la escena francesa, comenzó a fabricar

conjuntos de suéter y falda de dos piezas en un lujoso jersey de lana y tuvo
un éxito instantáneo con sus vestidos de díay trajes deportivos.
Las mujeres americanas adoptaron la ropa del diseñador como perfecta para
sus estilos de vida cada vez más activos.
Vestido de Jean Patou

NABA2020/21
1920s: Moda de Dama
Ropa interior de los años 20´s Ropa interior de los años 20´s
NABA2020/21
1920s: Moda de Dama
lsa Schiaparelli subió al escenario para representar a una generación más

joven.
Ella combinó la idea de diseño clásico de los griegos y romanos con el estilo
moderno para la libertad de movimiento.
Su propia interpretación produjo vestidos de noche de elegante sencillez.
Partiendo de la camisa, su ropa regresó a la conciencia del cuerpo bajo el

vestido de noche.
Vestido de noche de finales de 1920

NABA2020/21
1920s: Moda de Dama
El “bobbed” de dama o corto, el cabello corto para adaptarse

bajo los sombreros populares, un movimiento radical en el
principio, pero estándar para el final de la década.
Louise Brooks en su corte de cabello “Bob”

NABA2020/21
1920s: Moda de Dama
Estilo de cabello de dama de los años 20 Estilo de cabello de dama de los años 20
NABA2020/21
1920s: Moda de Caballero
En la moda masculina hubo dos períodos distintos en los años veinte.
A lo largo de la década, los hombres usaban chaquetas de traje corto, las

viejas chaquetas largas eran usadas sólo para ocasiones formales.
A principios de los años veinte, la moda masculina se caracterizaba por

chaquetas de cintura muy alta, a menudo llevaba cinturones.
Las solapas de las chaquetas de los trajes no eran muy anchas, ya que
tendían a ser abotonadas en lo alto.
Clarke Gable, c.1920s

NABA2020/21
Moda de Caballero de los años 20

NABA2020/21
En 1925, los pantalones más anchos comúnmente conocidos como

“pantalomes Oxford” se pusieron de moda, mientras que la chaqueta de
traje volvió a una cintura normal y las solapas se hicieron más anchas y se
usaron a menudo con pico.
También se empezaron a usar mangas sueltas durante este período.
A finales de la década de 1920, los chalecos de doble pecho, a menudo

usados con una chaqueta de un solo pecho, también se pusieron muy de
moda.
Actores Douglas Fairbanks, principios de los años 20

NABA2020/21
La moda masculina también se hizo menos reglamentada y formal. Los

hombres preferían chaquetas cortas con dos o tres botones en lugar de
chaquetas con colas largas, así como trajes rayados.
El traje Casual para para los hombres a menudo incluía bragas,

pantalones cortos que llegaron a la rodilla.
El traje de hombre más formal consistía en una chaqueta negra o de color

azul marino, de lana de golondrina, recubierta de satén, y un par de
pantalones a juego, recortados por los lados con una trenza ancha o una
cinta de raso.
Thomas W. Miles y Simon Zebrock, 1924

NABA2020/21
La universidad de Yale “Whiffenpoofs” de 1927

NABA2020/21
Los hombres solían terminar su traje de esmoquin con todos los

mismos accesorios que el traje completo, salvo que en lugar de
sombreros de primera que se usaban oscuros; los sombreros en forma
de cúpula fueron llamados “bowlers”.
Al igual que las mujeres, los hombres tenían ciertos trajes que se
llevaban para ciertos eventos. Los esmoquin eran la vestimenta
adecuada en el teatro, pequeñas fiestas de cena, entretenimiento en
la casa, y para salir a cenar a algún restaurante.
Charles Lawrence lleva una camisa de cuello y pajarita

NABA2020/21
Los sombreros de los hombres se usaban generalmente dependiendo de su

clase, los caballeros de la clase alta usaban generalmente los sombreros
altos o un sombrero “homburg”.
Los hombres de clase media llevaban un sombrero “fedora”, sombrero
“bowler” o un sombrero “trilby”.
Durante los meses de verano, un sombrero de paja era popular entre los
hombres de clase media y alta.
Los hombres de la clase trabajadora llevaban una gorra estándar o un gorro

plano.
Catálogo de Moda de 1920

NABA2020/21
Hoja complementaria
En Europa, Adolfo Hitler y el Partido Nazi subieron al poder en Alemania en 1933, formando un régimen fascista comprometido
a repudiar el Tratado de Versalles, perseguir y eliminar judíos y otras minorías de la sociedad alemana, expandir el territorio
de Alemania y oponerse a la propagación del comunismo.
Hitler sacó a Alemania de la Liga de las Naciones, pero recibió los Juegos Olímpicos de Verano de 1936 para mostrar su
nuevo poder al mundo, así como el supuesto atletismo superior de sus atletas arios.
El asesinato del diplomático alemán Ernst vom Rath por un judío polaco nacido en Alemania desencadenó la “Kristallnacht”,
ocurrida entre el 9 y el 10 de noviembre de 1938, llevada a cabo por la Juventud Hitlerista, la Gestapo y la “SS”, durante la cual
gran parte de la población judía Viviendo en Alemania nazi y Austria fue atacada.
Los judíos fueron asesinados, arrestados o enviados a campos de concentración nazis. Las sinagogas fueron destruidas y
miles de casas y negocios fueron saqueados. El “Kristallnacht” también sirvió como pretexto para la confiscación al por mayor de
armas de fuego de judíos alemanes.
NABA2020/21
Hoja complementaria
Hoja complementariaEn Estados Unidos, el choque del 29 de octubre de 1929 dio un final dramático a una era de prosperidad
sin precedentes y sin precedentes.
La nación estaba terriblemente desprevenida para el choque. En su mayor parte, los bancos no estaban regulados ni estaban
asegurados. El gobierno no ofreció ningún seguro o compensación para los desempleados, así que cuando la gente dejó de
ganar, dejaron de gastar. La economía de consumo se detuvo. Una recesión ordinaria se convirtió en la Gran Depresión, el
evento que definiría los años treinta.
El presidente Herbert Hoover tardó en responder a estos acontecimientos. Aunque creía que el comportamiento loco y peligroso
de los especuladores de Wall Street había contribuido de manera significativa a la crisis, también creía que resolver esos
problemas no era realmente el trabajo del gobierno federal. Como resultado, la mayoría de las soluciones que él sugirió fueron
voluntarias.
En 1932, muchos estadounidenses estaban hartos de Hoover. El candidato demócrata a la presidencia, el gobernador de Nueva
York, Franklin Delano Roosevelt, prometió un cambio, “un Nuevo Trato para el pueblo estadounidense”. Esta nueva
propuesta, usaría el poder del gobierno federal para tratar de detener la espiral descendiente de la economía. Roosevelt ganó
las elecciones de ese año con ganas.
NABA2020/21
Hoja complementaria
1930s: Arte
El realismo social se convirtió en un importante movimiento de arte

durante la Gran Depresión en los Estados Unidos en la década de
1930.
El realismo social generalmente retrataba las imágenes con un

significado sociopolítico.
Durante la Gran Depresión el arte de la fotografía desempeñó un

papel importante en el movimiento Realista Social. Los trabajos de
Dorothea Lange, Edward Steichen y Gordon Park, entre otros,
fueron particularmente influyentes.
Madre Migrante, Dorothea Lange

NABA2020/21
1930s: Moda de Dama
En la década de 1930 hubo un regreso a una apariencia más femenina y

elegante.
Escotes de busto redondos y cinturas curvas fueron vistos y el cabello se

hizo más suave y más bonito y mejorado.
Las frentes, que habían sido ocultas por los sombreros de “cloche”, fueron
revelados y adornados con los pequeños sombreros en forma de placa.
La ropa era femenina, dulce y ordenada por el día con una vuelta al
glamour verdadero en la noche.
Señoras que visten los vestidos de moda de los años 30

NABA2020/21
1930s: Moda de Dama
Desfile de moda en Milán, 1934

NABA2020/21
1930s: Moda de Dama
Las faldas eran con frecuencia más largas en la parte posterior que
en la parte delantera. Pliegues y godetes fueron insertados en los
paneles de debajo de la rodilla y estas inserciones dieron más
plenitud en el dobladillo. El dobladillo alcanzó el largo de la
pantorrilla un año después.
Algunas de las prendas eran tan elegantes que se podían usar hoy
en día. Parte de su atractivo fue el tejido drapeado que fue mejorado
por el corte de los tejidos en la cruz o al sesgo del hilo también muy
de moda en el inicio del nuevo milenio.
Moda de los 30s

NABA2020/21
1930s: Moda de Dama
Claudette Colbert Moda de

Hollywood de los años 30
NABA2020/21
1930s: Moda de Dama
Las pijamas introducidas como prendas de cena informal o ropa de noche

para dormir murieron rápidamente como modas.
Sin embargo, el tercer uso de ellos como un traje de playa práctico fue
capturado y cada mujer hizo de ellas una prenda esencial para empacar.
Pronto fueron considerados como para uso de la playa. Los pantalones eran
estilo marinero, con pata ancha y planos al frente con botones. Se
confeccionaban en drapeado pesado crepe-de-china.
Las blusas azules y blancas o las chaquetas cortas completaban el “look” de
las fiestas.
Mujeres en la playa que llevaba la Pijama de Playa

NABA2020/21
1930s: Moda de Dama
El rumor de la guerra belicosa en Europa se hizo más evidente. Los

diseñadores comenzaron a ajustar el estado de ánimo de sus colecciones a
más ropa de hombros cuadrados de inspiración militar combinada con
tacones bajos como respuesta a la detección de una necesidad más
funcional.
Cuando la guerra llegó en 1939, los diseñadores europeos habían diseñado
ya ropa más sencilla, pantalones, suéteres y camisas clásicas diseñadas
para permanecer de moda.
Una faceta interesante de la moda fue la breve aparición de una cintura de
avispa en las colecciones parisinas de 1939. Tanto Chanel como Mainbocher
jugaron con una falda completa y la cintura, pero la moda escapista no
resultó ser durable.
Marlene Dietrich con pantalones anchos

NABA2020/21
1930s: Moda de Dama
En los años 30, las tendencias principales para el estilo de cabello eran
todo sobre las ondas. Con un aspecto más suave que el elegante bob y
los rizos apretados de la década de 1920, las mujeres comenzaron a usar
el cabello en estilos más femeninos con partes dividas hacia un lado o
hacia abajo en el centro.
A principios de la década, el pelo corto todavía reinaba con trenzas
mantenidas cerca de la cabeza. Pero a medida que avanzaba la década de
1930, las mujeres comenzaron a optar por el pelo más largo.
Tendencia del estilo de cabello de los años 30

NABA2020/21
A principios de 1930, el corte de traje drapeado diseñado por Frederick

Scholte, hecho a la medida para el Príncipe de Gales, estaba arrasando el
mundo de la moda de los caballeros como una tormenta.
El nuevo traje era más suave y más flexible en la construcción que los trajes
de la generación anterior.
Tejido extra en el hombro y en los brazos, relleno ligero, una cintura
ligeramente pellizcada y mangas más completas que se estrechaban en la
muñeca, provocando un corte favorecedor con pliegues y drapeados por delante
y detrás que realzaban la figura de un hombre.
Foto de Sydney Cup, Randwick, 1937

NABA2020/21
El nuevo traje fue adoptado con entusiasmo por estrellas de

Hollywood como Fred Astaire, Cary Grant y Gary Cooper,
quienes se convirtieron en los nuevos “trendsetters”o estrellas
de la moda.
A comienzos de la década de 1940, los sastres de Hollywood

habían exagerado el drapeado hasta el punto de caricatura,
equipando a los mafiosos del cine negro y privando los ojos con
trajes con pechos muy acolchados, enormes hombros y
amplios pantalones.
Cary Grant, c. Años treinta

NABA2020/21
Estilo de Calle de Caballero de los

años 30s
NABA2020/21
Los músicos y otros experimentadores de la moda adoptaron la forma más

extrema del drapeado, el traje “zoot”, con cinturas muy altas, pantalones y
sacos largos.
Nuevas formas de prendas de noches de verano se introdujeron como

apropiado para los balnearios populares.
Estilo de Calle de Caballero de los años 30s

NABA2020/21
En 1933, los “knickerbockers” y los “plus-fours”, que habían sido

usadoscomúnmente como ropa de deportes en los años 20 habían perdido el
favoritismo a los pantalones ocasionales entre los de moda.
Estilo de Calle de Caballero de los años 30s

NABA2020/21
El sombrero más común de este período era el fedora, usado a menudo

inclinado abajo sobre un ojo en un ángulo libre.
El “Homburg” más conservador también se mantuvo popular, especialmente

entre las personas mayores e incluso comenzó a ser usado con ropa de
noche semi-formal en lugar del sombrero de copa, que a su vez se limitó a
su uso formal.
Las corbatas se volvieron mas abiertas y los diseños geométricos se
volvieron muy populares, incluyendo rayas, y los diseños de cuadricula.
Gorra de viscera plana

NABA2020/21
Muchas cosas que afectaban el estilo de ropa que la gente llevaba. La

austeridad también afectó el estilo de vestir de los caballeros civiles durante
los años de guerra.
El “Traje Utilitario” británico y el “Traje de Victoria” americano, fueron

hechos de hilados de lana sintéticos, sin pliegues, puños, botones de
mangas o bolsillos de parche.
Moda de Caballero de los años 30s

NABA2020/21
Hoja complementaria
Las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial se prolongaron hasta la segunda mitad de la década, con una Europa cansada de
guerra dividida entre las esferas de influencia del mundo occidental y la Unión Soviética, que condujeron al comienzo de la Guerra Fría.
Hasta cierto punto, las tensiones internas y externas en la era de la posguerra fueron manejadas por nuevas instituciones, incluyendo las
Naciones Unidas, el estado de bienestar y el sistema de Bretton Woods, facilitando el “boom” posterior a la Segunda Guerra Mundial,
que duró la década de 1970.
Sin embargo, las condiciones del mundo de la posguerra fomentaron la descolonización y el surgimiento de nuevos estados y
gobiernos, con India, Pakistán, Israel, Vietnam y otros declarando la independencia, aunque rara vez sin derramamiento de sangre.
La década también fue testigo de los primeros inicios de las nuevas tecnologías (tales como las computadoras, la energía nuclear y la
propulsión a chorro), a menudo primero desarrollados en tándem con el esfuerzo de guerra y más tarde adaptados y mejorados en la
era de posguerra.
NABA2020/21
Hoja complementaria
1940s: Arte
El expresionismo abstracto nunca fue un sello ideal para el

movimiento que creció en Nueva York en los años cuarenta y
cincuenta. Estaba destinada a abarcar el trabajo de pintores que
llenaban sus lienzos con campos de color y formas abstractas, y
aquellos que atacaron sus lienzos con un vigoroso expresionismo
gestual.
Todos estaban comprometidos con un arte expresivo de profunda
emoción y temas universales, y la mayoría fueron moldeados por
el legado del surrealismo.
A finales de la década de 1940, muchos de los factores estaban en
su lugar para dar origen al nuevo movimiento, por variado y
disparejo que fuera el trabajo de sus artistas. En 1947 Jackson
Pollock encontró su camino a la técnica de goteo.
Jackson Pollock
NABA2020/21
1940s: Moda de Dama
Con el comienzo de la guerra y un estricto racionamiento de la tela, los

vestidos en la década de 1940 se hicieron más cortos, llegaban hasta la
rodilla.
La ropa femenina adoptó una apariencia militar masculina con la invención de

hombreras. Cada vestido, blusa o chaqueta estaba equipada con hombreras
que se extendían justo después del borde del hombro.
Las mangas a menudo se abultaban un poco en la parte superior y se

extendían hasta justo por encima del codo.
Mujeres de los 40’s

NABA2020/21
1940s: Moda de Dama

NABA2020/21
1940s: Moda de Dama
Los trajes de falda eran Línea A. Esto significa que emergieron

gradualmente de cadera a la rodilla.
La última década de 1940 tuvo algunos pliegues y una gran amplitud en

forma de “A” e incluso algunos bolsillos.

NABA2020/21
1940s: Moda de Dama
Finalmente el traje de chaqueta cubrió el vestuario. Las chaquetas

tenían el mismo hombro acolchado, ancho, escote alto y recogido en
la cintura con sólo un ligero toque en el fondo.
El borde inferior de la chaqueta llegó a la mitad de la cadera.

Las chaquetas estaban abotonadas y presentaban una variedad de
anchos de solapa, puntos y formas.
Un catálogo que muestra el abrigo de moda de los años 40

NABA2020/21
1940s: Moda de Dama
Mujeres de los años 40 Mujeres de los años 40

Imagen: fashion-era.com Imagen: glamourdaze.com
NABA2020/21
1940s: Moda de Dama
Los “Trousers” o pantalones eran un artículo de uso de los hombres solamente

hasta los 1940's.
Las mujeres que trabajaban en las fábricas necesitaban ropa segura que no se
enganchara en la maquinaria.
Al principio las mujeres sólo llevaban pantalones de hombre. Más tarde los
fabricantes maquilaron pantalones hechos para las mujeres, aunque todavía se
veía muy masculino.
Eran de cintura muy alta, botón o cierre de lado, y tenía piernas anchas con
anchos puños en el fondo. Se hicieron de algodón, denim o de mezclas lana.
Mujeres de los años 40’s

NABA2020/21
1940s: Moda de Dama
Mujeres de los años 40 Mujeres de los años 40

Imagen: glamourdaze.com Imagen: fashion-era.com
NABA2020/21
1940s: Moda de Dama
El cabello estaba cortado con una forma de U redondeada

en la espalda, curvado hacia arriba hacia las orejas, y la
mayoría de los cortes de pelo tenía un montón de capas -
éstas eran necesarias para crear los estilos.
Si había una separación, el pelo estaba generalmente

separado a un lado. Las ondas eran suaves y el cabello
siempre estaba puesto con una onda. Los rizos se usaban
para vestir un área del pelo, como el lado opuesto a un rollo.
Para los que tenían el cabello mas lacio, las ondas y los
rizos se colocaban en los cabellos de las peluquerías o
salones de belleza, pero muchas mujeres simplemente se
rizaban el pelo en casa usando rizos de pernos o
retorciéndose en harapos.
Estilo de Cabello de los 40’s

NABA2020/21
La ropa del tiempo de la guerra influenció el diseño de ropa de

los hombres después de la guerra copiando o modificando los
uniformes en la ropa civil.
Abrigos, chaquetas estilo “bomber jackets”, camisetas de
punto, capas “pea coats”, pantalones chinos y gafas de
aviador tienen raíces en la ropa militar de la Segunda Guerra
Mundial.
La mejora en la maquinaria, los textiles y la manufactura de la
ropa militar hicieron de la ropa post guerra lista para usarse una
industria floreciente. Los hombres estaban cansados de los
uniformes ásperos y de los trajes de confinamiento.
La ropa causal de libertad era un gran suspiro de alivio.
La camisa hawaiana, por ejemplo, se llevaban todo el día e
incluso noches en el verano.
Caballeros de los 40’s

NABA2020/21
Los Chalecos se consideraron un artículo inútil en tiempo de

guerra y después, la mayoría de los hombres prefirieron no
usar un chaleco con sus trajes en absoluto. Era más fresco y
estaban más cómodo sin ellos.
Además de combinar el traje, los chalecos eran de cuello en V
con bolsillos a cada lado.
Los pantalones de traje eran generalmente de frente plano o

con pliegues simples. Se usaban en la cintura alta.
Las piernas del pantalón eran anchas alrededor del tobillo y

por lo general estaban bien dobladas en la parte inferior.
Familia de los años 40’s

NABA2020/21
La camisa de vestir con cuello se utilizaba con trajes o sola

con un par de pantalones. Estas camisas fueron hechas
generalmente del algodón con un cuello atado, grande,
apuntado.
Las corbatas fueron hechas exclusivamente de seda, rayón y

lana.
Eran lazos de panel y bastante amplios. También se utilizaron
cortas.
Geométricos, líneas rizadas, monogramas y estilo art deco

se hicieron en colores brillantes.
Animales, plantas, flores, pájaros, temas occidentales y
tropicales estaban por todas partes.
Caballeros de los 40’s

NABA2020/21
Los trajes “Zoot” eran a menudo rayados y amarillos

brillantes, verdes, azules brillantes y morados. El traje en sí era
una chaqueta larga y ancha de tirantes de dos botones con
unas grandes solapas con grandes hombreras gastadas
sobre pantalones extremadamente anchos que llegaban a la
mitad de las costillas.
Los pantalones cónicos en la parte inferior para un puño

muy ajustado en los tobillos, que se sostenían con tirantes.
Traje “Zoot” de caballero de los años 40s

NABA2020/21
Los pantalones de trabajo tenían frentes planos con un solo

pliegue de la pierna.
Las anchuras de las piernas también eran generalmente más

estrechas que las de los pantalones de juego o de deporte.
Work trousers had flat fronts with a single leg crease.
Los colores eran bastante básicos tonos bronceados,
marrónes, azul marino, y verde cazador, aunque a veces el
tartán era lanzado a la mezcla.
Las camisas de trabajo tenían cuellos suaves y abiertos,
dos bolsillos de parche y pliegues en la parte posterior y los
agujeros del brazo para la libertad de movimiento.
Pantalones de caballero de los años 40

NABA2020/21
Algunos suéteres eran generalmente anchos o acanalados con

un dobladillo y un puños acanalados más anchos. Podían ser
de cuello redondo o un pequeño v-cuello.
Los “Cardigans” eran un “look” o estilo muy popular, con el

cuello en “V” y los botones abajo de la parte delantera. Algunos
cerrados con cremallera en la parte delantera y con un cuellos
pequeños, redondeados estilo “stand-up”(o parados).
Los “Cardigans” a menudo tenía dos bolsillos de parche

frontales bajos también. Para las chaquetas adicionales del calor
del invierno podría tener un cuello grande de mantón que se
podría usar abajo o arriba y envuelto con una bufanda caliente.
Portada de libro de tejido de punto de los años 40’s

NABA2020/21
El abrigo “trench coat “ era otro estilo clásico de los años

1940, hecho especialmente popular por Humphrey Bogart en
Casablanca (1942).
Una de las chaquetas más iconoicas y coleccionables de los años

40 es la “Gabardina”, con el nombre del material, con bolsillos
angulosos en los lados, 5 botones en la parte delantera o
cremallera en los últimos años 40 y un bolsillo opcional con una
solapa.
Humphrey Bogart, Casablanca, 1942

NABA2020/21
El “fedora”, también llamado “trilby”, era por mucho el estilo

más usado. Otro sombrero muy popular hecho de fieltro en la
década de 1940 fue el “homburg”.
El sombrero más único de la década de 1940 fue el sombrero

de “porkpie”. Similar a un sombrero del jugador del Victorian,
este sombrero estaba hecho de fieltro negro o color piel
marrón y tenia una tapa plana ovalada corta con el pliegue
profundo alrededor del óvalo.
Caballeros de 1940
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Gabriele D’Annunzio
Gabriele D'Annunzio o d'Annunzio (ennoblecido por el Rey de Italia en 1924 como Príncipe de Montenevoso 12 de marzo de 1863 - 1 de
marzo de 1938) fue un poeta, periodista, novelista, dramaturgo y soldado italiano durante la Primera Guerra Mundial.
Era una destacada figura nacionalista italiana. Su papel en la política es polémico debido a su influencia en el movimiento fascista
italiano y su estado como presunto precursor de Benito Mussolini.
La monumental ciudadela o la 'Vittoriale degli Italiani' fue creada por D'Annunzio entre 1921 y 1938, cuando se trasladó a la Gardone
Riviera, en el lado de Brescia del Lago de Garda. No es una casa, sino un complejo de edificios, calles, plazas, teatros, jardines,
parques, ríos y una enorme muestra de prendas de vestir.
El 'Vittoriale' habla de la personalidad de D'Annunzio: en este marco muestra su pasión por los trajes y la manera de usarlos, pero también
nos da una Imagen de un “Zeitgeist”, o “El Espíritu del Tiempo”; representado en arte, literatura, diseño de interiores, arquitectura, moda
y pasiones culturales.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
“Vittoriale degli Italiani” de D’Annunzio

Imagen: vittoriale.it
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Retrato de Gabriele D'Annunzio Gabriele D'Annunzio en los jardines “Vittoriale’s”

Imagen: history.com Imagen: vittoriale.it
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Tal vez para compensar su no tan imponente físico, la falta de buena

apariencia y su trasfondo plebeyo, Gabriele D'Annunzio abrazó el
exceso en todo lo que hacía.
Y él hizo muchas cosas: novelista, dramaturgo, poeta, marino y

aviador, un héroe de guerra genuino, un narcisista, un
drogadicto, un dotado agitador, un evasor de deudas y un
mujeriego.
Gabriele D’Annunzio
Imagen: history.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Prendas hechas a la medida de D’Annunzio

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Es difícil para nosotros, casi un siglo más tarde, entender por qué las
mujeres se sentían tan atraídas por D'Annunzio. Fotografías de él
demuestran que era bajo de estatura, totalmente calvo a los 23
años, tenía las piernas delgadas y dientes podridos, y sus ojos
fueron descritos por la actriz Sarah Bernhardt como “pequeñas
manchas de mierda”.
En otras palabras, era poco atractivo; Así debió de ser su mente, el
melodrama, el ingenio y la audacia (y, al final, el dinero) era lo que
hacía que las mujeres se acerquen a él como polillas a una llama.
En el matrimonio, se movía frenéticamente de un romance a otro, su
sexualidad (y su ego) nunca se saciaban o no quedaba nunca
satisfecho, estallando extravagantemente en el mundo más amplio
como una estrella fugaz, iluminando el cielo nocturno con su
fantasmagoría brillante de colores antes de desaparecer en el
horizonte.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Zapatos hechos a la medida para D’Annunzio

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Eleonora Duse fue una de las dos actrices europeas más famosas
de la época. Cuando no se encontraba de gira, Duse vivía en una
modesta villa, “La Porciúncola, Via della Capponcina 75”, en
Settignano, en las colinas de Florencia.
El amorío entre D'Annunzio y Duse comenzó con un intercambio

de correspondencia.
Duse acababa de leer la novela de D'Annunzio “L'Innocente” y

trataba de convencerlo de que le escribiera una obra de teatro.
Eleonora Duse
NABA2020/21
Hoja Complementaria
En 1904 sus ánimos para el “Divino Duse”; se habían enfriado, y

D'Annunzio se involucró sexualmente con la Marquesa Luisa
Casati, un romance que duró de 1903 a 1913.
Casati era extravagante, errática y exhibía un comportamiento

chocante; Así encajaba bien con el estilo exhibicionista de
D'Annunzio, tanto como un show narcisista e insaciable como él
era, pero uno con la ventaja de tener dinero y mucho.
Marquesa Luisa Casati

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Aunque en 1900 D'Annunzio era miembro del parlamento por la

extrema derecha, en marzo de ese año votó con la izquierda contra
su propio partido y fue golpeado por su candidato conservador de
distrito en las siguientes elecciones.
Ciertamente, la política no era su pasión, sino sólo el medio para

mostrar su enorme ego. La literatura y las mujeres eran más
importantes para él.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Marchesa Luisa Casati
Una mujer de época, inimitable, con un encanto único: oscuro, excéntrico, metamórfico y con un dandismo innato y femenino que
todavía hoy logra inspirar, provocar e intrigar.
Luisa Adele Rosa María Amman nació en Milán el 23 de enero de 1881, en una familia grande y rica de magnates de algodón de origen
austriaco que fueron elevados a los condes bajo el reinado del rey Umbero I. Junto con su hermana mayor, Luisa y la muerte prematura de
su padre, era considerada la mujer más rica de Italia, la heredera por excelencia del conjunto social milanés.
En 1900 se casó con el marqués Camillo Casati Stampa de Soncino, de quien se separó, pero nunca se divorció, en 1914, por su
necesidad de vivir libremente su vida llena de exceso, pompa, amor y creatividad, una vida que eligió vivir como si fuera una obra de arte
en sí misma.
Así comenzó su legendaria fama como inspiración, musa y mecenas de artistas y escritores, un grupo de talentos selectos que
siempre se actualizaron según las novedades culturales que cruzaban con esta aristócrata hasta su muerte, en relativa pobreza, en
Londres en 1957.
El pintor Giovanni Boldini, que representaba a Casati con obras de increíble modernidad y dinamismo, así como el escultor Paolo
Troubetzkoy y Romaine Brooks, la hicieron inmortal como un testimonio de su estatus y belleza icónica.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Su elegancia fue estilizada a la manera Fauve por Kees van

Dongen, quien la pintó junto con uno de sus amados galgos, así
como protagonistas del movimiento futurista como Boccioni, Filippo
Tommaso Marinetti y Fortunato Depero– Los dos últimos artistas
siendo compañeros de ella durante sus largas estancias en Capri a
finales de los años veinte, así como destinatarios de su generoso e
incluso excesivo apoyo económico.
Marquesa Luisa Casati, Man Ray, 1924

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Vivió en Venecia con una auténtica colección de animales

exóticos y fue una parte fundamental de la temporada social de
Venecia, gracias a sus fiestas inolvidables y opulentas donde ella
aparecería en creaciones de inspiración oriental hechas para ella
por Mariano Fortuny y Paul Poiret. Turbantes, tocados de
plumas, maquillaje dramático y joyas impresionantes.
Marquesa Luisa Casati con Traje de Bakst, 1922

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Entre 1919 y 1920, a menudo se encontraba en el entorno de Capri,

un refugio para los intelectuales, esthetes, músicos de Europa, así
como un lugar de encuentro para gays y lesbianas, sofisticadas
excéntricas y socialites no convencionales.
Luisa alquiló la legendaria Villa San Michele, situada en los

acantilados de Anacapri, y sorprendió a los lugareños y visitantes
con sus apariciones en la plaza de la ciudad junto a un pavo real
azul o un leopardo de correa, y acompañado por un gigantesco
siervo negro, Los escritos de “Compton Mackenzie”, especialmente
Mujeres Extraordinarias, publicado en 1928.
Marquesa Casati por Erté

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Luisa Casati, con su estilo único, peculiar, suntuoso y obscuro,

sus capas y peplums, sus referencias masculinas, sus pieles de
zorro y sus pieles de leopardo, sus infranqueables “sautoirs”, sus
teatros, sus plumas de cabeza, sus modales neogóticos y sus
bordados orientales, siguen inspirando a una legión de
diseñadores de moda.
Entre los “visitantes” habituales del espíritu Casati, John Galliano

rindió homenaje la marca “Marchesa”, no por casualidad, fue el
nombre elegido por los diseñadores británicos Georgina Chapman
y Karen Craig para su exitosa y lujosa línea.
Marquesa Luisa Casati, Giovanni Boldini,1908

NABA2020/21
Hoja Complementaria
De gran importancia hoy en día es el sentido de moda innovador

de Casati, que sigue siendo un recurso constante para los
diseñadores principales y novatos en todas partes.
En 1998, John Galliano basó su colección Primavera / Verano

Christian Dior en ella. Los vestidos de esta colección se han
exhibido en el museo metropolitano del instituto de la manera del
arte.
Casati sirvió de inspiración para otro de los conjuntos de Galliano

creados para su colección de alta costura otoño / invierno 2007/2008
de “Bal des Artistes” para Dior.
La colección Primavera/ Verano 2007 del diseñador Alexander

McQueen fue inspirada por Casati.
Reinterpretación de la Marquesa Casati para Dior Couture,

2007
Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Marchesa
Luisa Casati
Colección Crucero de Chanel 2010 Carine Roitfeld por Karl Lagerfeld

Imagen: vogue.com Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Marchesa
Luisa Casati
Luisa Casati reinterpretada por John Galliano

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Marchesa
Luisa Casati
Alberta Ferretti Couture Otoño /Invierno 2016-17

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Elsa Schiaparelli
“El artista italiano que hace la ropa”, es como la gran Coco Chanel describió a Elsa Schiaparelli, con una sonrisa forzada - Coco,
la indiscutible reina de la alta costura parisina, no pudo ocultar el rastro de la envidia.
‘Shiap’, Como sus amigos la llamaban, nació en una familia romana acomodada y cultivada. Estudió filosofía, se casó joven y se
mudó a Nueva York.
En 1920 su marido la dejó y ella volvió a Europa con su hija y se estableció en París.
A pesar de no tener una profesión o recursos financieros, se involucró en la moda, que iba a convertirse en su pasión de toda
la vida. Uno de sus primeros diseños, una camiseta negra con una ilusión óptica blanca, fue observado por un comprador de una
tienda de departamentos, quien le colocó una gran cantidad de pedidos. Era 1928, y así comenzó su ascenso del Olimpo de la
Alta Costura parisiense.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Elsa Schiaparelli
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Una de sus grandes contribuciones fue la introducción del estilo

“egipcio”, junto con la manga de pagoda, la silueta fundamental
para el “nuevo look/ New look”; de la posguerra.
En 1935 abrió una boutique en la “Place Vendôme” y en poco

tiempo su clientela incluyó nombres famosos como la señora Wallis
Simpson, duquesa de Windsor.
Elsa Schiaparelli
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Creaciones de Elsa Schiaparelli’s en revistas de moda, 1940-1946

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Su ropa emanaba ironía y provocación, no quería dar a las

mujeres elegancia y estilo, creía que ya poseían estos atributos.
Ella quería atraer la atención con sus diseños que es cómo ella
fundó sus propias ideas surrealistas inspiradoras.
Elsa conoció a Salvador Dali, Jean Cocteau y Man Ray. Ella

colaboró con ellos y el resultado fueron sus famosas colecciones
'Circus' y 'Musical Intruments’.
Elsa Schiaparelli, 1936

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos:
Elsa Schiaparelli
Abrigo de noche de Elsa Schiaparelli, 1937 Abrigo de noche de Elsa Schiaparelli, 1937
Imagen: fashion-era.com Imagen: fashion-era.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Schiaparelli reinó en el mundo de la moda durante un cuarto de

siglo. Al mezclar el arte con la moda, ella amplió las posibilidades
de las mujeres en la elección de ropa.
Entonces en los años 40 su estrella se descoloró y durante la

Segunda Guerra Mundial se movió a Nueva York, donde en 1949
ella abrió una boutique.
En 1954 realizó su último desfile de moda y luego se retiró.
En su autobiografía, publicada en 1954, dio crédito a la declaración

de Chanel: “El diseño del vestido ... no es para mí una profesión
sino un arte”.
Dibujo de un sombrero de zapato de Elsa Schiaparelli

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos:
Elsa Schiaparelli
Sombrero por Elsa Schiaparelli Un vestido de Schiaparelli, 1934

NABA2020/21
TU1 Ejercicio 1 de Lanzamiento: Estilo Histórico 1
Para la siguiente lección, los estudiantes tienen que vestirse en el estilo de la década explicada en esta unidad, para demostrar que han
entendido el estilo, la ropa y los accesorios de la época.
Los estudiantes pueden usar un tipo de vestido, un sombrero, zapatos o accesorios inspirados en los estilos mostrados en TU1 y referidos
al período 1900-1949.
Los estudiantes también pueden crear un maquillaje o peinado inspirándose en los que estaban de moda en el período 1900-1949.
Por ejemplo, para los años 1900 los estudiantes pueden usar la falda campana larga con arrastre suave, collares altos y adherentes,
sombreros grandes con flores y cintas, pelo hinchado, “chignon” pequeño, paraguas, mangas y ventiladores.
Para los años 1920 los estudiantes pueden usar traje de vestir o vestidos de línea recta, sombrero “cloche”, collares largos y perlas, pelo
corto, calcetines transparentes o de color “nude”.
TU2
• PRESENTACIÓN EJERCICIO 1: ESTILO HISTÓRICO 1
• CONTEXTO HISTÓRICO Y DE MODA: 1950 – 1999
• EJERCICIO 2 DE LANZAMIENTO: ESTILO HISTÓRICO 2
NABA2020/21
TU2 PRESENTACIÓN Ejercicio1: Estilo Histórico 1
El profesortiene que evaluarla consistenciadel “look” , accesorios, maquillaje y peinadosal contexto histórico que el
estudiante ha elegido.
Durante la lección puedes tomar fotos con más gente vestidaal estilode esa década.
NABA2020/21
TU2 Contexto histórico y moda: 1950 - 1999

• 1950s Contexto histórico y arte
• 1950s Moda – Mujeres y Hombres • Neo-Dada
• 1960s Contexto histórico y arte • Arte kinético
• 1960s Moda – Mujeres y Hombres • Arte pop
• 1960s Subculturas de la moda • Mods vs. Rockers
• 1970s Contexto histórico • Swinging Londres
• 1970s Moda – Mujeres y Hombres • Hippies
• 1970s Subculturas de la moda • Greasers
• 1980s Contexto histórico
• Cabezas rapadas
• 1980s Moda – Mujeres y Hombres
• Punks
• 1990s Contexto histórico
• 1990s Moda – Mujeres y Hombres
• Grunge
• 1990s Subculturas de moda
• Icons: Valentino Garavani
• Icons: Elio Fiorucci
• Icons: Anna Piaggi
NABA2020/21
Contexto Histórico y de Moda: 1950 - 1999
Hoja Complementaria
Los 1950s fueron un tiempo de paz y un tiempo de temor, de prosperidad y de incertidumbre, de conformación y de rebelión,
de religión renovada y de enorme materialismo.
Los cincuentas ganaron una reputación de ser una época plácida. Debido al “baby boom”, causado por un sentido difuso de
confianza en el futuro , los ciudadanos Estadounidenses se mudaron a los suburbios, jugaban aros “Hula”, veían programas de
televisión banales, y vivían sus vidas en un petulante olvido. Durante los cincuentas los Estadounidenses estaban ansiosos y
con razón de estarlo ante la amenaza de la Unión Soviética y temían una guerra nuclear. Se decía que los Comunistas quizás
estaban invadiendo su país. La tensión entre los Estados Unidos y la Unión Soviética conocida como la “Guerra fría” fue otro
elemento decisivo de los cincuentas.
Despúes de la Segunda Guerra Mundial, los líderes occidentales empezaron a preocuparse de que la URRS tenía lo que un
diplomático Americano denominó “tendencias expansivas”. Aún más, creían que el esparcimiento del comunismo a donde fuere
amenazaba la democracia y el capitalismo donde quiera. Como resultado, el comunismo debía ser “contenido” por la diplomacia
y por medio de la fuerza. Ésta idea marcó la política extranjera Estadounidense por décadas. Y también sus políticas domésticas.
NABA2020/21
Contexto Histórico y de Moda: 1950 - 1999
Hoja Complementaria
1950s: Arte
Los artistas del Neo-Dada son conocidos por usar medios masivos
y objetos encontrados, así como una presentación enorme. Estos
artistas se rebelaron contra las pinturas emocionalmente cargadas
de los Expresionistas Abstractos que dominaron el mundo
artístico de los cincuentas.
El arte Kinético - que depende del movimiento para su efecto –

tiene sus orígenes en el Dadaismo y el movimiento
Constructivista que emergió en 1910.
Mark Rothko
NABA2020/21
Contexto histórico y de moda: 1950 - 1999
Hoja Complementaria
1950s: Moda femenina
Los hombros son estrechos y suaves. La cintura tenía que ser

pequeña y levantada hacia una “cintura de avispa”. Un corpiño
apretado llegaba hasta la cintura natural o un poco más arriba donde
empezaba la falda. La falda es de donde salen las dos principales
siluetas de los 1950s.
El algodón se usaba para la ropa casual, mayormente en vestidos

de camisa a la cintura. La lana y el lino eran populares para el día,
así como las nuevas telas sintéticas el rayón y el poliéster. El
“tweed” así como mezlas de lana y actato estaban de moda para el
otoño a mediados de los cincuentas. La seda x
El “shantung” de seda podía usarse para hacer un vestido más

vestidor para salidas a cenar.
Moda femenina en los años 50

NABA2020/21
Alta moda italiana en 1950s

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
El nuevo look de Dior, con sus vestidos de faldas completas es el

más icónico estilo de vestido de los 1950s, especialmente durante
la primera mitad de la década. El corpiño era muy entallado y una
falda muy redonda y aglobada resalta de la línea de la cintura. La
falda se usaba conenaguas o crinolina por debajo para darle más
volúmen o con un forro delgado para un mejor movimiento.
El corte del cuello debía ir en V, redondo, cuadrado o en forma de

corazón. También se usaban cuellos grandes, puntiagudos, de peter
pan o bertha. El cuello muchas veces iba de otro color para
contrastar con el vestido.
El “New Look” de Christian Dior

NABA2020/21
1950s damas Lisa Fonssagrives con un traje a la medida, 1951

Imagen: vintagedancer.com Imagen: vintagedancer.com
NABA2020/21
Toda mujer incluídas adolescentes, debían tener por lo menos un

“little black dress” o vestidito negro de cóctel, en su guardaropa.
Era el vestido perfecto para adornar con unas perlas, o hacerlo
casual con una mascada de color.
Podían ser entallados, sueltos o sexys con un cuello profundo en

V. La alternativa para el negro era el azul marino para hacerlo más
de tarde. Una tendencia que emergió a finales de la época fue el
vestido de campana.
El corpiño es entallado como siempre y podía seguir cualquier

estilo. Sin embargo la falda empezaba a la cintura, se hacía más
esponjada a la cadera y luego caía cerrada en la pantorrilla dando
una silueta acampanada.
Audrey Hepburn con un little black dress

NABA2020/21
Damas 1950s Mujer 1950s

Imagen: vintagedancer.com Imagen: vintagedancer.com
NABA2020/21
Los zapatos oxford en blanco y negro con una tira de color

contrastante en medio llamados “saddle shoes” eran lo último para
los adolescentes en los 50’s, pero las chicas los usaban también.
El look lucía mejor con una falda en círculo de fieltro o de algodón
o pantalones de mezclilla.
Otro zapato casual eran los tennis blancos lisos de agujetas como
los clásicos de Keds, los mocasines sencillos, o los flats tipo
bailarina con un moño pequeño.
Mujeres en 1950s
NABA2020/21
Toda mujer incluídas adolescentes, debían tener por lo menos un

“little black dress” o vestidito negro de cóctel, en su guardaropa.
Era el vestido perfecto para adornar con unas perlas, o hacerlo
casual con una mascada de color.
Podían ser entallados, sueltos o sexys con un cuello profundo en

V. La alternativa para el negro era el azul marino para hacerlo más
de tarde. Una tendencia que emergió a finales de la época fue el
vestido de campana.
El corpiño es entallado como siempre y podía seguir cualquier

estilo. Sin embargo la falda empezaba a la cintura, se hacía más
esponjada a la cadera y luego caía cerrada en la pantorrilla dando
una silueta acampanada.
Un catálogo de moda que muestra una variación de la punta

NABA2020/21
El cabello se usaba corto y rizado con el Nuevo Look, y los

sombreros eran esenciales para las ocasiones más formales.
Sombreros de ala ancha como de platillo se pueden ver con
los trajes tempranos del New Look, pero más adelante los
sombreros más pequeños predominaron.
El cabello muy corto estaba de moda a principio de los 50’s. Para

mediados de la época se hizo menos frecuente, especialmente
cuando otros estilos cortos como el “poodle” corto y rizado se
pusieron de moda.
Las chicas “beat” usaban el cabello largo y lacio y las

adolescentes adoptaron la “cola de caballo” ya sea larga o corta.
El principal ícono de la moda fue Marilyn Monroe
El estilo de cabello de Marilyn Monroe

Imagen: history.com
NABA2020/21
1950s: Moda masculina
En 1950 Harper’s Bazaar proclamó “el regreso del guapo”, “el

nuevo Look Eduardiano”, que llevaba una chaqueta
abocinada, hombros naturales, y un corte en general más
estrecho, llevado con un sombrero de ala corta y doblada, un
abrigo delgado, cuello de terciopelo y mancuernillas.
Este estilo era liderado por los “Teddy Boys”, quienes
agregaron calcetines brillantes, o una corbata de tira de cuero
con adorno, logrando así una combinación entre el Look de
Dandy Eduardiano y el Gangster Americano.
Estilo de traje de hombre en 1950’s

NABA2020/21
Teddy Boys Teddy Boys

Imagen: vintagedancer.com Imagen: glamourdaze.com
NABA2020/21
Los sastres de Saville Row horririzados dejaron el look

Eduardiano exagerado, y el estilo de los trajes de negocios
se alejó más del corte ancho y el estilo inglés, y en su lugar se
usaban trajes de un cuello, líneas más estrechas y hombros
menos voluminosos.
El gris carbón oscuro era el color más usual, y la era del
saco gris franela nació. Al final de los 50’s, un estilo
continental apareció de las casas de moda de Italia, con
hombros más agudos, telas más ligeras, chaquetas más
cortas y cuellos más delgados.
Traje de negocios 1950s

NABA2020/21
Hombre “Preppy” ‘50s

NABA2020/21
El traje sport seguía generalmente la misma línea que los

otros trajes. El estampado se hizo popular a principios de los
50’s y cuadros o rombos de todos tipos se usaban, así como
las chaquetas de pana con botones de piel y gabardinas.
Los pantalones color khaki, llamados chinos, se usaban para
ocasiones casuales. Los shorts o Bermudas, algunas veces
en cuadros aparecieron a mediados de la época y se usaban
con calcetas a la rodilla.
Estudiantes universitarios con diferentes estilos de camisas

NABA2020/21
Estilo de hombre 1950s Marlon Brando en “A Streetcar Named Desire”

Imagen: glamourdaze.com Imagen: vintagedancer.com
NABA2020/21
El cabello de moda en los hombres tenía un “look mojado”,

que se lograba usando productos como cera Brylcreem.
Los jóvenes se dejaban el cabello más largo, y se ponían
pomadas u otros productos o tratamientos para peinarse
como “pompadours”.
Elvis Presley
NABA2020/21
Anuncio de Brylcreem 1955 Sombrero de Stetson Porkpie

NABA2020/21
Hoja Complementaria
A principios de la época, los estudiantes universitarios Afro Americanos, estaban impacientes con la lentitud del cambio legal,
hacían protestas, huelgas y travesías llamadas “freedom rides” para combatir la segregación en el sur. Sus esfuerzos llevaron a
que el gobierno aprobara el Acta de Derechos Civiles de 1964, que prohibe la discriminación en establecimientos públicos y
trabajo, y la 24a Enmienda y Acta de Derechos Electorales de 1965, que les garantizaba el derecho al voto.
Estos ejemplos movimientos a favor de los derechos civiles inspiraron a otros grupos a luchar por la equidad. El movimiento
femenino luchaba por oportunidades iguales en educación y trabajo, y logró el cambio de la visión tradicional del lugar de la
mujer en la sociedad.
Los ciudadanos Americanos de origen Mexicano lucharon por programas bilingues en las escuelas, sindicalización de los
trabajadores del campo, mejores condiciones de trabajo, y más poder político. Los Nativo Americanos lucharon por el control de
sus tierras y recursos, la preservación de las culturas nativas, y un gobierno tribal propio. Los gays y lesbianas se organizaron
para acabar con la discriminación legal basada en su orientación sexual.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
1960s: Arte
El arte Pop es mayormente asociado con los artistas neoyorkinos

de principios de los 60s Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James
Rosenquist y Claes Oldenburg.
Siguiendo la popularidad de los Expresionistas Abstractos, la

reintroducción del pop de la Imagen indefinida (tomada de los
medios y la cultura popular) fue un gran cambio de dirección del
modernismo. El sujeto se volvió mas lejos del tradicional “gran arte”
y más hacia temas de moralidad, mitología e historia clásica.
Marilyn, Andy Warhol

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Con la excepción de principios de la década, los sesentas vieron

por primera vez la homogenización de la moda en hombres y
mujeres.
De hecho, durante éstos años, nacieron pequeños grupo de modas,
y dentro de ellos la gente se reconocía por un estilo específico y no
tanto por una figura o atuendo en particular.
Mujeres de negocios en los ‘60s

NABA2020/21
Los 60s fueron la era de inovación en la moda femenina.

A principios de los 60s surgen los pantalones entubados de mezclilla
y los pantalones capri, como los que usaba Audrey Hepburn.
Tradicionalmente, los pantalones eran vistos como masculinos, pero
a principios de la década se hicieron aceptables para que las
mujeres los usen diario.
Estos incluían los Levi Strauss jeans, los cuales antes se
consideraban exclusivos de la clase trabajadora.
.
Pantalones de moda en los ’60s

NABA2020/21
Los 60s tuvieron muchas variaciones. Por ejemplo, el vestio mini,

usualmente en corte A o el cambio sin mangas.
En 1964, el diseñador francés André Courrèges introdujo el “estilo

espacial” con jumpers, botas blancas, goggles y vestidos
cuadrados cuyas faldas llegaban tres pulgadas arriba de la rodilla.
Estos eran mayormente fluorescentes y de telas brillantes como
PVC y lentejuelas. Nuevos materiales de telas sintéticas se
empezaron a usar (como polyester y PVC) se hicieron más
populares.
Vestido mini en los ‘60s

NABA2020/21
Los estilos de cabello más importantes durante éste período eran

aquellos en los que los de hombre y mujer se parecían.
La moda era usar el cabello corto y muy pegado.
Los estilos de cabello para mujer iban desde los peinados en panal
en la primera etapa de la época hasta los estilos muy cortos
popularizados por Twiggy y Mia Farrow y sólo cinco años más
tarde el estilo muy largo y lacio de los hippies.
Twiggy
NABA2020/21
En los 60s la moda masculina no era tan revolucionaria como la

femenina aunque si hubo muchos cambios.
Las corbatas, los cinturones y las solapas se hicieron más

grandes, los cuellos más largos y anchos y una versión modificada
del pantalón acampanado llamado “flared” se hizo popular.
El traje conservador de los hombres se hizo más geométrico en su

diseño y el corte de la pierna más abierto y con solapas más anchas.
Las camisetas Sport eran la norma del look casual siendo la polo la
más popular. Muchas camisas eran hechas de un material llamado
Ban-Lon.
John Fitzgerald Kennedy

Imagen: history.com
NABA2020/21
Las corbatas y las camisas se hicieron más coloridas también. En

los últimos años se vio un crecimiento de detalles femeninos que
cambiaron la cara de la moda masculina para siempre.
Adicionalmente a usar el cabello más largo, los hombres adoptaron

colores brillantes y mpas vivos, colores pasteles, diseños
florales, estampados de círculos “polka dots”, pantalones de
terciopelo, cinturones anchos y más.
The Rolling Stones

NABA2020/21
El abrigo marinero era muy popular a mediados de los 60s.

Básicamente cualquier cosa que se viera Londinense estaba de
moda a mediados de los 60s. Los Beatles marcaban el camino,
tanto que su cabello se hacía más largo y sus pantalones más
estrechos.
Los hombres aún llevaban botas y sombrero. A finales de los 60s
se vino una nueva ola de estilos para hombres. En 1969 ver a un
hombre llevar mascada era común.
Pero no era una bufanda de lana como las que se usan hoy. Era una
mascada de seda que se veía como una corbata suelta. También
los hombres usaban pantalones más anchos de abajo como los de
las mujeres. Era bastante claro, en ese tiempo que la ropa de las
mujeres se hacía más masculina, y la de los hombres más
afeminada.
The Beatles
NABA2020/21
Las playeras Tie-dye se hicieron populares a finales de los 60s. En

el auge del movimiento hippie el tie-dye era una señal de rebelión.
Era increíblemente popular en los jóvenes particularmente en
aquellos que protestaban contra la guerra de Vietnam. Los
pantalones acampanados casi no necesitaban introducción alguna.
Este inusual estilo de pantalones marcaba un desvío de aquellos

de principios de la década más entallados. Los acampanados se
hacían increíblemente más anchos desde la rodilla y daban un estilo
de flotar por debajo del tobillo. Se fueron haciendo cada vez más y
más anchos en los últimos años, pero su popularidad inicial data del
período hippie de los 60s.
La moda de hombre en los años ‘60s

NABA2020/21
1960s: Moda mod VS roquera
Hasta antes de los 60s, los diseñadores de Londres y Paris

marcaban la tendencia en estilos. Sin embargo, durante y después
de los 60s eran los jóvenes y la gente común quienes dictaban la
moda. A finales de los 60s la moda se hizo más diversa.
Los jóvenes influenciaban el estilo y los diseñadores trataban de
seguile el paso a las tendencias que creaban. Unos de esos grupos
eran los mods y los roqueros.
Invasión de Mod y British

NABA2020/21
1960s: Moda Swinging Londres
Empezando en 1964, los Mods se dividieron en dos corrientes: los

Hard Mods (que evolucionaron luego al movimiento Skinhead) y
uno más ligero, que salió Carnaby street y Soho, en Londres. Este
fue el Swinging Londres.
Las mujeres se inspiraban de las modelos de la época como

Twiggy, Jean Shrimpton, Colleen Corby, Penelope Tree, y
Veruschka. Los vestidos mini de terciopelo, con cuellos de encaje
que combinaban con los puños, vestidos anchos de carpa y culottes
hicieron a un lado al estilo geométrico.
Las pestañas falsas estaban de moda al igual que el lápiz labial

pálido.
Swinging Londres
NABA2020/21
1960s: Moda hippies
Empezando en 1967, la cultura musical Mod empezaba a cambiar

hacia un estilo más hippie o Bohemio.
Algunos fabricantes de ropa como Mary Quant (quien fundó Pamela

Mann Legwear) combinado con el estilo “Flower Power” y la
escuela de diseño del Arte Pop crearon una moda que era atractiva
para las mujeres de esa época que disfrutaban de la psicodelia.
Hippies
Imagen: history.com
NABA2020/21
1960s: Greesers
Mientras que los roqueros eran lo opuesto a la sofisticación de los

Mods, para finales de los 60s los Greasers o Choppers eran la
alternativa a la iniciativa de “paz y amor” de los Hippies.
Con el lanzamiento de la película “Easy Rider” (En busca de mi

destino) en 1969 se hizo una división entre Greasers y Hippies.
Los Greasers usaban jeans engrasados y rasgados.
Easy Rider, 1969

NABA2020/21
1960s: Moda skinheads
Alrededor de 1966, se resarrolló una riña entre los mods leves, que
eran menos violentos y siempre llevaban ropas caras a la última
moda y los mods duros, quienes se identificaban por tener cabello
corto y una Imagen de clase trabajadora.
Estos se convirtieron en los skinheads (o cabezas rapadas) para

1968.
Skinheads o cabezas rapadas.

NABA2020/21
Hoja complementaria
En el Reino Unido, en 1979 las elecciones llevaron a la victoria al partido Conservador de Margaret Thatcher, la primera y hasta
la fecha única mujer a ser Primer Ministro. Los países industrializados a excepción del Japón, experimentaron una recesión
económica, debido a la crisis del petróleo causada por el embargo a la Organización de Exportación Petrolera de los Países
Arabes.
A pesar de la crisis petrolera por el embargo de la OPEC, la economía de Japón vio un gran auge en éste período,
sobrepasando la economía de la Alemania Occidental, se volvió la segunda de mayor potencia en el mundo. Los Estados
Unidos se retiró de su involucración militar en la Guerra de Vietnam la cual era ya muy inpopular.
La tensión política en Irán desató la Revolución Iraní en 1979 la cual destituyó a la dinastía Pahlavi y estableció la República
Islámica de Irán bajo el mandato Ayatola Khomeini.
La economía de la mayoría de los países en desarrollo continuó progresando de manera estable a principios de la década gracias
a la Revolución Verde.
NABA2020/21
A pesar de que el look hippe se había esparcido no todo el mundo

lo adoptó. Muchas mujeres aun vestían de manera más glamorosa,
otras adoptaron modas más casuales, o combinaban atuendos de
ropa vintage o de segunda mano.
A principios de los 70s las tendencias incluían blazers ajustados,

vestidos largos y cortos, mini faldas y maxi vestidos, pantalones
entallados con camisetas muy pegadas y pantalones acampanados
Los colores pastel eran muy comunes en éste estilo, mientras que
otros como óxido, mandarina, cobre, verde bosque y pistache se
hicieron muy populares.
Sesión fotográfica de moda en los años 1970s

NABA2020/21
Estilo de ropa de mujer en los años 1970s Estilo de ropa de mujer

NABA2020/21
Las botas estaban en el pico de popularidad. Las más populares

eran las A go-go boots, las botas arrugadas (que tenían un look
mojado y arrugado), las botas stretch y las “granny boots” o de
abuela (botas estilo 1920s que se amarraban justo debajo de las
rodillas).
Para 1974, la T-shirt o playera ya no se consideraba ropa interior,

sino que empezó a tener diseños más elaborados, slogans,
equipo deportivos, y otros estilos.
Mujere en los años 1970s

NABA2020/21
La ropa de corte limpio, y el estilo Americano activo para mujeres,

se hizo muy popular desde 1975.
El más grande fenómeno de ésta tendencia fue el “jumpsuit” o

jumper. Otras prendas deportivas eran los pants, las tunicas, los
crop tops, tube tops, sudaderas, hip-huggers, pantalones a la
cadera. Dos accesorios muy populares eran los tennis y las bandas
para la cabeza.
Empezando en 1975 la moda semi-formal femenina se hizo más
entallada y aguda. Esto incluía vestirse por capas.
Estilo de ropa Semi-formal para mujer

NABA2020/21
Mujeres jóvenes en los años 1970s

NABA2020/21
En 1977, la moda se hizo más ancha y se puso de moda mostrar

más piel. Esto dio lugar a camisas desabrochadas, mangas
enrolladas y tops sin tirantes, transparentes y encajes.
También se utilizaron colores satinados y dorados para compensar

la falta de ropa más ajustada. Estilos se convirtió más curvilíneos
en 1978, con hombreras, faldas más ajustadas y cintura más
estrecha. La silueta que resultó fue un triángulo invertido.
Estilo de moda en los años 1970s

NABA2020/21
Los accesorios incluían bufandas o mascadas, joyería de oro,

flores, botines, sombreros de ala ancha y delgada, cinturones
delgados y anchos, boas, guantes con brazalete, sandalias con
puntas, mulas, zapatos con tirantes en el tobillo, corcets de cintura y
envolturas de obi.
El color se había desvanecido casi completamente de moda a

finales de los años 70, con tonos terrosos.
Accesorios para mujer en los años 1970s

NABA2020/21
Vestido inspirado en folk en los años 1970 Estilo disco

Imagen: vintagedancer.com Imagen: glamourdaze.com
NABA2020/21
A lo largo de gran parte de la década, las mujeres y las adolescentes

llevaban el pelo largo, con un partido en medio o de lado, que era
un estilo que se venía desde finales de los años sesenta.
Otros cortes de pelo incluyeron el corte "gitano" ondulado, el corte

en capas, y el estilo "chasqueado", popularmente referido como “en
alas", el cual era un peinado hacia arriba en el que el pelo
resemblaba pequeñas alas. Este look fue popularizado por las
estrellas de la serie de televisión Charlie's Angels.
En 1977, la cantante punk Debbie Harry de Blondie desencadenó

una nueva tendencia con su cabello rubio platinado largo a los
hombros, con fleco.
Farrah Fawcett
NABA2020/21
El principio de los 1970s fue una continuación de la moda hippie de

finales de 1960. Para los hombres, esto significaba especialmente
pantalones vaqueros de campana, camisas de tie-dye y ropa
militar.
Otras prendas de vestir para hombres incluyen chaquetas

deportivas de tweed, chinos caqui, suéteres anchos, abrigos de
marinero, camisas de franela, pantalones plisados, chaquetas de
béisbol, pantalones de pana, suéteres jersey y suéter chalecos,
borlas, cardigans y hip-huggers o pantalones a la cadera.
Catálogo de moda del año 1972

NABA2020/21
Camisas de hombre durante los años 1970s Sweaters de hombre durante los años 1970s
Imagen: fashion-era.com n Imagen: glamourdaze.com
NABA2020/21
Para 1973, la moda glam rock andrógina se había convertido en la

corriente principal para los jóvenes británicos de ambos sexos.
Estas incluían camisas bordadas occidentales, abrigos de

terciopelo, tartán de Royal Stewart, chaquetas de smoking de
cuello rizado rojo o azul, camisas con volantes, chaquetas nehru de
cuello alto, telas sintéticas como raso, lazos anchos de kipper,
chaquetas de cuero negro o morado, suéteres de cuello de chal,
camisas de satén con cuellos de gran tamaño, pantalones rectos
usados por Mud, y zapatos de plataforma del tipo favorecido por
Slade, Kiss, Alvin Stardust, David Bowie y The Sweet.
David Bowie
NABA2020/21
Abrigos de hombre durante los años 1970s Abrigos de hombre durante los años 1970s
Imagen: fashion-era.com Imagen: glamourdaze.com
NABA2020/21
Otras tendencias incluyen camisetas impresas, cardigans con

cremallera, Birkenstocks, anillos de humor o “mood rings” e
impermeables.
En 1976, se puso de moda para los hombres a usar chaquetas de

smoking de terciopelo con pantalones más casuales para eventos
formales, y los chalecos volvieron a la moda. Fue este año que los
pantalones de los hombres comenzaron a presentar pantalones
menos acampanados o completamente rectos.
Anuncios publicitarios de hombre durante los años’70s

NABA2020/21

A finales de la década de 1970, la mayoría de los hombres y

mujeres vestían ropa deportiva como prendas de vestir
cotidianas.
Los hombres comenzaron a usar trajes elegantes de tres piezas

que se caracterizaban por anchas solapas, pantalones de pierna
ancha y talle largo.
Las corbatas de moño se hicieron más anchas y más audaces, y

los cuellos se hicieron largos y puntiagudos.
Trajes de moda durante los años ’70s

NABA2020/21
1970s: Moda punk
La primera escena punk rock en concretarse apareció a mediados

de los años 70 en Nueva York. Bandas como The
Ramones,Wayne County, Johnny Thunders y The Heartbreakers,
Blondie y los Talking Heads eran regulares en los clubes del
Distrito Bowery, sobre todo en el legendario club CBGB.
Las bandas fueron unificadas por su ubicación, camaradería e

influencias musicales compartidas. Todos desarrollarían sus propios
estilos y muchos se alejarían del punk rock.
Punks en Londres en 1979

Imagen: history.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
1980s: Contexto histórico
En la década se produjo un gran cambio socioeconómico debido a los avances tecnológicos y al inicio de la globalización. A
medida que aumentaba la liberalización económica en los países desarrollados, varias corporaciones multinacionales
asociadas con la industria manufacturera se trasladaron a Tailandia, México, Corea del Sur, Taiwán y China. Japón y Alemania
Occidental vieron un gran crecimiento económico durante esta década.
Los países en desarrollo de todo el mundo se enfrentaron a dificultades económicas y sociales, ya que sufrieron múltiples
crisis económicas en los años ochentas, lo que obligó a muchos de estos países a solicitar asistencia financiera del
Fondo Monetario Internacional (FMI) y el Banco Mundial.
Había mucho descontento y violencia en el Medio Oriente, incluída la guerra de Irán-Iraq, la soviética – Afgana, la guerra de
1982 en el Líbano, la guerra de Nagorno-Karabaj, el bombardeo de Libia en 1986 y la primera Intifada en la Franja de Gaza Y
la Ribera Occidental. El islamismo se convirtió en una poderosa fuerza política en los años ochenta y muchas organizaciones
terroristas, incluyendo Al Qaeda, comenzaron.
El Internet global tomó forma en la academia por la segunda mitad de los años 80 así como muchas otras redes informáticas del
uso académico y comercial. Para 1989, Internet y las redes vinculadas a él eran un sistema global con extensos enlaces y
nodos de satélites transoceánicos en la mayoría de los países ricos.
NABA2020/21
La historia de la moda de los años 80 es memorable y bastante

distintiva. Una variedad de looks de moda se desarrollaron
paralelamente en los años ochenta.
Las mujeres de esta época comenzaron a sentir que realmente

podría finalmente elegir entre una de las muchos estilos
contrastantes disponibles. El look de moda que era más
predominante en la década era el de hombro ancho. La historia de
la moda revela el look de moda de los ochentas era más ajustado.
Era difícil ir a cualquier parte sin al menos una chaqueta, pero

preferiblemente un traje completo.
Mujer con una falda de mezclilla y una playera t-shirt extra

grande.
NABA2020/21
La historia de los años 80 demuestra que mientras que la moda de

la identidad femenina tomó lugar en el lugar de trabajo así crecía
el ancho de los hombros. Se utilizaron hombreras cada vez más
grandes para apoyar el corte más ancho de las mangas.
Para suavizar el efecto masculino las mangas de chaquetas y

blusas se llevaban empujadas hacia arriba o enrolladas para revelar
revestimientos de chaqueta de contraste salinizados atractivos que
en sí mismo era una forma de accesorio.
Modelo de Giorgio Armani

NABA2020/21
Estilos de los años1980s Adolescentes de los años ‘80s usando pantalones de

Imagen: vintagedancer.com mezclilla y Superga
NABA2020/21
El calzado de mujer de mediados de los años 80s incluyeron

sandalias de straps, sandalias de tacón bajo, tacones y Keds.
En la década de los ochentas, la emergente estrella pop Madonna
demostró ser muy influyente para la modas femenina. Ella surgió
por primera vez en la escena de la música dance con su look de
“callejero" que consiste en faldas cortas sobre leggings, collares,
brazaletes de goma, guantes de rejillas, moños en el cabello, capas
de cuentas, cabello teñido con raíces oscuras, ballerinas, and cintas
de encaje.
En su fase de “Like a Virgin” y en el vídeo, millones de jóvencitas de

todo el mundo emularon su ejemplo de moda que incluía sostenes
usados como prendas de vestir, joyería de crucifijos enormes,
guantes de encaje, faldas de tul y cinturones de boytoy.
Madonna en 1984
Imagen : glamourdaze.com
NABA2020/21
La manía fitness de los años 70 continuó a principios de los años

80s. La ropa de calle de las mujeres usado en los años 80
tempranos incluyó las sudaderas rasgadas, los leotardos, las
medias, los sweatpants o pants deportivos, y los tracksuits
(especialmente los hechos en terciopelo).
Los accesorios atléticos eran una tendencia masiva en los años 80

tempranos, y su renombre fue impulsado en gran parte por la locura
de los aeróbicos. Esto incluye calentadores de pierna, cinturones
anchos, cintas elásticas y zapatos deportivos conocidos como
'zapatillas' o “tennis sneakers” en los Estados Unidos o
'entrenadores‘ o “trainers” en el Reino Unido.
Ropa deportiva
NABA2020/21
Estilo de moda de mujer en los años ’80 Estilo de moda de mujer en los años ’80
NABA2020/21
La joyería revivió y los aretes enormes de oro, perlas o pedrería

volvieron y se hicieron más grandes conforme progresaba la época
ya que eran el toque final.
Diamante jewelry and pearls were worn day and evening without
embarrassment. Gilt buttons the size of earrings were also used on
suits and charm bracelets with chunky gold charms were revived
from the sixties.
La joyería en diamantes se usaba de día y noche sin vergüenza.

Los botones dorados del tamaño de los pendientes también se
usaron en los trajes y las pulseras dijes con dijes gruesos del oro
fueron restablecidas de los años 60.
Joyería en 1980s
Imagen: vogue.com
NABA2020/21
En la década de 1980, las medias con dibujos regresaron, ahora

eran de puntitos o con textura delicada de encaje, rayadas o
adornadas con con flores, bordados o diamante en el tobillo.
A mediados de la década de los ochenta, las medias de color,
transparente, opaco o sólido con zapatos combinados se podía ver
en todas partes.
Zapatos y medias para mujer en los años 1980s

NABA2020/21
Los peinados en la década de 1980s incluían el Mullet, el Mohawk,

flattops, y hi-tops. (especialmente para los hombres de color), y se
volvieron estilos populares. Entre las mujeres, cabellos grandes,
estilos hinchados, rizados permanentes y cortes más suaves
tipificaron la década.
El pelo grande que era a menudo hecho en permanente, para

alcanzar el volumen deseado se asocia especialmente con las
mujeres de mediados de los años 80s, aunque también con los
rockstars o estrellas de rock masculinas de esa era, especialmente
del género del metal glam. Los programas de televisión tales
como dinastía ayudaron a popularizar la Imagen del bouffant de alto
volumen y de la glamorosa Imagen que se le asociaba.
Estilo clásido de cablle en los años 1980s

NABA2020/21
La ropa de hombre en la década de los ochentas era ajustada y

cómoda. Las telas suaves estaban por todas partes y, mientras que
la ropa todavía era apretada comparada a hoy, apretada a la piel
como los años setenta.
Activewear o la ropa activa fue una opción popular para hombres y

niños por igual. Los sweatpants y los sweatshirts que combinaban
volaron de los estantes para la década entera. Especialmente ropa
deportiva que apoyaba a los equipos deportivos profesionales.
Looks de moda en los años1980s

NABA2020/21
Moda en los años 1980s

NABA2020/21
Los chicos adolescentes usaban montones y montones de

mezclilla. Las chaquetas de mezclilla combinaban con pantalones
de mezclilla. También los pantalones de pana eran populares.
Los zapatos atléticos se estaban convirtiendo en un símbolo de la

moda, culminando con la popularidad de los zapatos Nike Air
Jordan a finales de los años 80s. Un buen par de Jordans se
llevaban bien con una chaqueta deportiva.
Moda casual en los años 1980s

NABA2020/21
A principios de los años 80, los hombres adoraban vestir camisas

de terciopelo de manga larga. Wrangler y Levi's eran los jeans
preferidos. Los cuellos de tortuga eran increíblemente populares a
lo largo de la década, especialmente cuando se usan bajo un suéter
de color brillante que daban picazón.
Los trajes eran relativamente conservadores, aparentemente la

única ropa en los años ochenta que no se ahogaba en colores
brillantes.
Estilos de modas en los años 1980s

NABA2020/21

NABA2020/21
A principios de los 80s, los hombres llevaban un grueso bigote, pero

al final de la década se habían vuelto mucho menos populares.
El pelo en pecho y los medallones de no se usaron más allá de
1984, excepto por tu tío espeluznante.
Estilo de cabello para hombre duante los años

1980s Imagen: glamourdaze.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
1990s: Contexto histórico
Culturalmente, la década de 1990s se caracterizó por el surgimiento del multiculturalismo y los medios alternativos, que
continuaron en los años 2000.
Movimientos como el grunge, la escena rave y el hip hop se extendieron por todo el mundo, ayudados por la nueva tecnología
como la televisión por cable y la World Wide Web.
La burbuja de puntocom de 1997-2000 trajo riqueza a algunos empresarios antes de su colapso entre 2000 y 2001.
La década de 1990s vio avances extremos en tecnología, con la World Wide Web, la primera terapia genética y los primeros
bebés de diseño surgiendo en 1990 y que mejorarían a lo largo de la década.
Nuevos conflictos étnicos surgieron en África, los Balcanes y el Cáucaso, los dos primeros que llevaron a los genocidios en
Ruanda y Bosnia, respectivamente.
NABA2020/21
A principios de los años 90s se vió una continuación de la moda

de finales de los ochenta, incluyendo diseños audaces,
geométricos, ropa en azul eléctrico, naranja, rosa fluorescente,
púrpura, turquesa y verde ácido.
Muchas mujeres llevaban camisas de botones de mezclilla,

jeans de colores en verde oscuro y claro, rojos y púrpuras,
leggins de spandex metálicos, blusas de cuello halter, o crop
tops, jeans rectos, medias de colores, chaquetas de cuero negro
con hombreras, vestidos baby doll con licra o capris debajo y
vestidos de patinar.

NABA2020/21


NABA2020/21
Un look muy popular entre las mujeres y las muchachas jóvenes

a partir de 1994-95 era el de “colegiala sexy” “. Esta tendencia
consistía en usar faldas de tablones a cuadros, suéteres
estrechos, vestidos cortos, blusas baby doll, faldas la rodilla, o al
muslo, mochilas miniatura, overoles, medias, y zapatos gruesos.
Moda de ¨colegiala sexy¨ durante los años 1990s

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Los zapatos y accesorios populares a mediados de los 90s en

Europa y Norteamérica incluían los mocasines, los zapatos de
colegiala o Mary Jane, los tenis de gamuza, los suecos, las botas
a la rodilla, las botas A go-go, los zapatos de oficinista, los tennis
casuales como los Keds, la joyería de plata, los pendientes y
collares delicados, collares de la concha, boinas, sombreros de
paja, sombreros anchos, joyería del oro, y cinturones a la cadera.
Los piercings del ombligo ganaron popularidad en ese tiempo.
1990s Moda en «Friends»

NABA2020/21
Una niña de los años 90 con un suéter recortado Un joven LivGwen Stefani con un “cropped top”
tipo “cropped” Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Las tendencias de la moda populares de 1996 a 1999 incluían

atuendos glamorosos, minifaldas de cintura alta, los chokers de
plástico, los calcetines de la rodilla asociados con el look de
colegiala, los pantalones apretados, los vestidos pegados, los
suéteres de cuello de tortuga. Pantalones capri conservadores y a
la cintura y cardigans.
De 1998 a 2000, el look unisex chic ganó populaidad, con jeans

deslavados, blusas de tirante de espaghetti, los tracksuits, los
pants, y la otra ropa atlética.
La popularidad de la mezclilla alcanzó su máximo en Europa

Denim estaba en un máximo histórico en Europa, con chamarras
de mezclilla y jeans a juego cuyos precios se dispararon como
cohetes.
Naomi Campbell y Kate Moss

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Las Spice Girls

NABA2020/21
El cabello de las mujeres a principios de los años noventa

continuó en el estilo grande y rizado de los años ochenta. El
corte de pixie y el corte de Rachel, basado en los peinados de
Jennifer Aniston en Friends eran populares en América desde
1995 en adelante.
Alrededor del mismo tiempo el pelo rojo también se convirtió en

un color favorito de las mujeres, así como flequillo emplumado, y
mini chongos. Las colas de lado con donas eran populares
también. A partir de 1995, las mujeres de cabello oscuro
empezaron a teñirse el cabello de un color más claro con reflejos
rubios.
Cindy Crawford durante los años 1990s

Imagen: vogue.com
NABA2020/21

Estilo de cabello durante los años 1990s Estilo de cabello durante los años 1990s
Imagen: vintagedancer.com Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Continuando con el final de los 80s, muchos jóvenes en el Reino

Unido y Europa usaban pantalones de mezclilla de cintura alta,
con chaquetas de mezclilla, camisas polo Stone Island o Ralph
Lauren con cuellos contrastantes, chaquetas Harrington cortas,
rompevientos de colores brillantes, zapatos Hush Puppies,
suéteres de cuello en V, shorts cortos de fútbol, chaquetas
deportivas de tres botones en colores pastel, ropa deportiva con
una franja de contraste vertical en la manga, pants deportivos,
chaquetas de mono de rayón rojo o azul brillante, chaquetas de
cuero gris o moreno con hombreras y lana Chaquetas de béisbol
con mangas contrastantes.
Catálogo de moda para hombre durante los años 1990

NABA2020/21
Los años 70s sirvieron de inspiración en la ropa de los hombres en

1996. Entre estos estilos estaban los abrigos con recortes de piel
sintética, las chaquetas con los hombros anchos y las solapas
anchas, y los pantalones de corte en bota.
La ropa casual, como pantalones, suéteres y chaquetas de

mezclilla se usaban con camisas hechas de satén, PVC y franela.
Tanto los colores pastel y estampados llamativos fueron
populares y remplazaron con éxito el negro
Moda para hombre durante los años ’90s

NABA2020/21
La ropa casual “preppy” o de look escolar o de uniforme era

popular en los Estados Unidos, donde los jóvenes ricos llevaban
pantalones de color caqui, zapatos marineros de lona y blazers
azul marino con monograma de bolsillo o botones de oro con una
cresta de la familia. En general, la década de 1990s el look
“preppy” era más casual el look de dandy de los años 80s los
jóvenes dejaron las mascadas y los zapatos Oxford y prefirieron
los pantalones de rojo Nantucket, camisetas náuticas-rayadas,
mocasines o top siders, o camisas de manga corta estilo
gingham.
En Europa y América del Norte, la moda hip-hop se popularizó en

1995, con cazadoras, o “bomber jackets!, las sudaderas con
capucha, o chaqueta “baja”, jeans holgados y trajes de atletismo
se hicieron populares entre los jóvenes como ropa casual.
Moda Hip-hop
NABA2020/21
Catálogo de moda casual durante los años 1990s Catálogo de moda casual durante los años 1990s
NABA2020/21
A finales de la década de 1990s, el surgimiento de la subcultura

rave había provocado un renacimiento de interés en ropa más
estilizada, con diseñadores de marca como Calvin Klein y Ralph
Lauren haciendo una reaparición. En Europa, los jeans eran más
populares que nunca.
El color comenzó a regresar en 1997, con colores como ciruela,

carbón, oliva y vino haciendo su entrada.
Moda de hombres en «Beverly Hills, 90210»

NABA2020/21
Los años 90s generalmente vieron la continua popularidad del

pelo largo en los hombres. A principios de los 90, el corte de
hongo con partido en medio y las colas de caballo pequeñas
eran populares entre los yuppies.
A mediados de los noventa, los más jóvenes que eran más

susceptibles habían adoptado el corte de César, ya fuera natural o
teñido. Este estilo fue popularizado por George Clooney en el
exitoso programa de televisión ER en la segunda temporada, que
se estrenó a mediados de 1995. Más jóvenes rebeldes fueron por
el pelo más largo, desaliñado "grunge", a menudo con partido en
el medio.
Estilo de cabello de Leonardo DiCaprio en los años

1990s
NABA2020/21
1990s: Moda grunge
A mediados de 1992, la moda grunge entró en la corriente

principal para ambos sexos. La moda de grunge consistía en
camisas de franela, jeans rasgados, jeans de mamá, Doc
Martens, botas de combate, camisetas de bandas de rock,
suéteres de punto de gran tamaño, faldas largas y holgadas,
medias rasgadas, Birkenstocks, botas de montaña y ropa
ecológica hecha de textiles reciclados o algodón orgánico de
comercio justo.
En 1994, la moda grunge disminuyó rápidamente a medida que la

moda se volvía más femenina y entallada. Las mujeres llevaban
trajes de falda y pantalón a medida, faldas y vestidos cortos,
vestidos baby doll, estampados de animales, pantalones
entubados, colores brillantes, faldas largas y cortas y tacones
altos.
Kurt Cobain style

Imagen : vintagedancer.com
NABA2020/21
Esilo de moda Grunge Estilo de moda Grunge

Imagen: fashion-era.com Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Valentino Garavani
Valentino, su nombre completo Valentino Clemente Ludovico Garavani (nacido el 11 de mayo de 1932 en Voghera, Italia),
es un diseñador de moda italiano conocido por sus prendas de vestir con su marca “Rojo Valentino" (“Rosso Valentino") y
su estilo descrito como jet-set chic.
De niño, Valentino estaba interesado tanto en la moda como en el arte. En 1949 dejó su casa en Voghera, una pequeña ciudad
entre Turín y Milán, para estudiar dibujo y moda en el Instituto Santa María de Milán.
También se inscribió en un curso de francés Berlitz, que resultó útil cuando en 1949 se trasladó a París para asistir a la École des
Beaux-Arts y estudiar moda en una escuela dirigida por la Chambre Syndicale, el gobernante de la moda francesa.
En ese tiempo, la escena de la moda de París era un ambiente hostil para los extranjeros, especialmente los italianos. Pero
Valentino ganó un en diseño de moda organizado por la Secretaría Internacional de Lana (el mismo premio ganado por Yves
Saint Laurent y Karl Lagerfeld en años posteriores), y su premio condujo a un trabajo en la casa francesa de alta costura de Jean
Dessès.
En 1957 Guy Laroche, ilustrador de Dessès, decidió crear su propia casa de moda, y Valentino trabajó con él durante dos años.
NABA2020/21
Rojo, el color de amor y pasión, ha sido siempre sinónimo de Valentino.

Imagen: valentinogaravanimuseum.com
NABA2020/21
Valentino debutó su primera línea de moda de alta costura en

1962 en el Palacio Pitti en Florencia y comenzó a establecerse
una reputación internacional.
Personalidades muy conocidas pronto lo buscaron por sus

diseños, incluyendo la reina belga Paola, la princesa Margarita
de Inglaterra, Audrey Hepburn y Jacqueline Kennedy.
Valentino diseñó muchos vestidos para Kennedy, incluyendo el

vestido que llevaba al funeral de su marido en 1963 y luego, en
1968, un vestido para su boda con Aristóteles Onassis.
Valentino Garavani
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Valentino y sus colaboradores en Roma

Imagen: valentinogaravanimuseum.com
NABA2020/21
En 1969 abrió su primera tienda de prêt-à-porter en Milán. Abrió

tiendas en Nueva York y Roma al año siguiente.
El diseñador pasó a disfrutar de una carrera extremadamente

exitosa e ilustre, sirviendo a la alta sociedad y al mundo del
entretenimiento.
Él y Giametti vendieron la compañía en 1998, aunque Valentino

seguía siendo el diseñador.
En 2006 recibió la medalla de la Legión de Honor francesa, y se

retiró en 2008.
Un año más tarde fue el tema de un documental titulado
Valentino: El Ultimo Emperador.
Valentino Garavani en Londres, 1968

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Valentino durante su última presentación de moda en París, 2008

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Valentino con Gwyneth Paltrow Valentino con N. Vodianova y E. Herzigova

Imagen: vogue.com Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Una importante exposición retrospectiva presentó la glamorosa

vida y obra de Valentino Garavani.
Celebró sus 45 años de carrera, y presentó dibujos, vestidos,

fotografías, recuerdos y material de archivo raro.
Maniquíes vestidos de escarlata extendían sus brazos dorados

hacia el Ara Pacis, o altar de paz, en una dramática puesta en
escena.
Fresco y enérgico se vió a la luz del sol a través de la caja de cristal

modernista del museo controvertido del arquitecto Richard Meier.
Colección S/S de Alta Moda

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Creaciones de Valentino en Ara Pacis Vestido creado en 1993 con la palabra ¨paz¨ en todos los idiomas.
Imagen: valentinogaravanimuseum.com Imagen: valentinogaravanimuseum.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Elio Fiorucci
Elio Fiorucci ha sido, durante décadas, una referencia para aquellos que consideran la moda como un sinónimo de
libertad, color, diversión y amor.
Fiorucci podría descubrir y entender las tendencias antes de que hubiera un negocio alrededor de esa práctica; Una mente
creativa capaz de transformar su pasión por la belleza en una empresa global.
Siempre buscaba la inspiración en las calles en cada forma, desde el arte hasta la moda, la comida, el diseño y todo lo que
tiene que ver con la independencia total del pensamiento.
A principios de los años 60s Fiorucci a menudo viajaba de Italia a Londres a echar un vistazo a los acontecimientos en Carnaby
Street, King's Road y Portobello. Así, decidió instalarse en Milán (su ciudad natal) con una tienda que se asemejara a lo que
veía en Londres.
El 31 de mayo de 1967 se inauguró la histórica tienda de Galleria Passarella, en el corazón de Milán.
Allí, vendió zapatos hechos por el negocio familiar y ropa y accesorios de Inglaterra, Francia, Estados Unidos, América del
Sur y Asia.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
En 1977, la dirección artística de la casa iba a ser administrada por

un grupo llamado Ufficio Dxing.
Mientras Fiorucci estaba supervisando, dio mucha libertad al equipo.

La estructura no era jerárquica y se basaba en lo que llamaban
“turismo visual”.
La investigación era constante, y los miembros de este grupo

creativo viajaban constantemente en viajes de compra - buscando
productos nuevos, interesantes y artefactos de cada campo
posible.
Algunos fueron recogidos simplemente, otros se convirtieron en

parte de la colección en venta en las tiendas de Fiorucci.
Elio Fiorucci
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Elio Fiorucci posando con sus zapatos en Milán, 1972

Imagen: fiorucci.com
NABA2020/21
El trabajo de Fiorucci durante los años 60 fue intrínseco a algunos

cambios significativos en la industria de la moda.
Había varios factores en juego que fueron alterados para siempre:

la comodidad (sus jeans fueron de los primeros en Italia a
desarrollarse con materiales elásticos), la juventud (en sus
tiendas los jóvenes se entretenían con revistas y música fuerte), la
desnudez (sus carteles se convirtieron en iconos publicitarios con
las muchachas casi desnudas).
Diseños de moda de Fiorucci’s en 1976

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Anuncios publicitarios de Fiorucci Anuncios publicitarios de Fiorucci

Imagen: Vogue Italia Imagen: Vogue Italia
NABA2020/21
Logo icónico de Fiorucci’s

Imagen: Vogue Italia
NABA2020/21
En los años venideros, Fiorucci inició colaboraciones legendarias

con artistas como Madonna, Keith Haring, Andy Warhol, Grace
Jones y muchos otros.
Ya sea que fieran artistas emergentes o superestrellas, Fiorucci

sólo quería que tuvieran algo que decir sobre el futuro de la moda
y la creatividad.
A pesar de su carrera estelar, Fiorucci permaneció increíblemente

humilde; Era increíblemente fácil hablar con él, y fue visto a
menudo en el metro en Milán. Su pasión por el descubrimiento y
la innovación, su ojo por el estilo y la autenticidad, y su deseo de
sorprenderse han tallado una posición histórica e importante en
la historia de la moda.
Fiorucci en su tienda en Galleria Passarella en 1970

Imagen: fiorucci.com
NABA2020/21
Anuncio publicitario de Fiorucci

NABA2020/21
Hoja complementaria
Iconos: Anna Piaggi
Anna Piaggi, nacida el 23 de marzo de 1931 en Milán, Italia - murió el 7 de agosto de 2012, Milán), periodista de moda
italiana que fue a la vez musa e ícono de la moda al inspirar a destacados diseñadores y al mundo de la moda en general,
con su opinión y sus coloridos conjuntos creativos, su distintivo maquillaje exagerado, y sus siempre presentes
sombreros (típicamente creados por el modista Stephen Jones).
Aunque Piaggi pasó gran parte de su carrera como escritora freelance de moda, trabajó para la revista femenina Arianna en los
años 60s, sirvió como editora en jefe (1981-83) de la revista de estilo Vanity y en 1988 fue contratada como consultora creativa
para Vogue Italia, donde se hizo conocida por su collage de moda "Doppie Pagine" ("páginas dobles").
Posteriormente publicó una colección de esas obras, Álgebra de Moda de Anna Piaggi (1998).
NABA2020/21
Iconos: Anna Piaggi
Linda Evangelista, Naomi Campbell, Anna Piaggi y Anna Piaggi por Riccardo Slavik, 2010
Christy Turlington, 2000 Imagen: vogue.it
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Iconos: Anna Piaggi
Piaggi fue introducida al mundo de la moda por su esposo, el

fotógrafo Alfa Castaldi, a quien conoció en la década de 1950s
durante una temporada como intérprete de una agencia de prensa.
Se hicieron buenos amigos con el historiador de la moda británico

Vern Lambert, que despertó su interés en la ropa vintage, y con
el diseñador Karl Lagerfeld, que dibujó muchos de los trajes de
Piaggi y más tarde publicó un libro de ellos.
Una colección de su vasto guardarropa, gran parte de vintage

couture, fue exhibido en 2006 en el Victoria and Albert Museum,
Londres.
Piaggi era un regular en la Lista Internacional de Mejores

Vestidas y en 2007 fue nombrada al Salón de la Fama.
Anna Piaggi
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Iconos: Anna Piaggi
Anna Piaggi y Vivienne Westwood, 2006

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Iconos: Anna Piaggi
265 pares de zapatos, 932 sombreros, casi 300 vestidos y 31

bufandas largas y de plumas- esto es lo que podría encontrar en
el guardarropa de Anna Piaggi, una vasta colección de piezas
vintage de alta costura y diseños de sus marcas más queridas;
Un caleidoscopio siempre cambiante de colores y texturas
emparejado con sus cerraduras azul cobalto y sus labios rojo
brillante.
Desde el comienzo de su carrera en los años 70, la icónica

periodista de moda italiana ha sido elogiada por su estilo
inconfundible y su pionero doble página en Vogue Italia, que han
sido fundamentales en la creación de la lengua de moda
contemporánea.
Anna Piaggi y Karl Lagerfed, 1978

NABA2020/21
Iconos: Anna Piaggi
Doble página de Anna Piaggi en Vogue

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Iconos: Anna Piaggi
Detrás de su maquillaje dramático y su brillante escritura, sin

embargo, hay una figura compleja que nunca se acostumbró a las
normas y tendencias del mundo de la moda; Anna mujer que, a
pesar de vivir en la Italia católica, y mojigata de la posguerra, logró
beneficiarse de su natural sensibilidad artística, celebrando su
independencia y su identidad como escritora.
Es precisamente su identidad femenina multifacética que llamó la

atención de la directora Alina Marazzi, que pretende retratar a la
editora de moda en su último documental, Anna Piaggi, una
visionaria de la moda, proyectada en el Fashion Film Festival de
Milán.
Anna Piaggi porJean-Luce Huré, 1979

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Iconos: Anna Piaggi
Colección de sombreros de Anna Piaggi

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
TU2 Ejercicio de Lanzamiento 2: Estilo Histórico 2
Para la siguiente lección, los estudiantes tienen que vestirse en el estilo de una década explicada en esta unidad, para demostrar que han
• Los estudiantes pueden usar un tipo de vestido, sombrero, zapatos o accesorios inspirados en los estilos mostrados en TU2 y
referidos al período 1950-1999.
• Los estudiantes también pueden crear un maquillaje o peinado inspirándose en los que estaban de moda en el período 1950-1999.
Por ejemplo, para los años 1960 los estudiantes pueden usar falda mini, vestidos simples de la línea recta, faldas largas, cuellos importantes,
estilo simple adolescente, calcetines a la rodilla, estampados y juegos de colores contrastantes.
Para los años 1970 los estudiantes pueden usar vestidos largos, estampados, ideas étnicas, gafas grandes, pendientes, bufandas, prendas
de punto, abrigos.
TU3
• EJERCICIO DE RESUMEN 2: ESTILO HISTÓRICO 2
• CONTEXTO HISTÓRICO Y DE MODA: 2000 – Presente
• EJERCICIO DE LANZAMIENTO 3: ESTILO HISTÓRICO 3
NABA2020/21
TU3 PRESENTACIÓN Ejercicio 2: Estilo Histórico 2
El profesor tiene que evaluar la consistencia del look, accesorios, maquillaje y peinados al contexto histórico que el estudiante ha
elegido.
Durante la lección puedes tomar fotos con más gente vestida al estilo de esa década.
NABA2020/21
TU3 Contexto histórico y de la moda: 2000 - actualidad

• Contexto histórico Chanel
• Moda SHOWStudio
• Iconos: Franca Sozzani The Sartorialist
Facehunter
• Iconos: Fausto Puglisi
Burberry
• Iconos: Antonio Marras Martin Margiela
• Iconos: Riccardo Tisci ASOS
Vogue italia
Kenzo
Givenchy
NABA2020/21
Contexto histórico y de la moda: 2000 - actualidad
Hoja de trabajo complementaria

Contexto histórico
Durante la década de 1990s, nuevas tendencias en negocios y entretenimiento habían surgido para alimentar la prosperidad sin precedentes
de Estados Unidos. La primera década de los años 2000 vería el desarrollo continuo de estas tendencias hasta el de ejercer una gran
influencia, algunos casos negativa, en la vida de las personas.
Aunque el final de la Guerra Fría (1945-91) había dejado a los Estados Unidos como la única superpotencia del mundo, la década también
vería una nueva amenaza – el terrorismo extranjero - emerger en lugar del comunismo.
Así resultó ser, cuando las preocupaciones sobre un cambio importante en el clima político global no estaban muy lejos de la marca. El 11 de
septiembre de 2001, un grupo de diecinueve extremistas religiosos, actuando sobre planes planificados por el líder terrorista de Al Qaeda
Osama Bin Laden (1957-2011), secuestraron cuatro aviones de pasajeros domésticos y los volaron al World Trade Center, al Pentágono y
Un campo de Pennsylvania.
Los acontecimientos del 11 de septiembre, un día oscuro, marcaron profundamente a Estados Unidos ya sus aliados. A pocos días de los
ataques, el presidente George W. Bush había anunciado una nueva Guerra contra el Terror, un esfuerzo internacional para acabar con el
terrorismo.
NABA2020/21
La llegada de sitios de blogs y micro-blogs como Twitter dió a la gente la posibilidad de publicar rápida y fácilmente sus
pensamientos en Internet con poco o ningún conocimiento de programación o codificación requerido. Al igual que con las industrias
de la música y el libro, el mundo del periodismo fue sacudido por esta nueva tecnología. Repentinamente, los bloggers
aficionados estaban reemplazando a reporteros veteranos y ayudando a conducir el ciclo de noticias.
Estos nuevos cambios tecnológicos pueden haber hecho la vida más fácil para el consumidor, pero anunciaron momentos difíciles
para los negocios que encontraron sus modelos repentinamente anticuados. Los periódicos, las tiendas de libros y de música, e
incluso los principales editores y sellos discográficos podían ver que necesitaban adaptarse rápidamente a las nuevas formas o
perecer.
Al dar a todos una voz, irónicamente se hizo más difícil de notar entre los otros escritores, artistas, músicos y bloggers. El
surgimiento de sitios de redes sociales como Facebook, que fue fundada en 2004, proporcionó lugares de encuentro en línea
para que las personas interactuaran y compartieran partes de sus vidas personales.
NABA2020/21
Las cosas no mejoraron cuando el mundo entró en su peor crisis económica desde la Gran Depresión al final de la década. Las
costosas guerras en Irak y Afganistán, la especulación no regulada en el mercado de bienes y raíces, y una variedad de otros
factores combinados para sumergir a Estados Unidos en la crisis económica en 2008.
Aunque Europa avanzaba hacia una economía más fuerte, especialmente con la introducción de una moneda continental
denominada Euro, la crisis afectó especialmente a algunos países como Grecia e Islandia. Como si todas las preocupaciones
económicas no fueran suficientes, los últimos años de la primera década de los años 2000 también acogieron un intenso debate
sobre la causa y solución del problema del cambio climático, popularmente conocido como calentamiento global.
En muchos sentidos, la cultura pop, tal como lo había hecho en los años treinta y setenta, reaccionó ante la tensión y la
incertidumbre de la década del 2000, centrándose alternativamente en el espectáculo y en las brutales realidades de la vida.
El dance y la música pop disfrutaron de un tremendo éxito comercial, al igual que el hip-hop y la música rock. La televisión
encontró la Reality TV, un tipo de programación que debutó en los años noventa. La primera década de los años 2000 fue un
período turbulento lleno de gran incertidumbre. Como siempre, la cultura popular reflejaba el espíritu de la época.
NABA2020/21
Moda
A principios del siglo XXI, la industria de la moda se ha

expandido para abarcar un número cada vez mayor de
diseñadores, marcas y minoristas, pero también de proveedores
de información capaces de comunicarse y vender la moda a nivel
global a través de medios electrónicos e impresos.
La presión para adaptarse a un único estilo predominante se había

levantado: mientras que París, Nueva York y Milán conservan su
estatus como las principales capitales de moda, diseñadores que
operan desde una multiplicidad de ciudades, incluyendo Nueva
Delhi y Mumbai, Pekín y Hong Kong, Johannesburgo y Lisboa,
han desarrollado sus propias identidades e industrias.
Capitales Mundiales de la Moda

Imagen : businessoffashion.com
NABA2020/21
Moda
El desfile de otoño / invierno 2010 de Chanel, por ejemplo,

mostraba un iceberg de 265 toneladas de fondo especialmente
importado de Suecia, que tomó 35 escultores de hielo, traídos a
París de todo el mundo, el cual les llevó seis días para tallar.
En 2010 la industria lamentó la trágica muerte por suicidio del

diseñador de vanguardia Alexander McQueen y en 2011 se
sorprendió por la caída en desgracia de John Galliano, el
diseñador ecléctico de Dior, quien fue despedido en medio de
acusaciones de abuso racial.
Pasarela de Chanel's F/W 2010

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Moda
Las modelos estaban adornadas con tocados y zapatillas

cubiertas de joyas.
Con más de mil millones de personas viendo videos web en

2011, incluyendo los desfiles de prueba, quizás era inevitable que
el cine como medio de moda fuera revivido y modernizado por la
explotación de las tecnologías digitales.
Pasarela de Alexander McQueen

F/W 2008 Ready To Wear
Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Moda
SHOWStudio, la galardonada plataforma de moda establecida

por el fotógrafo Nick Knight en el año 2000, ha sido instrumental
en la exploración de las posibilidades y la conducción de esta
tendencia.
Desde el año 2003, el diseñador Hussein Chalayan ha

entrelazado el ethos de sus colecciones con temas complejos
como la migración de pueblos, utilizando técnicas abstractas y
narrativas.
Video de SHOWstudio por Gareth Pugh

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Moda
Entre las múltiples opciones de moda que se presentan cada

temporada, todavía se pueden identificar tendencias clave. En
tiempos de turbulentas circunstancias socioeconómicas, la
nostalgia se convierte en una fuerza cultural dominante. En
2008, la moda artesanal para las tendencias boho-hippy y estilos
simples y andróginos fue reemplazada por fuertes siluetas
estructurales inspiradas en modas de los años cuarenta y
ochenta.
Estos se caracterizaban por hombreras, cintura entallada y

metida (haciendo que los cinturones fueran una vez más
deseables) y una refinada paleta de tonos nude, negros y camel,
o yuxtaposiciones de colores primarios.
Moda estilo Boho y Hippie en editorial Vogue

NABA2020/21
Moda
Además de ofrecer múltiples opciones de moda, los

consumidores pueden disfrutar de oportunidades de compra
flexibles las 24 horas del día, los 7 días de la semana. El
panorama de las ventas minoristas en la moda ha sido
transformado por el comercio electrónico, que ahora es el sector
de más rápido crecimiento del mercado.
Entre 2006 y 2011 las ventas internacionales de moda en línea

aumentaron un 152%, impulsadas de manera significativa por los
nuevos sitios web transaccionales de las tiendas físicas o de las
calles, mientras que las aplicaciones de moda en los
smartphones facilitan la compra en movimiento.
Tienda de alta tecnología de Rebecca Minkoff

Imagen: rebeccaminkoff.com
NABA2020/21
Moda
Como mediadores entre los creadores, los minoristas y los

consumidores son bloggers en línea, algunos de los cuales,
como "The Sartorialist" y "Facehunter", han atraído millones de
seguidores; tienen un estilo personal privilegiado – al contrario de
el estilo liderado por los diseñadores- a la par de las revistas de
estilo innovador iD y The Face, lanzadas en la década de 1980.
Uniéndose a las las voces de los consumidores “reales” que

responden a las tendencias y productos a través de sitios de redes
sociales como Facebook y Twitter.
Portada de The Sartorialist

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Moda
Con el fin de reposicionarse como marcas de moda de lujo, una

serie de marcas establecidas o de herencia han designado a
talentosos diseñadores para volver a presentar sus clásicos e
inyectar la marca con un nuevo vigor moderno.
En Gran Bretaña Burberry ha disfrutado de un éxito masivo con la
contribución creativa de Christopher Bailey; las marcas de París
Balenciaga y Lanvin han sido revividas por Nicholas Ghesquière
y Alber Elbaz respectivamente, al igual que Yves Saint Laurent
de Stefano Pilati y Celine de Phoebe Philo.
Christopher Bailey
Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Moda
Hermès ha aprovechado los talentos del radical diseñador belga

Martin Margiela y del chico malo de la moda parisina, Jean-Paul
Gaultier, para inyectar diversión y modernidad en su rango, y
Louis Vuitton contrató a Marc Jacobs con enorme aclamación de
la crítica y éxito en el mercado.
Diseñador belga Martin Margiela

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Moda
Se pronostica que China se convertirá en el mayor mercado de

artículos de lujo del mundo en 2020, ya que la creciente población
de súper ricos anuncian su estilo y su estatus al permitirse lujos
como la moda de élite.
Los diseñadores y marcas de lujo no sólo están expandiendo sus

operaciones minoristas abriendo tiendas emblemáticas en China,
sino activamente abordando específicamente su cultura y su
gusto.
Vogue China
Imagen: Vogue China
NABA2020/21
Moda
Mientras que los artículos de lujo generan la cobertura mediática

que enaltece el sello de la marca, no generan las mayores
ganancias.
Con el fin de aumentar su perfil a un público más amplio y

aumentar las ventas de los productos de marca y las líneas de
difusión que crean ganancias fenomenales, una serie de
diseñadores han creado rangos especiales para el mercado de
masas.
Kate Moss para TopShop

Imagen: topshop.com
NABA2020/21
Moda
El poder extraordinario de las celebridades para formar el

consumismo: las opciones han sido una característica notable del
siglo XXI. Las ventas de moda se han disparado cuando son
promovidas por las actrices de la lista A, súper modelos y
personalidades populares de los medios de comunicación, así
como la sociedad de élite.
Cuando Catherine, la duquesa de Cambridge, la nueva esposa del
segundo en línea al trono británico, fue vista usando un vestido de
envoltura de vendaje en tonos nude de la tienda de alto perfil
Reiss en Mayo de 2011, la demanda mundial agotó el modelo en
un sólo día.
Kate Middleton usando un vestido de Reiss

Imagen: businessoffashion.com
NABA2020/21
Moda
La boda real, William y Kate.

Imagen: history.com
NABA2020/21
Moda
Vestido de Jason Wu’s para Michelle Obama durante la inauguración del presidente
norteamericano Barack Obama
Imagen: nbcwashington.com
NABA2020/21
Moda
Operando en línea, Coolspotters (coolspotters.com) ha

proporcionado un portal único que identifica los atuendos usados
por celebridades y sus alter ego ficticios en el cine y la televisión.
Sitios como ASOS (As Seen On Screen - asos.com) venden
copias de ropa y accesorios usados por celebridades, y aquellos
que desean una conexión tangible con su celebridad favorita
pueden acceder a sitios que ofrecen su ropa usada auténtica en
alquiler.
Taylor Swift con un abrigo blanco de Asos

Imagen: asos.com
NABA2020/21
Moda
Blake Lively Cara Delevingne

NABA2020/21
Moda
Kendall Jenner Miley Cyrus

NABA2020/21
Moda
Rihanna Sophia Coppola

NABA2020/21
Moda
La moda de vestir la moda vintage - vestidos históricos que

reflejan las tendencias predominantes - ha desafiado la
homogeneidad y la mala calidad de la moda producida en masa;
ofreciendo un estilo individual a precios asequibles y abordando
las preocupaciones medioambientales mediante el reciclaje.
Kate Moss ha sido seminal en la creación de la moda por la
yuxtaposición de artículos de época y prendas de moda
modernas.
Kate Moss usando ropa retro vintage

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Moda
Las grandes marcas aprovechan este deseo de expresión

individual, incluida la marca de ropa deportiva Nike, que ofrece a
los clientes un servicio de personalización.
Servicio de personalización de productos Nike’s e

Imagen: nike.com
NABA2020/21
Moda
Pared interactiva en el interior de la tienda Adidas

Imagen: adidas.com
NABA2020/21
Moda
Mientras que la moda es intrínsecamente efímera, se ha acuñado

un nuevo término, "moda rápida", para describir la ropa de moda
de bajo precio vendida en las tiendas populares.
En Gran Bretaña, famosa por sus excelentes tiendas de moda, se
ha calculado que en 2011 la mujer "promedio" tiene alrededor de
cuatro veces más ropa que su contraparte en 1980.
Tienda TopShop
Imagen: topshop.com
NABA2020/21
Moda
A pesar de que nunca puede reemplazar el consumismo, las

compras virtuales ofrecen una actividad de ocio y una salida
para expresar opciones de moda personal que no requieren un
presupuesto o crear una huella de carbono.
Mientras que somos testigos del rápido agotamiento de los

escasos recursos mundiales combinado con las consecuencias
ambientales del consumo excesivo, las compras virtuales
podrían - si se desarrollan con éxito - ofrecer una alternativa que
sea divertida, despreocupada y sostenible.
Experiencia de compras virtuales

NABA2020/21
Moda
El Cisco StyleMe Espejo virtual de moda

NABA2020/21
Temas de la década: 2010s
La “Insta-ficación” de la Moda
Instagram es la red social que ha cambiado las conexiones

visuales de belleza y también el concepto de moda.
Los shows de moda se transformaron hacia ser espectáculos de

millones de dólares diseñados solamente para verse bien en un
livestream en la palma de la mano; ser influencer se volvió una
carrera a la cual aspirar.
Perfil de Instagram
Imagen: harpersbazaar.com
NABA2020/21

El Brillo Elegante de Kim Kardashian West
Kim Kardashian West es belleza, y es gracia; ella

simbólicamente es Miss Estados Unidos.
Su remarkable crecimiento es fascinante no solamente porque

fuera una situación de chica pobre a rica, sino porque fue el
equivalente privilegiado de Hollywood: Kim Kardashian West
volvió la reality TV en un vehículo más grande para hacer estrellas
y una forma de publicidad de la industria de la moda de lujo
más eficiente que el de una Estrella normal de cine.
Kim Kardashian
NABA2020/21
El Estilo Negro Importa
A pesar de la eterna obsesión de la moda con las mujeres rubias

delgadas, la década de 2010 llevó a las personas de color a la
vanguardia de la industria en formas que se habían retrasado
mucho.
Dapper Dan logró un contrato multifacético de Gucci después de

ser "referenciado" (pero básicamente copiado) en la pasarela.
Las pasarelas finalmente también influyeron en muchos modelos

de color, incluyendo la aturdidora campaña de Valentino Adut
Akech, la chica genial de Tennessee Binx Walton y la novia de
Sports Illustrated, Halima Aden, quien hizo historia como la primer
modelo de traje de baño de la revista en un hijab.
Dapper Dan
NABA2020/21
Todo el mundo tiene un Cuerpo de Moda

Hablando de Sports Illustrated, alcanzó otro hito en 2016,
cuando eligió a la supermodelo de talla grande Ashley
Graham como su estrella de portada en la Edición de Traje de
Baño.
Graham pasó a caminar para el magnate del cuerpo positivo

Christian Siriano, además de Michael Kors, Prabal Gurung y
más diseñadores, y se convirtió en una cara de Revlon y
David Yurman.
Otras marcas siguieron, como Marc Jacobs, Swarovski y los
personajes de talla grande de Levi para sus propias
campañas, mientras que la modelo Jillian Mercado
protagonizó anuncios de Nordstrom, Diesel y Calvin Klein
posando en su silla de ruedas.
Ashley Graham on Sports Illustrated

NABA2020/21
Velo ahora, Compra Ahora…o Después, o Cuando sea
Hace diez años, ver ahora, comprar ahora era la frase que
"salvaría" a los minoristas de la creciente brecha entre el
interés en Internet y la disponibilidad de boutique.
En lugar de esperar seis meses para que una colección de

pasarelas llegue a los estantes, o peor aún, impacientarse y
comprar el equivalente de moda rápida un mes después, los
consumidores aparentemente estarían encantados de pagar
el precio completo por la gratificación instantánea.
Tommy Hilfiger durante el show S/S 2019

NABA2020/21

La Conexión de Gigi y Bella
Atléticas, alegres y sin miedo a dar una palmada, Gigi y

Bella representan un nuevo tipo de dualidad femenina, una
en la que son rubia o morena: dulce, bomba deportiva o
dulce y sexy estrella de rock.
Las hermanas son amadas porque son muy identificables:

¡pierden zapatos! ¡Luchan con sus amigos! ¡Pasan el rato
con su madre! Casi olvidas que son intocables.
Gigi and Bella Hadid

NABA2020/21
¿Qué es Género?
Sostenemos que estas verdades son evidentes: las mujeres

trans son mujeres, las personas trans son personas y tú
tienes la última palabra sobre tus pronombres y tu identidad
de género.
Ahora que hemos declarado lo dolorosamente obvio,

exploremos el lado del estilo de las cosas, donde la ropa
masculina de diseñador se convierte en un elemento básico
para las mujeres obsesionadas con la moda, Billy Porter usa
un vestido de fiesta para los Oscar, y el espectro de género
en sí mismo proporciona inspiración para avanzar que
piensan en marcas como Thom Browne, Margiela, Chromat
y Comme des Garçons.
Billy Porter en la Ceremonia de los Premios de la Academia

NABA2020/21
Normcore pero Más
Cuando Phoebe Philo y sus contemporáneas femeninas

como Stella McCartney y Margaret Howell hicieron elegantes
colecciones de tela lisa que hicieron más fácil el moverse por
el mundo.
Los críticos y BuzzFeed lo llamaron normcore, la práctica de

hacer ropa realmente regular pero confeccionándolas con
telas preciosas con sutiles y elevados trucos que solo los
verdaderos snobs de la moda verían.
Diseñadora de Moda Británica Phoebe Philo

NABA2020/21
El Surgimiento de los Directores Creativos Celebridad
En la década de 2010, había dos tipos de personas de la

moda: los que podían nombrar a los directores creativos en
todas las casas importantes y los que en realidad no eran
personas de la moda.
Eso se debe a que el amor en la época de Instagram se

parecía mucho al reconocimiento de nombres, y los
diseñadores se alimentaron cada vez más de su propio genio
característico en lugar de los "códigos de la casa" que
tradicionalmente avivaron el fuego de la moda de una marca.
Tom Ford
NABA2020/21

El Lado Oscuro de la Moda
El punto débil de la fama es a menudo la ansiedad, el

aislamiento y la adicción.
Las estrellas de la moda no son inmunes a estas plagas, como
vimos en 2010, cuando el legendario diseñador Alexander
McQueen se suicidó trágicamente a los 40 años.
En 2011, otra catástrofe: el discurso borracho de John Galliano
sobre un compañero de bar fue tan brutalmente intolerante que lo
despidieron de Dior, lo pusieron en la primera plana de todos los
periódicos e incluso lo parodiaron en Saturday Night Live.
Culpó a las drogas y al agotamiento, citando el horario cada vez

más reducido de la moda para crear ropa y contenido a un ritmo
peligrosamente rápido.
Alexander McQueen
NABA2020/21

Cancelación Cultural: Edición de alta costura
La década de 2010 vio el auge de las protestas de Twitter,

boicotear los hashtags, el movimiento #MeToo, por supuesto, y
Diet Prada, el monstruo de Instagram que cruza incansablemente
por diseñadores independientes e ideas originales.
Cuando obtuvo pruebas de los DMs racistas de Dolce & Gabbana

antes del primer espectáculo de alta costura chino de la marca,
el sitio independiente puso la etiqueta de alta costura en explosión,
causando un alboroto en línea tan fuerte que obligó a la marca a
suspender su inminente desfile y perder millones de dólares en el
proceso.
Campaña Dolce & Gabbana

NABA2020/21

La(s) Corona(s)
Con una infusión de sangre nueva en la historia de la monarquía

británica, el estilo real se convirtió en algo real gracias a las
duquesas Kate y Megan, las esposas regiamente bonitas de los
príncipes Will y Harry, e influyentes influenciadoras del estilo.
Kate se apega a la confección a medida, los vestidos en tono joya

y los artículos de primera calidad como su suegra fallecida, la
princesa Diana, mientras que Megan favorece el glamour clásico
de Hollywood a la princesa Grace Kelly en su apogeo de Mónaco.
Duquesas Kate y Megan

NABA2020/21

Adiós ropa formal, hola ath-leisure
La moda se volvió informal en la década de 2010.
Desde el movimiento de bienestar hasta el acceso 24/7 a casi

cualquier persona en Instagram y Snapchat, se produjo una
cultura relajada, que dio inicio a la tendencia de moda más
cómoda de la década: ath-leisure.
Bella Hadid
NABA2020/21

LAS SUBCULTURAS SE VUELVEN TENDENCIA
Tal vez irónicamente, el antitrend fue una de las tendencias de

moda más generalizadas de la década de 2010.
Las subculturas de la moda, la antítesis directa de las tendencias

ubicuas, a veces demasiado estilizadas, demostraron ser aún
más populares que las tendencias originales en sí mismas, y se
abrieron paso desde las comunidades nicho a la pasarela de la
moda.
En la década, varias de estas subculturas entraron en el léxico

cultural generalizado, especialmente la norma, la cultura urbana y
la cultura de Internet Gen-Z.
Chanel S/S 2014 couture

NABA2020/21

Nace una Estrella del Estilo Urbano
La fotografía de estilo urbano ha sido parte de la semana de la

moda, pero el fenómeno ganó prestigio y ubicuidad en la década
de 2010 gracias a la proliferación de las redes sociales.
Estas imágenes de estilo urbano circulaban en blogs de moda,

sitios web e Instagram más que en la apariencia real de la
pasarela, generando una clase incipiente de personas influyentes
que hoy son potencias de la industria.
Susie Lau, Chiara Ferragni and Leandra Medine

NABA2020/21

La Cultura del Internet Gen-Z
Estas tendencias surgen de la hiperconectividad de la

generación con las redes sociales y su inclinación hacia la
plataforma de redes sociales relativamente nueva, la aplicación
para compartir videos TikTok.
Las E-Girls se pueden describir mejor como la evolución del "niño

de la escena" de los años. Es una tendencia que prevalece en los
canales sociales donde los adolescentes publican fotos y videos
de sí mismos con pelucas de colores pastel y maquillaje gráfico
que consiste en delineador de ojos negro con alas, sombra de ojos
de colores del arco iris y corazones dibujados en las mejillas.
Compartiendo videos en TikTok

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Franca Sozzani
Franca Sozzani (nacida el 20 de enero de 1950, Mantova - fallecida el 22 de diciembre de 2016, Milán), cuya carrera comenzó en Vogue
Bambini en 1976, ha liderado la edición italiana de la biblia de la moda Vogue Italia desde hace más de 28 años. Es adorada tanto por
periodistas, diseñadores y fotógrafos gracias a su generosidad de espíritu y la defensa de nuevos talentos.
Se le acredita que ayudó a crear el fenómeno de las "supermodelos" en la década de 1990, inmortalizando modelos en sus portadas y
empujando a fotógrafos como Steven Meisel, Bruce Weber y Peter Lindbergh para crear sus imágenes más sorprendentes.
Algunos de sus números más célebres de la revista incluyen "The Black Issue" de julio de 2008, en el que sólo figuran las mujeres de
color en una celebración de su belleza y el tema de L'Uomo Vogue "Rebranding Africa" de 2012, Ban Ki-moon, el Secretario General de
la ONU, de 67 años de edad en su portada.
NABA2020/21
Franca Sozzani
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Además de su labor en Vogue, Sozzani también trabajó como

Embajadora de Moda para las Naciones Unidas, un papel que
vio su apoyo a las personas que trabajan detrás de la industria, en
lugares como África y Asia.
También se convirtió en una figura destacada en las

conversaciones del mundo sobre la moda sostenible, y aumentó
la concienciación ecológica hacia los nuevos diseñadores durante
Milán Fashion Week.
Franca Sozzani
Imagen: Vogue italia
NABA2020/21
La primera portada de Vogue Itilia bajo la editorial de Vogue Italia, Mayo 1993
Sozzani, August 1988 Imagen: Vogue Italia
NABA2020/21
Un personaje de moda en el sentido más verdadero, su sentido

del estilo personal también se celebró internacionalmente.
Dominando el arte del look de la mujer de negocios, pero siempre
con un toque de divertido en la moda, su look capturó la
imaginación de los bloggers y fotógrafos de estilo callejero,
convirtiéndola en una estrella Instagram a sus sesenta años.
Sozzani, que creció en Mantua, norte de Italia, deja atrás a un hijo,

el director nominado al Emmy Francesco Carrozzini, quien
estaba a su lado cuando falleció.
Sozzani con su hijo, Francesco Carrozzini en 2011

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Edición de Vogue Italia's All Black , Julio Portada del mes de Noviembre de 2012 de
2008 Vogue Imagen: Vogue Italia
NABA2020/21
Anna Wintour revela que, durante sus últimos compromisos

públicos antes de su fallecimiento, incluyendo recibir el Premio
Swarovski por el cambio positivo en los Fashion Awards de
Londres a principios de este mes, Franca estaba "con oxígeno",
pero estaba decidida a apoyar a sus colegas y amigos diseñadores
a pesar de su mala salud.
Franca Sozzani y Anna Wintour en 2010

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Portada de Makeover Madness, Vogue Italia, Vogue Italia, Noviembre 1990

Julio 2005 Imagen: Vogue Italia
NABA2020/21
Franca Sozzani era una filántropa, humanitaria, líder de

conciencia social y estaba profundamente preocupada por el
estado del mundo, por lo que tiene gran compasión e idealismo.
La preocupación de Franca por el bienestar de la sociedad creció

poderosamente a medida que llegó a la madurez. Franca Sozzani
sentía atracción por el servicio público, y el bien a largo plazo de
su comunidad e incluso del mundo y ello ocupaba sus
pensamientos cada vez más.
Franca Sozzani para Convivio

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
El aprecio de Franca Sozzani por las artes, la moda y la belleza

en cualquier forma aumentó durante su vida.
Ella apoyó a jóvenes diseñadores durante más de diez años a

través de "Who's next" y "Vogue Talents“-"Vogue Italia con
Vogue Talents sigue apoyando a jóvenes diseñadores talentosos,
es fundamental en esta etapa de su carrera tener el apoyo de la
industria" -dijo la señora Sozzani.
Franca Sozzani en la exhibición de talentos de Vogue

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Franca Sozzani con Giorgio Armani Franca Sozzani con Valentino

Imagen: vogue.it Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Fausto Puglisi
El estilo confiado y enérgico de Fausto Puglisi es una sacudida de

las influencias culturales ricamente investigadas cosidas en
paquetes impecablemente elaborados.
Con una actitud moderna y toque de sensualidad, esta combinación

original de moda ha tenido resultados remarcables, rápidamente
llamando la atención de editores y compradores internacionales y
catapultando a Puglisi en el centro de atención como uno de los
talentos más brillantes de la industria de la moda.
Fausto Puglisi
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Fausto Puglisi en 2014

Imagen: faustopuglisi.com
NABA2020/21
El trabajo de Puglisi es un estudio en contrastes audaces y refleja

sus orígenes italianos así como su fascinación con todas las
facetas de la cultura americana.
Comenzó informalmente su carrera diseñando una colección

pequeña, muy segura que los sastres locales de Messina
produjeron para él.
Él vivió en Nueva York, Texas, y aterrizó eventual en Los Ángeles

donde sus diseños tempranos fueron recogidos por la influyente
boutique Maxfield.
Sketch de Fausto Puglisi

Imagen: faustopuglisi.com
NABA2020/21
La marca de Fausto Puglisi tomó el vuelo formalmente, re regreso

en Italia. En 2010, Domenico Dolce & Stefano Gabbana invitaron
a Puglisi a formar parte de su proyecto comercial Spiga 2, que
contaba con una mezcla de jóvenes diseñadores internacionales
desconocidos.
La mercancía de Puglisi se agotó en cuestión de días. El ímpetu le

empujó a comenzar a mostrar sus diseños en presentaciones
íntimas durante la semana de la moda de Milán. La visión de
Puglisi se cristalizó en una costura aguda y contrastante con un
toque máximista, un estilo que tomaba los vestidos de alta costura
y la brujería técnica con tanta pasión como unos jeans.
El éxito de Puglisi fue rápido.
Miley Cyrus
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Embellecimiento y decoración
Imagen : faustopuglisi.com
NABA2020/21
Las mujeres a las que adora Puglisi, y las que le adoran de vuelta,
están cortadas de una amplia tela que abarca desde los iconos de
las pantallas de los años cincuenta a las mujeres más polémicas,
pero con una mente fuerte.
Fausto Puglisi se vende actualmente en más de 160 boutiques de

todo el mundo, incluyendo Bergdorf Goodman en Nueva York,
Selfridges en Londres y Joyce en Asia.
Madonna en Fausto Puglisi

NABA2020/21
Jennifer Lopez Rita Ora

NABA2020/21
Fausto Puglisi S/S 2019 Fausto Puglisi S/S 2019

Imagen: vogue.com Imagen: faustopuglisi.it
NABA2020/21
Fausto Puglisi F/W 2019-20 Fausto Puglisi F/W 2019-20

NABA2020/21
Fausto Puglisi F/W 2019-20 Fausto Puglisi F/W 2019-20

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Antonio Marras
Antonio Marras no es sólo un diseñador de moda, sino un artista

multifacético: se inspira en la moda, pero va mucho más lejos.
Nació en 1961 en Cerdeña, en su amada Alghero, donde creció

familiarizándose con los textiles en la tienda de su padre Efisio (a
quien dedicó una colección, años más tarde).
No es difícil imaginar a Antonio como un niño, sus ojos grandes y

curiosos, mirando todos los colores y tocando las texturas,
respirando el olor de los textiles. Su primer encuentro con la moda
se produjo casi por casualidad.
Antonio Marras
Imagen: antoniomarras.com
NABA2020/21
Cuando su padre falleció Antonio comenzó a dirigir las tiendas

familiares y fue precisamente una compañía de ropa la que lo
invitó a crear su primera colección.
Marras comenzó a diseñar ropa lista a portar creando, en 1987,

Piano piano dolce Carlotta, en homenaje a la película epónima
de Robert Aldrich.
La colección fue recibida con gran aprobación, pero después de

algunos años fue el éxito comercial que hizo Marras se sintiera
incierto sobre si seguir diseñando o no: estar vinculado al mundo
financiero no era su ideal.
Interior del taller de Antonio Marras en Alghero

NABA2020/21
Moodboard de Antonio Marras’s para la colección O/I 2014-15

Imagen : Vogue Italia
NABA2020/21
El primer desfile de costura de Marras llevaba su nombre y ya

mostraba sus rasgos estilísticos: Cerdeña como la musa
inspiradora, su amor por la artesanía, la mezcla de énfasis y
eufemismo, el famoso hilo rojo.
La primera colección de prêt-à-porter de Antonio Marras fue

exhibida en 1999.
Inspiración para las colecciones O/I

NABA2020/21
En 2007 lanzó su segunda línea, SOY, pero también ISOLA

MARRAS. Al compás de la moda y la creatividad.
A lo largo de los años Marras probó su mano en campos similares

con colaboraciones artísticas - María Lai, Carol Rama, Claudia
Losi y muchos más - todos los ambiciosos proyectos basados en
la contaminación cruzada y la innovación.
Un detalle de las colecciones de Antonio Marras

NABA2020/21
Su sede está en Milán, pero Alghero está siempre en su corazón,

y vive allí con su esposa Patrizia, sus hijos Efisio y Leo y el resto
de su tribu familiar.
Viajar por el trabajo fomenta su creatividad: Marras combina las

inspiraciones de su tierra y de otros lugares y las lleva a la pista
con elegancia.
Un detalle de las colecciones de Antonio Marras

NABA2020/21
En Alghero Marras guarda un tesoro escondido: el Laboratorio,

una habitación extra en su casa-estudio que da espacio a la
experimentación creando prendas especiales de edición
limitada que pueden convertirse en el punto de partida de su línea
principal.
Sus creaciones se distribuyen en Europa, Asia, América: el

artista y diseñador es muy apreciado y siempre sorprende a su
clientela, se siente atraído por los contrastes, se niega a la
homologación y juega con las contradicciones, creando un
equilibrio especial.
Antonio Marras store in Milan

Imagen : antoniomarras.com
NABA2020/21
Antonio Marras O/I 2017/18 Antonio Marras O/I 2017/18

NABA2020/21

NABA2020/21

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Iconos: Riccardo Tisci
Riccardo Tisci es un diseñador italiano de Taranto, nacido en 1974.
Se graduó de la Academia Central Saint Martin en 1999, en

Londres, después de estudiar en Italia. Su ciudad de origen está
ligada a historias mitológicas de marineros y sirenas, que
sirvieron de inspiración para los diseños que creó de alta costura y
el Pret-a-porter de Givenchy.
Después de su graduación, Tisci trabajó para una serie de

compañías como Coccapani y Puma antes de firmar un contrato de
tres años con Ruffo Research, que inició las carreras de muchos
diseñadores de moda incluyendo Sophia Kokosalaki.
Riccardo Tisci
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Mientras Tisci, trabajaba para Givenchy, creó trajes para Madonna

en 2008 que usaría en el Sticky and Sweet Tour, siguiendo a
Dolce & Gabbana y Jean Paul Gaultier.
En 2009, diseñó otro traje para la canción, Candy Shop. Además

de esto, también diseñó ropa exclusiva para Madonna - cuando no
está actuando en el escenario.
Madonna durante el show del Super Bowl

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Para la colección Otoño de Givenchy en 2010 lanzó un nuevo

modelo transexual brasileño, Lea T. Trabajó con este modelo
durante años y Lea también fue su asistente personal.
En 2011, Tisci fue considerado para ser el sucesor de John

Galliano en Christian Dior como el diseñador principal, sin
embargo un año más tarde Raf Simons fue anunciado como
director creativo de Dior después de Galliano.
La modelo Lea T en un anuncion de Givenchy

NABA2020/21
Además de trabajar con Madonna, Riccardo Tisci ha colaborado

con Kanye West y Jay Z para hacer las portadas de H.A.M y
Watch The Throne.
Nuevamente trabajó con West para su casa discográfica GOOD

Music en el álbum Cruel Summer.
Kanye West y Jay-Z

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Adele en los premios Grammy, 2016 Beyoncé

NABA2020/21
Mariacarla Boscono, modelo italiana, aparece con frecuencia en

sus desfiles de moda y campañas publicitarias no sólo por su
talento, sino también porque es amiga de Tisci desde sus días en
Givenchy.
Muchos amantes de la moda, críticos y personas sienten que el

sentido de la moda de Riccardo Tisci es gótico y oscuro.
Mariacarla Boscono para Givenchy P/V 2016

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Espectacular Pasarela de moda de Givenchy en 9/11

Imagen: givenchy.com
NABA2020/21
Espectacular Pasarela de moda de Givenchy en 9/11

Imagen: givenchy.com
NABA2020/21
Justo después de colaborar con NikeLab en un mid-top Dunk

Chukka, el ex director creativo de Givenchy Riccardo Tisci
estabba de vuelta, esta vez con un mid top take on the Air Max 97.
El Air Max 97.El Air Max 97 Mid R.T. se refiere al diseñador de

moda italiano. Después de todo, el emblemático "Silver Bullet"
tiene un lugar especial en los corazones de los sneakerheads de
Italia.
Colaboración de Tisci con NikeLab

Imagen: nike.com
NABA2020/21
Una modelo transgénero, Rottweilers ladrando en las

camisetas, y Jerry Lee Lewis encontraron su lugar en su trabajo
reciente.
Tisci y un perro Rottweilers

NABA2020/21
En febrero de 2017, Riccardo Tisci anunció su partida amistosa de

Givenchy. Durante su tiempo en casa, Riccardo Tisci ha
resucitado la marca parisina a su antigua gloria y la hizo rentable
con colecciones oscuras, sensuales y subversivas.
Impresionantemente, Tisci ha creado identidades de marca

distintas para todas las categorías de productos de Givenchy a
través de prendas de vestir y alta costura para mujeres y
hombres.
Riccardo Tisci
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Givenchy Couture P/V 2017 Givenchy Couture P/V 2017

NABA2020/21
El 12 de marzo de 2018, Riccardo Tisci fue nombrado Director

Creativo de Burberry.
Con la llegada de Riccardo Tisci, Burberry ve un nuevo comienzo,

comenzando por el logo y la gabardina.
Dado el desfile de moda primavera verano 2019 en la Londres

Fashion Week, señalamos algunos detalles, emblema del nuevo
estilo británico.
Riccardo Tisci
Imagen: vogue.com
NABA2020/21
TU3 Ejercicio de Lanzamiento 3: Estilo Histórico 3
Para la siguiente lección, los estudiantes tienen que vestirse en el estilo de una década explicada en esta unidad, para demostrar que han
Los estudiantes pueden usar un tipo de vestido, un sombrero, zapatos o accesorios inspirados en los estilos mostrados en TU3 y referidos
al periodo de 2000 a la actualidad.
Los estudiantes también pueden crear un maquillaje o peinado inspirándose en los que estaban de moda en el período de 2000 a la
actualidad.
Por ejemplo, para los años 2000 los estudiantes pueden crear looks donde el estilo y la mezcla y el partido son importantes para crear una
Imagen contemporánea fuerte.
NABA2020/21
"En los archivos, vi los dibujos y gráficos antiguos de la época de

Thomas Burberry", dijo Tisci. “Hizo sus iniciales, y pensé, eso es
interesante. ¿Por qué no desarrollar algo que represente el
comienzo de esta nueva era? A Saville también le gustó la idea.
Él "limpió" el monograma original, quitando algunas de las

esquinas que le dieron al motivo del logotipo del siglo XX una
sensación gótica.
New Burberry monogram

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Burberry pattern The Burberry Monogram Collection

NABA2020/21
Burberry S/S 2019

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Burberry S/S 2019 Burberry S/S 2019

NABA2020/21
Burberry S/S 2019

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Burberry S/S 2020

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
TU3 Ejercicio 3: Styling Histórico 3
Para la siguiente lección, los estudiantes deben vestirse al estilo de una década explicado en esta unidad, para demostrar que han entendido
el estilo, la ropa y los accesorios de la época.
Los estudiantes pueden usar un tipo de vestido, sombrero, zapatos o accesorios inspirados en los estilos mostrados en TU3 y referidos al
período de 2000- actualidad.
Los estudiantes también pueden crear un maquillaje o peinado inspirándose en los que estaban de moda en el período 2000 hasta la
actualidad.
Por ejemplo, para los años 2000, los estudiantes pueden crear looks donde el estilo y la combinación son importantes para crear una imagen
contemporánea fuerte.
TU4
• EJERCICIO DE REPASO 3: ESTILO HISTÓRICO 3
• CIUDADES ITALIANAS DE LA MODA
NABA2020/21
TU4 PRESENTACIÓN Ejercicio 3: Estilo Histórico 3
El profesor tiene que evaluar la consistencia del look, accesorios, maquillaje y peinados al contexto histórico que el estudiante ha
elegido.
Durante la lección puedes tomar fotos con más gente vestida al estilo de esa década.
NABA2020/21
TU4 Ciudades italianas de la moda

• Resumen
• Influencia del look italiano • Giovanni Battista Giorgini
• Diseñadores italianos • Las hermanas Fontana
• Italia como Capital de la Moda • Emilio Schuberth
• La geografía de la moda • Emilio Pucci
• Roberto Capucci
• Roma
• Valentino
• Roma - Altaroma
• Brioni
• Florencia • Giorgio Armani
• Milán • Ermenegildo Zegna
• Milán – CNMI • Gianni Versace
• Franco Moschino
• Dolce & Gabbana
• Carla Sozzani
• Fernanda Gattinoni
• Gucci
NABA2020/21
TU4 Ciudades italianas de la moda
• Pitti Immagine
• Milano Collezioni
• Beppe Modenese
• Fiera Campionaria
• Barbara Vitti
• Rita Airaghi
• Karla Otto
• Flavio Lucchini
• Oliviero Toscani
• Carlo Capasa
NABA2020/21
Ciudades italianas de la moda

Resumen
Italia es uno de los países líderes en diseño de moda, junto con otros como Francia, Estados Unidos, Gran Bretaña y Japón.
La moda siempre ha sido una parte importante de la vida cultural y social del país, y los italianos son bien conocidos por su
atención a vestirse bien; "La bella figura", o buena impresión, sigue siendo tradicional en el modo de vida italiano.
El diseño italiano se hizo prominente durante los siglos XI-XVI, cuando el desarrollo artístico en Italia estaba en su apogeo.
Ciudades como Venecia, Milán, Florencia y Vicenza comenzaron a hacer artículos de lujo, como sombreros, cosméticos,
joyas y telas. Durante los siglos XVII-principios del XX, la moda italiana perdió su importancia y brillo, y el principal pionero de
Europa se convirtió en Francia, con la gran popularidad de la moda francesa; Esto se debe a los vestidos de lujo que fueron
diseñados para los cortesanos de Luis XIV.
Sin embargo, desde las veladas de moda de 1951-53 celebradas por Giovanni Battista Giorgini en Florencia, la "escuela
italiana" comenzó a competir con la alta costura francesa, y etiquetas como Ferragamo y Gucci comenzaron a lidiar con Chanel
y Dior.
NABA2020/21
Resumen
Revista Life, 1951

Imagen: The Glamour of Italian Fashion Since 1945
NABA2020/21
Resumen
En 2009, de acuerdo con el Global Language Monitor, Milán, el

centro de diseño de Italia, se clasificó como la capital de moda
del mundo, y Roma se clasificó en el cuarto lugar, y, a pesar de
que ambas ciudades cayeron en el ranking en las clasificaciones
posteriores, en 2011, Florencia entró Como la 31ª capital mundial
de la moda.
Milán es considerado generalmente como parte de las "cuatro
grandes" capitales globales junto con NY, París y Londres;
ocasionalmente, los "cinco grandes" también incluye a Roma.
Giovanni Battista Giorgini

Imagen: La Sala Bianca nascita della moda italiana
NABA2020/21
La influencia del Look Italiano
El surgimiento de la "look italiano" se basó en importantes ventajas históricas, como la existencia de tradiciones artesanales en
la producción textil, artículos de cuero de lujo, sastrería de alta calidad y otros oficios cruciales para el sistema de moda. Los
textiles y prendas artísticas de Mariano Fortuny eran bien conocidas internacionalmente en las décadas anteriores a la Segunda
Guerra Mundial, así como los soberbios tejidos de lana tejidos por Ermenegildo Zegna y los accesorios finos hechos por
Ferragamo y Gucci. Sin embargo, es simbólico que de la relativa invisibilidad de Italia en el escenario de moda internacional la
diseñadora de preguerra más famosa de Italia, Elsa Schiaparelli, estaba basada en París.
La moda italiana moderna llegó a la fama internacional con la rápida reconstrucción de la industria textil después de la Segunda
Guerra Mundial y el auge de la producción de prendas de vestir, según documenta Nicola White en su importante libro
Reconstruyendo la Moda Italiana.
El ascenso de la moda italiana después de la guerra no fue accidental. Varios fabricantes italianos, con el apoyo del gobierno
italiano, hicieron un esfuerzo sistemático para crear una industria de la moda orientada a la exportación que jugaría un papel
importante en la reconstrucción económica de Italia de la posguerra.
NABA2020/21
Una escena de «Le ragazze di Piazza di Spagna», Luciano Emmer (1952)

NABA2020/21
Originalmente, las casas italianas de "alta moda" también se

mostraron en Florencia, pero pronto los couturiers por una
variedad de razones comenzaron a interesarse en Roma, donde
muchos de ellos eran miembros de la sociedad romana.
Allí organizaron y presentaron sus propias creaciones singulares

para La Dolce Vita.
Una escena de «La dolce vita», Federico Fellini (1960)

NABA2020/21
Modelos de Valentino y Sorelle Fontana en la revista Bellezza, 1967

NABA2020/21
Otras estrellas de cine, entre ellas Audrey Hepburn, Elizabeth

Taylor y Kim Novak, llevaban vestidos de noche de las
hermanas Fontana y Margaret Truman se casó en un vestido de
novia Fontana en 1956.
También importante en el glamoroso mundo del cine fue Emilio

Schuberth, que nació en Nápoles en 1904 y abrió una casa de
alta costura en Roma en 1938. Entre sus clientes estaban Gina
Lollobrigida y Sophia Loren.
Emilio Schuberth, 1951

NABA2020/21
Modelo de Emilio Schuberth en la revista Bellezza magazine, 1949

NABA2020/21
Diseñadores Italianos
Emilio Pucci entró en el negocio de la moda en 1948 y

rápidamente se hizo conocido por sus diseños textiles
caleidoscópicos, que se convirtieron en bufandas de jersey de
"peso pluma", camisas y otros separadores.
Pucci ayudó a establecer la reputación de los diseñadores
italianos de moda fácil, cómoda, consciente del cuerpo.
Sus modas de colores brillantes formaban parte de una gama

más amplia de productos italianos, como scooters Vespa y
máquinas de escribir Olivetti, que se convirtieron en iconos de
estilo moderno.
Modelos de Pucci en el techo del,1967

NABA2020/21
Otro importante diseñador italiano fue Roberto Capucci, nacido

en 1930, que abrió su propio taller en Roma en 1950 y ganó
rápidamente una reputación como maestro de la silueta y el color.
Capucci abordaba su obra como artista, plisando y manipulando la

tela en formas fluidas y escultóricas.
Roberto Capucci, 1958

NABA2020/21
Roberto Capucci con Loredana Pavone,1956 Dibujos de Roberto Capucci

Imagen: The Glamour of Italian Fashion Since 1945 Imagen: The Glamour of Italian Fashion Since 1945
NABA2020/21
Probablemente el diseñador italiano más importante y exitoso que

emergió durante los años 1960 fue Valentino.
Valentino Garavani estudió costura en París antes de abrir su

propia casa de alta moda en Roma en 1960; Su carrera abarca
ahora más de cuatro décadas. Él diseña el pret-a-porter y el
couture, y es conocido por su afición por las telas en rojos
brillantes.
Valentino con sus modelos en 1967

NABA2020/21
El look italiano que tenía un impacto tan profundo en las modas de

las mujeres se extendió a la ropa de hombre también. Incluso
antes de la Segunda Guerra Mundial, Italia tenía una reputación
internacional por sus camisas a medida de la más alta calidad y
accesorios de hombre.
En la década de 1950, las empresas de costura como Brioni

crearon la “el look Continental" en la moda masculina.
Los sastres italianos crearon trajes lujosos y al talle que ofrecían

una clara alternativa a la apariencia dominante de Ivy League de
los hombres americanos y los estilos tradicionales de la Savile
Row de Londres.
Edición especial de Brioni

NABA2020/21
La «chaqueta continental « Pasarela de moda de Brioni en el Palazzo Pitti en

Imagen: The Glamour of Italian Fashion Since 1945 Florencia, 1952
Imagen: La Sala Bianca nascita della moda italiana
NABA2020/21
Armani revolucionó la ropa de caballero en la década de 1970s,

la creación de chaquetas sin estructura que eran tan cómodas
como suéteres y que irradiaba un aire de elegancia seductora.
La ropa de Armani fue destacada en la película de 1980 Gigolo

americano; En 1982 su foto estaba en la portada de la revista
Time.
Su ropa de mujer también se caracterizó por una elegancia

sencilla y un minimalismo lujoso.
Giorgio Armani en la revista Time en1982

Imagen: Time Magazine
NABA2020/21
Richard Gere y Giorgio Armani, 1980

NABA2020/21
Mientras tanto, otras marcas italianas, conocidas por sus tejidos

finos y su magnífica obra, como Ermenegildo Zegna, también se
beneficiaron del ascenso de la sastrería italiana a una posición de
liderazgo mundial a partir de los años setenta.
Publicidad vintage de Ermenegildo Zegna

NABA2020/21
Muy diferente de Armani era Gianni Versace, quien fundó su

propia marca en 1978.
Mientras que Armani se enfocó en el lujo y la discresión, su rival

Versace basaba sus diseños en una estética de extravagancia y
exhibición; produjo, para hombres y mujeres, algunas de las
prendas más sexualmente expresivas jamás hechas dentro de la
corriente principal de la moda.
Después de que Gianni Versace fuera asesinado en 1997 en

Miami, su hermana Donatella se convirtió en la diseñadora
principal de la compañía.
Gianni Versace
NABA2020/21
Franco Moschino fue eclipsado comercialmente por Armani y

Versace, pero sus ingeniosos desafíos del sistema de moda eran
populares entre las mujeres que querían ser vistas como elegantes
pero no como "víctimas de la moda".
Franco Moschino
NABA2020/21
Publicidad de Moschino
NABA2020/21
Entre los éxitos más notables de la moda italiana a finales del siglo
XX están el renacimiento de Gucci bajo la dirección del
estadounidense Tom Ford, el ascenso de la firma Prada y el
impacto de Dolce & Gabbana.
Después de que Miuccia Prada se hiciera cargo de la pequeña y

respetada firma de cuero de su abuelo en los años ochenta, se
convirtió en un fenómeno internacional en accesorios, zapatos y
ropa.
Publicidad de Gucci
NABA2020/21
Domenico Dolce y Stefano Gabbana

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Italia como la capital del diseño
El éxito de Italia como centro de la moda moderna se deriva en gran parte de un modelo exclusivamente italiano de la industria de
la moda, muy diferente al de otros países. Es evidente, por ejemplo, que la unidad familiar sigue siendo una característica
importante del sistema de moda italiano. Las tradiciones artesanales también siguen siendo fuertes. Al mismo tiempo, tienen
disponible la tecnología más actualizada.
Mientras un puñado de diseñadores estrella de Milán y Roma atraen la atención del público, cientos de talentos creativos
anónimos pero altamente capacitados trabajan en empresas familiares y grandes empresas en todo el país. Una mano de obra
calificada está disponible tanto para el empleo en la fábrica como en la producción a pequeña escala por contratistas
independientes.
Florencia, Roma, y más tarde Milán han sido importantes centros de moda, pero la geografía de la moda italiana está muy
dispersa, y diferentes regiones de Italia se especializan en diferentes materiales y artículos. Además de la segmentación regional
de la producción en áreas geográficas específicas conocidas como "Distritos", el sistema de moda italiano se caracteriza también
por la integración vertical de la producción desde la fibra hasta al producto terminado.
NABA2020/21
Desde la Bienal de Firenze en 1997, que incluyó una exposición

en toda la ciudad que plantea la relación entre el arte y la moda,
se han creado nuevas oportunidades para este tipo de
convergencia; Por ejemplo, la Fondazione Prada de Milán tiene
una política expositiva de promoción del arte contemporáneo.
Nada podía ser más representativo del espíritu estético de un

diseñador que de una tienda insignia.
The Fondazione Prada en Milan

Imagen: fondazioneprada.org
NABA2020/21
En 2000, el Grupo Prada contrató al eminente arquitecto Rem

Koolhaas para concebir nuevos espacios tecnológicos
innovadores para la presentación de productos de maneras
nuevas y ultramodernas.
Y, como Guy Trebay escribió en el New York Times, Carla

Sozzani, propietaria de Corso Como 10 en Milán, presenta
marcas de lujo italianas e internacionales en un "verdadero
teatro del comercio".
Carla Sozzani, propietaria de Corso Como 10 en Milan

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja complementaria
La geografía de la moda
Creatividad, estilo, investigación, innovación, originalidad - tantas palabras vienen a la mente al intentar definir los rasgos de la moda
italiana. Hay tal vez un aspecto fundamental que no es tan evidente de inmediato, a pesar de ser una de las características clave que
distingue a la moda italiana: el aspecto comercial. El verdadero corazón de la moda italiana reside en su relación con la industria y la
capacidad resultante de traducir ideas e intuiciones en modelos de alta calidad y producción en serie.
Desde el punto de vista industrial, la moda italiana tiene una larga historia, con sus raíces en una industria textil que se remonta a
siglos si se incluyen las tradiciones artesanales.
Se puede decir que la industria moderna de la moda data de finales del siglo XIX, con el establecimiento de una red de empresas
grandes y pequeñas en el negocio de la producción de algodón, lana y, sobre todo, tejidos de seda. Lo que faltaba en aquel entonces era
un mercado considerable y la capacidad de producir modelos "de moda", un monopolio de las casas de alta costura de París al frente de
la moda femenina, mientras que Londres había acorralado el mercado de trajes para hombres y ropa deportiva.
NABA2020/21
Hoja complementaria
Italia ya tenía una gran cantidad de grandes productores de

algodón, como Cantoni y Crespi, y molinos de lana como
Marzotto, Rossi, Rivetti y Zegna, sobre todo en las regiones
septentrionales del país, junto con una multitud de pequeñas
empresas semi-artesanales.
Además de promover a estos fabricantes de materiales

tradicionales, la política nacionalista del régimen fomentó también el
resurgimiento de fibras textiles más humildes, como el lino, el yute y
el cáñamo (cuya producción estaba en su mayor parte controlada
por Linificio e Canapificio Nazionale).
Publicidad de Marzotto
Imagen: Moda Italiana anni Cinquanta e Sessanta
NABA2020/21
Hoja complementaria
Los esfuerzos del régimen fascista para controlar la producción

nacional demostraron ser ilusorios y no lograron aprovechar
plenamente el potencial inherente de un sistema económico que
mostraba aspectos de innovación y concentración industrial junto
con la artesanía y la producción a nivel artesanal.
Un hito en el desarrollo de la moda italiana vino en el período

después de la Segunda Guerra Mundial y se centró alrededor de dos
ciudades importantes: Florencia y Roma.
Skecth de Snia Viscosa para la exhibición de Milán en 1941

Imagen : Moda Italiana anni Cinquanta e Sessanta
NABA2020/21
Hoja complementaria
Al mismo tiempo, Roma estaba trabajando en su reputación como

un centro alternativo de moda. Especializada en alta costura, la
capital italiana fue sede de algunas de las casas de moda más
famosas del país, como Sorelle Fontana y Emilio Schuberth.
Sobre todo, logró forjar una relación especial con Hollywood, con
muchas películas rodadas en Roma durante este período.
Elizabeth Taylor y las hermanas Fontana

NABA2020/21
Hoja complementaria
También florecieron las empresas de confecciones que ofrecían

prendas de calidad producidas en serie, a veces recurriendo a estos
nuevos y talentosos profesionales para asesoramiento, como fue el
caso del Gruppo Finanziario Tessile (GFT), propiedad de los
hermanos Rivetti, que contrató los servicios de la modista Biki.
El siguiente paso llegó a principios de los años setenta, con el

advenimiento de una nueva profesión: el diseñador de moda.
Krizia O/I 1987-88

Imagen : The Glamour of Italian Fashion Since 1945
NABA2020/21
Hoja complementaria
Ilustracion y diseño de Walter Albini, 1971

NABA2020/21
Hoja complementaria
Este entorno fomentó el desarrollo de un "sistema de moda", es

decir, un sistema de conexión entre productores, diseñadores,
marketing y medios de comunicación, y marcas tempranas como
Armani, Versace y Valentino, entre otras, establecieron una
reputación internacional. Giorgio Armani, sobre todo, fue un
verdadero pionero, no sólo en términos de estilo y diseño.
En 1978, junto con su socio Sergio Galeotti, Armani firmó un

acuerdo con GFT que marcaría un punto de inflexión: las
colecciones fueron concebidas por el diseñador y luego
producidas enteramente en la fábrica bajo su supervisión.
Arriba: Giorgio Armani en1979

Abajo: Armani y Sergio Galeotti en Milan
Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Hoja complementaria
Es interesante observar cómo este proceso que conduce a la

profesión del diseñador de moda en cierto sentido es paralelo al que
vio por primera vez al diseñador emerger en el mundo de los
muebles.
Este desarrollo también se debió claramente al período entre las dos
guerras mundiales, con arquitectos y diseñadores como Giuseppe
Terragni y Gio Ponti establecidos en los años siguientes gracias a
la estrecha colaboración entre mentes creativas diseñando objetos
simples, esenciales y grandes y pequeñas empresas.
Este fue el nacimiento del diseño italiano, que vio a diseñadores

como Ignazio Gardella, Franco Albini, los hermanos Castiglioni,
Ettore Sottsass y varios otros se convierten en nombres familiares.
A.Castiglioni, V.Magistretti, M. Zanuso y E.Sottsass

Imagen : theartstory.org
NABA2020/21
Roma
Un acontecimiento que trajo una atención internacional abundante

a la moda italiana fue la boda de enero de 1949 de Tyrone Power
y Linda Christian.
Se casaron en la basílica de Santa Francesca Romana en Roma.

El novio llevaba un traje de Caraceni, mientras que la novia
llevaba un vestido de un taller local relativamente nuevo de
modistas: las hermanas Fontana. La moda italiana estaba en el
ascenso, con noticiarios y revistas internacionales describiendo
el vestido en detalle.
Boda de Tyrone Power y Linda Christian

NABA2020/21
Roma
A partir de ese momento, comenzaron a tomar forma las

características que definen a la industria de la moda italiana,
incluyendo sus vínculos con América y Hollywood, que fueron
particularmente evidentes en Roma en los estudios Cinecittà,
inaugurados en 1937. Con las ruinas de guerra como telón de
fondo, Italia volvió a la vida, capturando la imaginación americana
como un país perfecto para las vacaciones y los escapes, con la
ciudad capital de Roma como la locación ideal, como había sido en
el momento cuando el Grand Tour Hollywood en el Tiber nació, y
junto con Emilio Schuberth y Roberto Capucci, las hermanas
Fontana fueron sus principales protagonistas de la moda.
Linda Christian y las hermanas Fontana

NABA2020/21
Roma
Zoe, Micol y Giovanna Fontana nacieron en Traversetolo, una

pequeña localidad de la provincia de Parma, entre 1911 y 1915.
Después de haber aprendido habilidades de sastrería en el taller
de su madre, las hermanas se trasladaron a Roma, donde Zoe
sirvió de aprendiz en Zecca y Battilocchi, talleres históricos
famosos por sus copias de estilos franceses.
En 1943, las hermanas Fontana establecieron su propia casa de

moda. En los primeros años se refirió a la alta costura francesa. En
1949, en el Palazzo Grassi de Venecia, las hermanas Fontana
presentaron una colección inspirada en el Risorgimento italiano,
una reinterpretación Nuevo Look de Dior.
Las Hermanas Fontana

NABA2020/21
Roma
Vestido de las hermanas Fontana, 1955 Vestido de las hermanas Fontana, 1955
Imagen : The Glamour of Italian Fashion Since Imagen : The Glamour of Italian Fashion Since
1945 1945
NABA2020/21
Roma
Cuando Giovanni Battista Giorgini organizó el primer desfile

internacional de moda italiana en Florencia al año siguiente, se
incluyó a la casa Fontana entre los participantes.
Durante este período, cada estrella que fue a Roma, de Audrey

Hepburn a Elizabeth Taylor, visitó su taller. El carácter único de la
ropa de Fontana conectaba junto con la sastrería refinada y ropa
de noche adornada con encajes y elaborados bordados.
Desfile de modas en Sala Bianca, 1955

NABA2020/21
Roma
Audrey Hepburn en «Vacanze romane»

Imagen : The Glamour of Italian Fashion Since
1945
Elizabeth Taylor usando joyería de Bulgari
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Roma
Además de servir como un punto de encuentro para las estrellas de

Hollywood, las instalaciones de Fontana también sirvieron como
telón de fondo para el cine, presentando en Le Ragazze di piazza di
Spagna de Luciano Emmer (Tres chicas de Roma, 1953).
Proyectos cinematográficos también llevaron al taller el patrocinio de

otra importante cliente, Ava Gardner. La actriz se reunió con las
hermanas Fontana en 1953, cuando el director Joseph Mankiewicz
les pidió que crearan sus trajes para The Barefoot Contessa
(1954). Se estableció un fuerte vínculo entre Gardner y las
hermanas, que continuaron diseñando para ella tanto dentro como
fuera del set.
Ava Gardner con pretino

NABA2020/21
Roma
Un diseño notable, creado para la actriz estadounidense fue un

severo vestido pretino negro o "sotana“ o “cassrock”,
posteriormente referenciado por Piero Gherardi y una provocativa
Anita Ekberg en La Dolce Vita de Fellini (1960).
Anita Ekberg en «La Dolce Vita»

NABA2020/21
Roma
Otro representante importante de Hollywood en el Tíber fue

Fernanda Gattinoni.
Nacida en Cocquio Trevisago en la provincia de Varese en 1907,

se trasladó a Londres con su familia cuando era muy joven.
Comenzó su carrera como aprendiz en Molyneux antes de
regresar a Italia a finales de los años treinta. Se estableció en
Roma, donde encontró trabajo con la famosa modista Ventura,
antes de instalarse independientemente en 1944.
Vestido de 1954 de Gattinoni’s

NABA2020/21
Roma
A pesar de que nunca participó en las exposiciones colectivas en

la Sala Bianca, durante el transcurso de su carrera Gattinoni
vistió a muchas actrices, entre ellas Anna Magnani, Lana Turner e
Ingrid Bergman. Para esta última diseñó trajes de cine,
incluyendo los de Europa 51 (1952) y Viaggio in Italia (1953),
dirigido por Roberto Rossellini.
Encargado por la diseñadora de vestuario Maria de Matteis,

Gattinoni también creó los trajes de Audrey Hepburn para la
guerra y la paz del rey Vidor (1956).
Audrey Hepburn en “War and Peace”

NABA2020/21
Roma
Ausente de la primera pasarela florentina organizada por Giorgini,

participó en los espectáculos a partir de julio de 1951. En 1958
lanzó con éxito Antonelli Sport, su línea de ropa de ocio, que
apeló al gusto americano por la ropa elegante pero informal.
Desde el comienzo de su carrera vestida actrices famosas como

Anna Magnani y Alida Valli.
Vestido de 1954 de Antonelli’s

NABA2020/21
Roma - Altaroma
Para ser una nueva plataforma de lanzamiento para los diseñadores emergentes y la sala de máquinas de la alta costura italiana, Altaroma
es sinónimo de tradición y experimentación. Desde la promoción de Made in Italy a la protección de los valores artesanales que han hecho
famosa a Roma en todo el mundo,
La misión de Altaroma está dirigida a maximizar todas las formas de excelencia y experimentación. Es un punto de encuentro internacional
para la tradición artística, la investigación y las técnicas de vanguardia donde el arte, la moda y la cultura se fusionan.
Gracias a la aportación de las instituciones locales, Roma se ha establecido a lo largo de los años como incubadora natural de jóvenes
diseñadores, ofreciendo infraestructura y servicios, investigación e inspiración asociada a la alta costura y al mundo del cine, el arte y la
artesanía.
Un papel que puede desarrollarse aún más con esta nueva visión del Sistema de Moda de Italia, gracias al compromiso del Instituto de
Comercio Exterior.
Roma: la moda y el cine, la investigación y los archivos, el arte y la artesanía, desempeña un papel único dentro del sistema de
moda de Italia.
NABA2020/21
Roma - Altaroma
Desfile de modas de AltaRoma

Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Roma - Altaroma
Altaroma Atelier es un centro de desfiles de moda y

presentaciones de casas de alta costura, pequeños talleres,
establecimientos artesanales y de sastrería.
Se centra en la promoción del "savoir faire" destinado a fomentar

la experiencia artesanal y todas las formas de Made in Italy y la
excelencia internacional.
Taller de Altaroma Atelier

Imagen : altaroma.it
NABA2020/21
Roma - Altaroma
Altaroma Fashion hub es la sección dedicada al reconocimiento

de talentos, la formación y la promoción del talento emergente.
Desfiles de moda y exposiciones individuales o colectivas, todas

con un objetivo común: la promoción del talento emergente.
Vestido de Hussein Bazaza

Imagen : altaroma.it
NABA2020/21
Florencia
Florencia es considerada por algunos como el lugar de

nacimiento y el centro más antiguo de la industria de la moda
moderna (después de la Segunda Guerra Mundial) en Italia.
Las "veladas" florentinas de principios de los años cincuenta

organizadas por Giovanni Battista Giorgini fueron eventos en los
que varios diseñadores italianos, ahora famosos, participaron en
espectáculos colectivos y atrajeron la atención internacional.
Giovanni Battista Giorgini en Florence

Imagen : La Sala Bianca nascita della moda italiana
NABA2020/21
Florencia
Giovanni Battista Giorgini, 1956

Imagen : La Sala Bianca nascita della moda italiana
NABA2020/21
Florencia
Florencia ha servido como el hogar de la compañía de moda

italiana Salvatore Ferragamo desde 1928.
Gucci, Roberto Cavalli, Emilio Pucci también tienen su sede en

Florencia. Otros jugadores importantes en la industria de la moda
como Prada y Chanel tienen grandes oficinas y tiendas en
Florencia o sus afueras.
Publicidad histórica de Gucci’s

Imagen : gucci.com
NABA2020/21
Florencia
Histórica boutique de Gucci en Florencia

Imagen : gucci.com
NABA2020/21
Florencia
Florencia es el lugar de los eventos de moda "Pitti", como "Pitti

Uomo" para hombre, "Pitti Donna" para mujer, "Pitti Bimbo" para
ropa infantil, "Pitti Lingerie" y así sucesivamente.
La diferencia entre el prêt-à-porter presentado en Florencia y

Milán: "Pitti" está orientado principalmente a la alta calidad pero
estilo clásico, mientras que Milán es el lugar para presentar
nuevos estilos.
Valores immagine de Pitti

Imagen : pittimmagine.com
NABA2020/21
Florencia
El primer desfile de modas en Sala Bianca, Florence

NABA2020/21
Florencia
Los cincuentas
Una organización de promoción dinámica y un uso inteligente de

los lugares históricos de la ciudad elevó la moda italiana a un
nivel superior y, con sus materiales imaginativos, líneas
elegantes y elegantes, comenzó a competir con la hegemonía
francesa.
Arriba : Giorgini en la Sala Bianca,1954

Abajo : Modelo de Carosa, 1956
NABA2020/21
Florencia
De 1952 a 1982, la Sala Bianca en Palazzo Pitti fue el escenario

de desfiles de moda memorables gracias a los cuales la moda
italiana se convierte en un fenómeno mundial en términos de
negocio e Imagen.
Palazzo Pitti se convirtió en sinónimo de la cultura

contemporánea y la moda.
Revista italiana 1950s

NABA2020/21
Florencia
Los sesentas
Las formas en que la moda fue concebida y representada

cambiaron a la luz del levantamiento estudiantil de 1968 en
Europa.
La competencia entre las ciudades y los diseñadores de moda

volvió a transformar el mapa: los representantes de High Fashion
se trasladaron a París y Roma, mientras que Florencia atrajo a los
nuevos nombres en la creatividad informal.
Arriba : Pitti Donna en 1967

Abajo : Pitti Donna en 1968
NABA2020/21
Florencia
Después de haber apoyado el nacimiento de la alta moda italiana y

contribuido al establecimiento de CFMI, Giorgini renunció a la
organización en 1965.
En 1967, Franco Tancredi se convirtió en el nuevo presidente de

CFMI y firmó el acuerdo con la Cámara Nazionale della Moda: los
desfiles de moda se trasladaron definitivamente a los talleres de
Roma, mientras que las colecciones Boutique y de punto o tejidos
se quedaron en Florencia.
Modelo del año 1963

NABA2020/21
Florencia
Los setentas
La brillante idea de Tancredi fue crear vínculos entre CFMI y la

floreciente industria de la moda, y luego elegir a los minoristas
europeos, americanos y japoneses a gran escala como interfaces
clave.
Giorgio Armani, Walter Albini y Missoni hicieron su debut en el

Palazzo Pitti, justo cuando Milán empezó a brillar como la nueva
estrella del prêt-à-porter femenino y el diseño en general.
Armani en los años '70s

NABA2020/21
Florencia
La primera edición de Pitti Uomo, con ropa y accesorios

masculinos se celebró en septiembre de 1972.
Creado esencialmente para promover lo mejor de la industria de la

moda italiana en los grandes mercados extranjeros, la feria
rápidamente alcanzó estatura internacional también en términos
de las propuestas.
Arriba : La primera edición de Pitti Uomo en 1972

Abajo : La primera edición de Pitti Bimbo en 1975
NABA2020/21
Florencia
La primera edición de Pitti Filati se celebró en 1977: con hilos e

investigaciones sobre tendencias se convirtió inmediatamente en
un punto de referencia para el mundo ligeramente anárquico de los
fabricantes de prendas de punto y diseñadores de todo el mundo.
Arriba : La primera edición de Pitti Filati en 1977

Abajo: La primera edición de Pitti Casain 1978
NABA2020/21
Florencia
Los ochentas
El rugido de los años ochenta comenzó con el cierre de la Sala

Bianca, pero las nuevas ferias cobraron vida en los pabellones de
la Fortezza da Basso que rápidamente se convirtió en una marca
registrada para los eventos comerciales Made in Italy.
CFMI necesita urgentemente una organización más eficiente para

contrarrestar la creciente competencia entre las ciudades de la
moda.
Pavilions de la Fortezza da Basso en Florence

NABA2020/21
Florencia
Los principales fabricantes italianos de moda se involucran

personalmente en la gestión de las ferias.
En 1987, Marco Rivetti, patrono del Grupo GFT y el hombre

detrás del éxito del nuevo dúo de la industria / diseñador, es
nombrado presidente y director gerente de Centro Moda.
Logo de Pitti Immagine's en1988

NABA2020/21
Florencia
Los Noventas
La década del segundo milenio, con la Guerra del Golfo, fue

también un período de aceleración para Pitti Immagine. Un
nuevo tipo de feria se estableció en Florencia que resultó un
ganador inmediato debido a la selección de las propuestas, la
variedad de las colecciones, así como las estrategias
innovadoras e integradas de marketing y comunicación.
Pitti Immagine Uomo durante 1990s

NABA2020/21
Florencia
La personalidad autoritaria y la previsión empresarial de Marco

Rivetti hicieron de Pitti Immagine el líder mundial, una posición
que se fortaleció aún más cuando Mario Boselli asumió el cargo
de presidente en 1995.
Los proyectos de comunicación fueron inspirados por Luigi

Settembrini.
Arriban: Biennale Florencia

Abajo : Arte callejeron en Pitti Immagine
NABA2020/21
Florencia
La Fortezza da Basso se transformó a través de nuevas

estructuras y cuidadosos trabajos de restauración: un moderno
recinto ferial donde las paredes renacentistas, los edificios del siglo
XVIII y los pabellones de alta tecnología se complementaban entre
sí.
La Stazione Leopolda también fue inaugurada, y recibió

espectaculares eventos de comunicación.
Nuevas estructuras en The Fortezza da Basso durante 1990s

NABA2020/21
Florencia
Los ‘2000s
En esta década se registró un crecimiento constante de la venta,

los expositores y los compradores - así como el aumento de la
inversión en servicios, diseños y promoción. Los acontecimientos
de Pitti Immagine se desarrollaron alrededor de un concepto cada
vez más amplio que veía la moda como el corazón y el catalizador
de nuevos estilos de vida cosmopolitas.
Arriba : Entrada de Pitti Uomo en 2000s

Abajo : Super show de Pitti Immagine's en Milan, 2013
NABA2020/21
Florencia
En 2005 Pitti Immagine añadió Touch !, NeoZone y Cloudnine,

una red de espectáculos para la moda femenina, a su cartera de
ferias y exposiciones.
El escenario de estos eventos, celebrado durante la semana de la

moda, es el distrito de Via Tortona en Milán.
La primera edición de Modaprima, la feria internacional de moda

para mujeres, hombres y niños para grandes minoristas, se
celebró en Milán en 2006.
Arriba: Shows de NeoZone y Cloudnine

Abajo: Modaprima en 2011
NABA2020/21
Florencia
"Gusto. In viaggio con le diversità del gusto - hizo su debut en

2006. Cada año esta feria busca la excelencia en vinos italianos y
alimentos que ofrecen degustaciones, mesas redondas y un rico
programa de eventos que se centran en los gustos y alimentos de
calidad.
La feria se une al Guida ai Ristoranti d'Italia de L'Espresso que

fue presentado por primera vez en 2006 por L'espresso y Pitti
Immagine.
Debut de Taste en2006

NABA2020/21
Florencia
El nuevo milenio también ha traído nuevos eventos: Pitti_W-

Woman Precollection, la feria / evento dedicado a las pre
colecciones, un canal privilegiado para el lanzamiento de
proyectos y marcas innovadoras; Y Vintage Selection, la feria
dedicada a la ropa vintage, accesorios y artículos de diseño que
se ha convertido rápidamente en la referencia europea para todo el
mercado vintage.
Stazione Leopolda para espacios contemporáneos en

Florencia en 2001
NABA2020/21
Milán
Milán se convirtió en capital del prêt-à-porter italiano en 1979, cuando, gracias a la iniciativa de Beppe Modenese, ahora Presidente
Honorario de la Cámara Nazionale della Moda Italiana, las marcas de moda decidieron mostrar sus colecciones dentro de un calendario
único, dos veces al año, todos juntos.
Milán también es considerada una capital del diseño con su "Salone del Mobile", la feria internacional anual de mobiliario e interiorismo, la
más importante del mundo. Para la llamada Semana Milanesa del Diseño miles de visitantes, periodistas, compradores y diseñadores
vienen cada año a Milán, cuando la ciudad se parece a una enorme "movida" internacional.
El Quadrilatero della Moda (también conocido como Via MonteNapoleone o "Rectángulo de la Moda") es el lugar para venir a comprar, o
al menos maravillarse con, los últimos estilos de la pasarela. Las casas de moda locales, cuya reputación ahora abarca todo el mundo, a
menudo tienen sus tiendas emblemáticas aquí. Las vitrinas en Quadrilatero della Moda son obras de arte y dentro de un área muy
pequeña encontrará Giorgio Armani, Dolce & Gabbana, Gucci, Moschino, Prada, Versace y muchos más.
NABA2020/21
Milan
En la década de 1970, Milán se convirtió en la capital de la moda

italiana. Había muchas razones para esta supremacía, incluyendo
la ubicación de la ciudad en el corazón de una región que era
hogar de muchas pequeñas y medianas empresas textiles,
fabricantes de prendas de vestir y especialistas en cuero; Un
sistema de crédito bien desarrollado y una amplia red de servicios
e infraestructuras. Las principales revistas italianas de moda y
de mujeres también tenían su sede en Milán, al igual que las
prestigiosas agencias de comunicación y publicidad.
El nacimiento de Milano Collezioni en 1978 - los desfiles de moda

de Milán como los conocemos hoy - fue el resultado de un
complejo proceso histórico.
Show de MODIT en Fiera de Milán, 1980

NABA2020/21
Milán
Colección de Milano en Fiera de Milán, 1983

NABA2020/21
Milán
Fue en éste tiempo que la figura del diseñador de moda comenzó a surgir. El papel del diseñador de moda no debe ser confundido
con el del couturier, o un encargado de un negocio de la ropa. El diseñador de moda se encarga de ejecutar un sistema que
controla la concepción, el desarrollo, la producción y el consumo final del producto.
Su papel es facilitar el paso a una producción planificada, y el pret-a-porter fue el resultado de la unión entre diseñadores -
inicialmente con sede en París como Karl Lagerfeld, Emmanuelle Khanh y Christiane Bailly y luego diseñadores italianos como
Walter Albini, Luciano Soprani y Gianni Versace - con fabricantes de textiles como Basile, Girombelli, Papini, Missoni,
Maramotti, Zanini, Billy Balla y Cose.
En poco tiempo, la necesidad de identificar a las personas que iban a comprar el artículo de vestir concebido, con sus
necesidades específicas y sus rasgos psicológicos y culturales, hizo que los fabricantes de prendas de vestir cada vez más
conscientes de los procesos de comercialización, y promoción a la publicidad y la creación de imágenes. El diseñador fue
llamado a crear una Imagen fuerte, y los elementos que él o ella apalancado para ese fin fueron sacados del espectáculo, las artes
visuales, la música, el diseño gráfico y la fotografía.
NABA2020/21
Milan
Cuando Milano Collezioni fue lanzado en 1978, se establecieron

las principales marcas de moda y se definió claramente el sector
del prêt-à-porter.
El sindicato patronal de la confección, Associazione Industriali

dell'Abbigliamento, había tomado la decisión de moverse a favor
de los desfiles de moda de Milán, confiando a Beppe Modenese,
empresario milanés, la tarea de facilitar las relaciones entre los
fabricantes de ropa y Diseñadores.
Beppe Modenese con diseñadores de modas

Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Milan
La Fiera Campionaria di Milano es una feria que tiene su origen en

la Esposizione nazionale celebrada en la ciudad en 1881 y en la
Feria Mundial de 1906. Creada en 1920, Fiera Milano fue asignada
su ubicación definitiva en Nuova Piazza d'Armi en 1923 .
Decenas de eventos anuales se celebran allí, haciendo hincapié en

la relación entre la creatividad italiana, el diseño y la industria.
El más importante de estos eventos es el Salone internazionale del

mobile, coloquialmente conocido como la Feria del Mueble de Milán.
Teatro de la moda en Fiera Campionaria en 1931

NABA2020/21
Milán
Espectáculo de Italviscosa en Fiera Campionaria , 1948 Anuncios de Montacatini para Fiera di Milano, 1941
Imagen : The Glamour of Italian Fashion Since 1945 Imagen : The Glamour of Italian Fashion Since 1945
NABA2020/21
Milan
Las marcas de diseño buscaron una Imagen definitiva y la

publicidad se convirtió en un instrumento clave en la construcción
del significado de la moda. En este contexto, el campo de la
comunicación se convirtió en crucial. Así, la progresión de la
industria de la moda italiana vio el desarrollo paralelo de
habilidades y profesiones relacionadas.
En 1988, Barbara Vitti, indiscutible campeona de la relación

pública italiana cuyos clientes incluían a Giorgio Armani,
Valentino y Versace, dijo que el éxito de la moda italiana fue "un
boom de ideas”, habilidades profesionales, capacidad industrial y
la humildad de darse cuenta de que talento y la creatividad, tenían
que ser ajustados a los requisitos empresariales.
Barbara Vitti
NABA2020/21
Milan
El personaje principal era el producto. Seguido de cerca por las

personalidades involucradas, lo que habría sido una tontería de no
capitalizar para atraer una mayor atención de los medios de
comunicación ". Según Vitti, la prensa jugó un papel clave en “el
milagro de la moda” italiana y la forma en que finalmente despegó :
"No puede haber un mercado sin comunicación, sin
información".
Al lado de Franco Savorelli di Lauriano y de la antes mencionada

Beppe Modenese, Barbara Vitti fue pionera en convertir las
relaciones públicas y de prensa para las casas de moda en una
carrera a tiempo completo. No completamente desarrollado como
una profesión hasta los años 80, el representante de las relaciones
públicas (PR) era todavía una figura profesional completamente
nueva en los años 60.
Versace, Valentino, Armani y Ferrè

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Milan
En el ámbito de las profesiones relacionadas con la industria de la

moda, los expertos no exclusivos de relaciones públicas llevaban
años desempeñando un papel muy similar al de los agentes de
prensa y prensa de distintas marcas, como Rita Airaghi en Ferré;
Emanuela Schmeidler en Versace; Rossella Mauri en Krizia;
Giovanna Sioli en Missoni; Daniela Giardina en Valentino; Karla
Otto, Carla Buzzi y Antonella Zunino en Dolce & Gabbana y
Marina Fenghi en Curiel, por nombrar sólo algunos. Temidos,
cortejados y muy demandados, estos expertos en comunicaciones
de moda eligieron a Milán como sede.
Rita Airaghi con Gianfranco Ferré, 1982

Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Milán
Barbara Vitti con Valentino Karla Otto

Imagen : The Glamour of Italian Fashion Since 1945 Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Milán
A medida que las formas evolucionan, la publicidad abandona el campo de la seducción para buscar sorpresa. Lo paradójico
crea incongruencias al salir de la norma aceptada, capturando nuestra atención e interés al atraparnos con la guardia baja.
En esta área, Barbara Vitti fue una pionera. Consideremos, por ejemplo, la decisión de Giorgio Armani de anunciar la apertura de
sus tiendas Emporio Armani en 1984 a través de enormes vallas publicitarias, como la de Via dell'Orso en Milán, de un tipo
nunca antes utilizado en la industria de la moda.
Para promover Emporio Armani, su segunda línea, Armani utilizó una herramienta de comunicación tradicionalmente favorecida
para la publicidad de electrodomésticos. Había buscado un lenguaje alternativo para anunciar una gama dirigida a un público
más amplio y joven.
NABA2020/21
Milán
Vallas publcitarias de Armani

Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Milán
Gracias a su capacidad para conectar a los diferentes actores involucrados, las revistas participaron activamente en el
establecimiento del sistema de moda italiano. Las revistas de Italia pueden reclamar una función duradera para cambiar el curso
del consumo de la moda, retrotrayendo indirectamente a las gacetillas del siglo XVIII de derivación francesa y más directamente a
las revistas femeninas de chismes fundadas en Milán en los años treinta.
Esta última incluye Lei, una revista publicada por Rizzoli, que más tarde se llamaría Annabella, luego Anna y que hoy se llama
simplemente A. Reflejando los cambios que están teniendo lugar en la sociedad y especialmente en el papel de las mujeres,
Segunda Guerra Mundial. Habiendo ganado el derecho a votar después de la Primera Guerra Mundial, las mujeres italianas tenían
ahora mayor acceso a la educación superior ya más profesiones.
También se convirtió en el protagonista de una sociedad recién consumista. En las páginas de revistas femeninas y periódicos de
moda los lectores buscaban no sólo escapar sino también consejos prácticos sobre la moda, la belleza, la salud, la cocina y las
relaciones. Milán surgió como la capital de la prensa periódica de Italia; fue también el hogar de las principales editoriales del
país.
NABA2020/21
Milan
Estas casas comenzaron gradualmente un proceso de

concentración que durante los años vio el establecimiento de los
grandes conglomerados editoriales que tenemos hoy, a saber,
RCS Mediagroup, Mondadori, Condé Nast y Hearst (el actual
propietario de revistas originalmente fundadas por Rusconi y más
tarde Hachette).
La década de 1960 vio el nacimiento de títulos como Vogue Italia

y L'Uomo Vogue, Amica y Linea Italiana.
L‘Uomo Vogue
Imagen : L’Uomo Vogue
NABA2020/21
Milán
Linea Italiana Amica, 1968

Imagen : Linea italiana Imagen : Amica
NABA2020/21
Italian cities of fashion
Milan
Una filosofía similar fue compartida por L'Uomo Vogue, que

primero fue publicado en 1967 como suplemento de Vogue Italia
antes de emerger como revista independiente.
En la redacción de la revista, Franco Sartori incluyó a figuras

como el diseñador Chino Bert y el director de arte Flavio
Lucchini, mientras que los fotógrafos Ugo Mulas y Oliviero
Toscani fueron los responsables de la Imagen de la revista.
Flavio Lucchini y Gisella Borioli

Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Milan
L'Uomo Vogue se propuso dar personalidad masculina, un

objetivo que las casas de moda también estaban tratando de lograr
en esos años. Con este fin y para superar los prejuicios, la revista
optó inicialmente por modelos no profesionales, escogidos entre
los grandes nombres del mundo del espectáculo, la política y el
arte, o volviendo a personajes del pasado. El éxito de L'Uomo
Vogue reflejó el de 'Made in Italy', en la medida en que en la
década de 1980, bajo la dirección de Cristina Brigidini, la revista
mensual se había consolidado como punto de referencia
indiscutible para la moda masculina a nivel internacional.
Otra publicación influyente fue Amica, una revista semanal
perteneciente al Corriere della Sera que fue lanzada en 1962.
Oliviero Toscani
Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Hoja complementaria: Milan
Bajo la dirección de Enrico Gramigna, la revista contaba con colaboradores como Flavio Lucchini, la ilustradora Brunetta
Mateldi y el escritor Dino Buzzati. Inicialmente se centró en la moda que era simple, práctico y fácil de usar, antes de Amica se
obligó a transformarse en un vehículo de información y publicidad para las industrias relacionadas con la moda. Mientras que
los artículos dedicados a la alta costura proveían cierto brillo, Amica, sin embargo, siguió manteniendo la nueva filosofía del pret-
a-porter, un ejemplo memorable de que fue una campaña famosa orquestada por cinco expertos en relaciones públicas que
representan cinco marcas diferentes.
El llamado "Grupo de los Cinco", formado por Barbara Vitti, que trabajaba para Hettemarks, Sergio Levi en el Gruppo
Finanziario Tessile de Turín, Gianfranco Bussola en Marzotto, Francesco Balduzzi en Ruggeri y Achille Maramotti, fundador de
Max Mara, En Milán para discutir estrategias de comunicación, las relaciones con las casas editoriales y que las tendencias a
introducir con el fin de fertilizar sus promociones. De una de estas reuniones surgió la decisión de lanzar la moda de los abrigos
rojos en las páginas de Amica: cinco looks diferentes, uno para cada casa de moda.
La campaña promocional fue intensa y los escaparates de todas partes mostraron los abrigos, que se convirtieron ese año en la
prenda a tener. En 1965, Linea Italiana fue fundada por la pequeña editora milanera Aracne, que adquirió un año después
Mondadori, uno de los grupos editoriales más importantes de Italia.
NABA2020/21
Milan
El año 1987 vio el lanzamiento de las ediciones italianas de Marie

Claire y Elle, fundada en Francia en 1937 y 1945
respectivamente. Publicada mensualmente y editada por Vera
Montanari, Marie Claire se dirigió a las mujeres que estaban
activamente involucradas en los cambios que la sociedad italiana
estaba experimentando. Co-publicada en Italia por Hachette y
RCS, Elle fue editada por primera vez por Carla Sozzani y más
tarde por Daniela Giussani. Una revista altamente sofisticada en
términos de contenido e imágenes, se dirigió a una mujer joven,
culta, metropolitana interesada en la moda y la belleza. Gracias
a las sinergias logradas a través de la colaboración con sus
ediciones hermanas internacionales, las dos revistas han sido
notables por su capacidad de anticipar el desarrollo de la moda a
nivel internacional.
Elle – fotografía por Oliviero Toscani, 1989

Imagen : Elle Italia
NABA2020/21
Milan
Desde principios de los años 2000 todas las revistas de moda y de

mujeres han desarrollado su presencia en línea, ya sea a través
de la creación de sitios web, portales, aplicaciones o versiones
descargables de sus publicaciones para ser leídas en una tablet.
Condé Nast publica Style.it, una revista que está disponible

exclusivamente en línea, así como el sitio web de Vogue.it. El blog
de la editora de Vogue Italia, Franca Sozzani, fue un líder del
género.
Blog de Franca Sozzani

Imagen : vogue.it
NABA2020/21
Milan - CNMI
La Cámara Nazionale della Moda Italiana es la Asociación sin

fines de lucro que disciplina, coordina y promueve el desarrollo
de la moda italiana.
La Asociación representa todos los valores culturales más altos de

la moda italiana. Su objetivo es proteger, coordinar y reforzar su
Imagen, tanto en Italia como en el extranjero.
De acuerdo con las disposiciones legales, la Asociación es el

punto de referencia, así como el portavoz preferencial, para todas
las iniciativas nacionales e internacionales destinadas a valorar y
promover el estilo italiano, las costumbres y la moda.
Carlo Capasa, presidente de CNMI

Imagen : cameramoda.it
NABA2020/21
Hoja complementaria: Milan - CNMI
La "Cámara Sindacale della Moda Italiana", fue creada el 11 de junio de 1958, en el Grand Hotel, Via Vittorio Emanuele Orlando
3, Roma. Este fue el precursor del cuerpo que posteriormente se convirtió en la "Cámara Nazionale della Moda Italiana". La sede
de la Asociación se estableció en Roma, provisionalmente en Piazza di Spagna 93.
Los propietarios de los establecimientos de alta costura más importantes de Italia, incluyendo algunos Establecimientos privados,
que en esos días desempeñaron un papel crucial en la promoción de este sector, estuvieron presentes en el Memorando de
Asociación: María Antonelli en Borrello, Roberto Cappucci, Princess Caracciolo Ginnetti, Alberto Fagiani, Giovanni Cesare
Guidi, Germana Marucelli en Calza, Emilio Federico Schuberth, Simonetta Colonna Di Cesarò en Fagiani, Jole Veneziani,
Francesco Borrello, Giovanni Battista Giorgini y el abogado, Pietro Parisio.
La Cámara Sindacale della Moda Italiana se estableció como una asociación apolítica, sin fines de lucro, por un período de 10
años, sujeto a extensión. Sus objetivos eran la protección y el aumento de valor y disciplina de los intereses morales, artísticos y
económicos de las actividades profesionales realizadas por las diferentes categorías de los numerosos sectores de la moda, tanto
hacia las Instituciones Públicas como hacia las demás Asociaciones nacionales y extranjeras .
NABA2020/21
Hoja complementaria: Milan - CNMI
En los primeros meses de 1962, el Centro Romano Alta Moda (Centro de Alta Costura de Roma) creó una organización llamada
"Cámara Nazionale della Moda Italiana", que reflejó más o menos en sus objetivos y estructura , La Asociación ideada por
Giorgini.
Centros de Moda, Instituciones y Cámaras de Comercio fueron invitados al memorando de asociación, con la intención de conferir
de inmediato un carácter oficial a la Asociación y ofrecer al sector la adhesión rápida, unánime y unida de todas las partes
involucradas en la moda italiana ese momento.
La función principal de la Cámara Nazionale delle Moda Italiana iba a ser el órgano de autorregulación al que se adherían
espontáneamente todas las casas de moda. El carácter fragmentario de las diferentes organizaciones que existían en aquellos
días, encontraría una medida de coordinación de esta manera.
TU5
• CATEGORIAS DEL SISTEMA DE LA MODA
• EJERCICIO DE LANZAMIENTO: ANALISIS DE TENDENCIAS
NABA2020/21
TU5 Categorías del sistema de la moda

• Haute Couture • Fast Fashion
• Haute Couture – Ejemplos históricos • Fast Fashion – Historia
• Haute Couture – Historia a través de las imágenes • Mass Market retail: mercado de ventas masivo
• Haute Couture - S/S 2017 • Vintage
• Prêt-à-porter • Segunda mano
• Prêt-à-porter – Historia • Tiendas de caridad
• Prêt-à-porter - Ejemplos históricos • Swap Party – Fiestas de intercambios
• Prêt-à-porter – A/W 2017-18
NABA2020/21
Categorías del sistema de la moda
Haute Couture (alta costura)

El término “Haute couture" es el francés. “Haute" significa "alto" o "elegante". "Couture" significa literalmente "coser", pero se refiere al
negocio de diseñar, crear y vender ropa hecha a medida para mujeres de alta moda.
Las prendas de alta costura son hechas a mano, preciosas por el uso de materiales de alta calidad y son muy caras. La calidad más
importante de la ropa de alta costura es que son absolutamente únicos.
Hoy en día en el mundo sólo 2.000 mujeres compran la alta costura, mientras que durante la Edad de Oro, después de la Segunda Guerra
Mundial, 15.000 mujeres llevaban esa ropa.
Los espectáculos de alta costura son dos veces al año, en enero y en julio en París.
NABA2020/21
La primera exposición de Alta Costura fue en la Exposición

Universal de 1900 en París. Un grupo de prestigiosos talleres,
también Worth y Doucet, presentaron su creación ante una
multitud sorprendida. "París fue, es (y será para siempre) el
destino de quien se postra frente al altar de elegancia, encanto,
lujo y belleza", decía un artículo de ese día.
La Haute Couture francesa fue fundada por un inglés, Charles

Frederick Worth, quien en 1858 abrió su propia casa. Después de
él todos los diseñadores comenzaron a poner la etiqueta en su
ropa.
Charles Frederick Worth, fundador de Haute Couture, 1985

Imagen : fashion-era.com
NABA2020/21
En 1910 se ha fundado la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne con el fin de proteger los derechos de autor. Las marcas
históricas que forman parte de esta Cámara son, por ejemplo, Christian Dior, Chanel, Valentino, Paco Rabanne, Balenciaga y Lanvin.
Para todas estas casas de moda, la ropa personalizada ya no es la principal fuente de ingresos, a menudo cuesta mucho más de lo que
gana a través de ventas directas; sólo añade al aura de la moda a su prendas de pret-a-porter y productos de lujo relacionados como
zapatos y perfumes y licencias de empresas que ganan mayores retornos para la empresa.
NABA2020/21
Versace Atelier en Paris, 2015

Imagen : versace.com
NABA2020/21
La Chambre Syndicale de la Couture Parisienne requiere que este reglamento sea admitido a la Cámara.
• Diseño hecho a la medida para clientes privados, con uno o más accesorios.
• Tener un taller en París que emplea al menos a quince personas a tiempo completo.
• Debe contar con veinte técnicos a tiempo completo en al menos un taller (taller).
• Cada temporada (dos veces al año), presentan una colección a la prensa de París, que comprende por lo menos treinta y cinco
salidas / modelos con conjuntos tanto para el día como para la noche.
NABA2020/21
Christian Dior Atelier en Paris, 2001

Imagen : dior.com
NABA2020/21
Hoja complementaria: Haute Couture (alta costura)

El concepto revolucionario de "Alta Costura" en muchos aspectos fue promovido por la Imagen de París como un "escaparate de
Europa" que fue creado en los años cincuenta del siglo XIX. Las primeras bellezas de las cortes imperiales europeas, entre las que se
encontraba la esposa de Napoleón III, la emperatriz Eugenie y un pionero de la moda, que enloqueció a más de un monarca, Isabel de
Austria, brillaban en las bolas exclusivamente en vestidos firmados por Mr. Worth.
Siendo la quintaesencia de la elegancia parisina chic y la alta costura combina perfectamente ajustado a un corte milimétrico, los tejidos y
materiales más caros con muchas horas de trabajo manual. Es toda una filosofía y una cultura de vestimenta para un círculo estrecho
de los escogidos, no superando varios cientos de clientes en todo el mundo.
Los nombres de los diseñadores de alta costura son familiares incluso para personas muy distantes del mundo de la moda: incluyen a
genios tan conocidos como Yves Sain Laurent, Pierre Cardin, Thierry Mugler, Emanuel Ungaro, Christian Lacroix y Jean-Paul
Gaultier. El estilo de cada uno es único, y su trabajo a veces limita con el arte puro.
La Alta Costura es un cuento de encaje etéreo, gasa fluida, satén brillante, seda diáfana y terciopelo delicado, que nos permite soñar con
la belleza inaccesible y el romance eternamente joven.
NABA2020/21
Lesage Atelier en Paris, 1988

Imagen : lesage-paris.com
NABA2020/21
Hoja de trabajo complementaria: Haute Couture (alta

costura)
No todos los diseñadores de moda pueden producir una colección de alta costura. Tienen que obtener un permiso oficial de la Cámara
Sindical de Alta Costura, que tiene su sede en París. Según el acuerdo, los diseñadores tienen que mostrar sus colecciones dos veces al
año y no menos de 35 atuendos en una colección. Esa regla hace que la colección Couture sea más deseable.
El tiempo cambia y con ello evoluciona el concepto de alta costura. "Alta Moda" se transforma en un vector que indica la dirección de la
moda en general y las líneas comerciales de prêt-à-porter en particular.
Permite a los diseñadores experimentar con nuevas técnicas y materiales, manteniendo la exclusividad de los modelos. Aún siendo un
privilegio exclusivo de los ricos, las prendas de alta costura se vuelven más realistas: además de pura estética, se vuelven prácticas.
Ahora este vestido no sólo puede colgar en un estante para ser admirado de vez en cuando, pero también se puede usar en ocasiones
especiales y ni siquiera una vez.
Y la escena de alta costura de París es ahora reinado por los nuevos reyes de la alta costura, que están reemplazando a los maestros del
siglo pasado: son jóvenes, talentosos y ambiciosos, son la "nueva ola".
NABA2020/21
El precio de las creaciones de alta costura depende de muchos

factores, como la popularidad de la marca, la sofisticación del
diseño y así sucesivamente, pero, a decir verdad, difícilmente
encontrará una cosa, más barato que £ 10,000.
Como regla, el precio cada artículo va arriba de £ 50.000.
Aquí tratamos de estatus y lujo, exclusividad y diseño innovador,

no con una suma de dinero.
Por ejemplo, Chanel casa de alta costura tiene más de 150

clientes regulares.
Zuhair Murad Haute Couture Primavera 2016

Imagen : vogue.com
NABA2020/21
Categorías del sistema de moda
Hoja Complementaria
Haute Couture – Ejemplos históricos
A mediados del siglo XIX se produjo el nacimiento simultáneo de la

alta costura, la fotografía y el arte moderno.
Para las mujeres de la aristocracia, así como para la burguesía

aspirante, las tres artes proporcionaron un nuevo mundo de
expectación y auto satisfacción.
Virginia Oldoini, condesa Castiglione, era un voraz cliente tanto de

alta costura como de fotografía, adquiriendo moda de las nuevas
casas de alta costura de Worth y Pingat. La Imagen alterada
sugiere además la intervención del cliente.
Pierre-Louis Pierson
Imagen : metmuseum.org
NABA2020/21
Categorías del sistema de moda
Hoja Complementaria
In instances of the elaborate patterns à la disposition, woven to

ultimate configuration as a dress, the House of Worth created with
great invention.
Moreover, the textile is so rich and dense that the couturier has
allowed the selvage, as thick as grosgrain ribbon, to be its own
finish, embellished with silver beads and crystal embroidery.
In this decision, the couture garment expresses a startling truth to its
process, yet without mitigating its sumptuous effect.
Jean-Philippe Worth
Imagen: metmuseum.org
NABA2020/21
Categoría del sistema de la moda
Hoja Complementaria
En la década de 1910, Poiret introdujo una sensibilidad de

vanguardia en la alta costura. Su afición por los gestos opulentos,
tejidos exuberantes, pieles y plumas era parte de su grandiosa
“Gesamtkunstwerk”, inspirada en la etapa y la extravagancia
orientalista.
También era capaz de diseñar ropa más tenue. En el caso de esta

capa de día, el cuero de los apliques era cortado en filigrana
delicada y esculpido a mano sobre la lana para crear una gráfico
enrejado de blanco sobre negro. La silueta cilíndrica y el collar de
pie sugieren inspiración de las túnicas o abrigos chinos o de Oriente
Próximo.
Paul Poiret
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Tanto el arte como la alta costura se han asociado erróneamente

con la disposición soberana. Pero la alta costura también ha estado
condicionada a la relación entre las ideas de alta costura y la
voluntad del cliente. Un cliente que busca un perfil recatado podría
pedir un diseño de escote específico, mientras que otro podría exigir
una alternativa.
Un diseñador permitiría la variación sólo en los módulos, pero una

prenda de alta costura a menudo se convierte en una sinergia de
cliente y diseñador.
Jeanne Lanvin
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Patou construyó un traje a medida como si fuera un rompecabezas.

Formado como un traje de gabardina con todas las piezas del
patrón totalmente construidas, los diamantes de seda “grosgrain”
fueron insertados en sustitución de los cuadros de gabardina.
Cada diamante está compuesto de cuatro elementos. Con esta

técnica analítica, el traje está concebido integralmente y el frente del
traje revela la lana como una envolvente completo.
Jean Patou
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Este vestido de lamé rosa pálido y encaje de seda negro aplicado

con terciopelo de seda negro es de la colección personal de
Monda Bismarck.
La socialite americana Mona Strader nació en Louisville, Kentucky.

En 1917, Strader se casó con Henry Schlesinger, un hombre de
negocios de Milwaukee. Ese matrimonio terminó en divorcio tres
años después. Después de un segundo matrimonio en 1924, con
James Irving Bush (“el hombre más guapo de América”), que
también terminó en divorcio, se casó con Harrison Williams, un
financiero y multimillonario de Ohio.
Madeleine Vionnet
NABA2020/21
Hoja Complementaria
En 1947, Christian Dior presentó una colección de diseños con

cintura de abedul y con acolchado de cadera. La prensa
norteamericana lo llamó inmediatamente el "New Look“, la cual fue
un repudio de los estilos de los años 20 y 30, y también estaba
claramente en deuda con los estilos y formadores de cuerpo de
finales del siglo XIX.
"The Bar Suit" fue considerado como el modelo más emblemático

de la colección, manifestando todos los atributos del atavismo
dramático de Dior.
Christian Dior
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Conocido por sus vestidos halagadores para la cena partió de la

cabeza y los hombros creando un escote audaz, Fath creó un
corpiño exterior bordado sobre un modesto de raso de marfil.
El plano extendido del corpiño exterior es como las formas altísimas

de los edificios de Saarinen, estableciendo un artificio dentro del
canon de la moderación modernista. Fath jugaba con el contraste:
mate y brillante, de marfil y negro, de piel blanca y lingotes de
oro, como un rico perímetro textural para el vestido.
Jacques Fath
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Grès, trabajando más temprano como Alix, creó vestidos en hilados

de tela, cuyas diversas estrías servían en el cuerpo como la entasis
de una columna clásica.
Juntando la tela de manera vertical para que sea continuo desde el

dobladillo hasta el escote, Grès plisaba y doblaba los materiales en
una forma adecuada para el cuerpo: la misma tela era boyante y
fluida cuando la liberación de pliegue de la cintura iba para abajo.
Ella simulba una costura de la cintura, que apretada y que continúa
a través del corpiño, coronando el vestido con volutas y giros.
.
Madame Grès
NABA2020/21
Hoja Complementaria
El coral con los granos de cristal a juego se aplica en alto relieve en

la armadura de una silueta minimalista de Givenchy. Un vestido de
la corte-princesa que roza el torso, pero que flamea al dobladillo, es
casi severo, pero es un trabajo rococó y adornado por el tratamiento
superficial.
El rasgo especial de Givenchy era encontrar un equilibrio entre el

exceso y el reductivo. Una forma austera apoya un bordado
fuertemente incrustado, haciendo un vestido que funciona tanto
como una extravagancia y como un diseño espartano.
Hubert de Givenchy
NABA2020/21
Hoja Complementaria
A medida que el vestido de saco evolucionó en la década de 1960

en una forma modificada, el cambio, Saint Laurent se dio cuenta de
que la planaridad del vestido era un campo ideal para bloques de
color. Conociendo los planos de los lienzos de los años sesenta
alcanzados por artistas contemporáneos del linaje de Mondrian,
Saint Laurent hizo el caso histórico de la sensibilidad artística de su
tiempo.
Sin embargo, también demostró una hazaña de la confección,

colocando en cada bloque de jersey, armando con el fin de crear la
unión del orden de Mondrian y para acomodar el cuerpo
imperceptiblemente ocultando toda la conformación en la rejilla de
costuras.
Yves Saint Laurent
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Cuando el último decreto absoluto de la moda entró en su fase final,

las faldas se volvieron cada vez más cortas hasta que se
convirtieron en pantalones cortos o, en la frase del día,
pantalones mini o “hot pants”. En un traje sastre con leggings a
juego, el tejido elástico ha sido aplicado a mano con trenza blanca.
En el tumulto apasionado por la juventud de la época, había un

equívoco entre la superestrella Warhol y cliente de alta costura.
Como autoconscientemente insurreccional como es el gesto político,
el arte de la prenda es, como el "little black dress“ (pequeño
vestido negro), tradicional de Chanel.
Emanuel Ungaro
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Las plumas de este vestido se desnudan hasta la punta para crear

un perfil artificial. Indicativo de la alta costura en la búsqueda de
una mejora incluso en la naturaleza, estas plumas artificiales
elaboran sobre la forma natural de las plumas para crear un artificio
consciente de sí mismo.
Las plumas más cortas se han anclado en un patrón de vieira que se

superpone a imitar una escala o capa en la naturaleza, pero no hay
ningún elemento dejado al azar oa la falta de cuidado de la
naturaleza. Las plumas más largas se fijan en el tallo para hacer el
vestido tremblante y animado.
Hubert de Givenchy
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Entre las piezas más espectaculares de la colección de 1983-84 de

otoño/invierno de Yves Saint Laurent de la alta costura es esta
capa dramática que originalmente se muestra sobre una columna
negra simple.
En una referencia directa a los voluminosos trajes de noche de la
época de oro de la alta costura de posguerra, la versión Saint
Laurent de faille de seda pesada fusiona el suntuoso romanticismo
de Christian Dior y el drama escultórico de Cristóbal Balenciaga.
Esta capa, con su cuello de polarización que se extiende en los

lazos delanteros, se puede usar cerca del cuello o cayendo de la
parte posterior y de los hombros como fue preferido por el cliente
dégagée Nan Kempner.
Yves Saint Laurent

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Aunque fue conocido por su vestido de puf inspirado en el siglo

XVIII, Lacroix hizo la versión más inflada del vestido sólo cuando
era el diseñador de Patou. Allí y en su propia casa, Lacroix combina
el lujo y la insouciencia, enamorado como él de todos los oficios
artesanales, franjas, cuentas, bordados, etc.
La opulencia de Lacroix se logra por su fuerte sentido de vibrante

color y mezcla de patrones exacerbada por su voluntad de llamar a
todas las oportunidades de la técnica de alta costura.
Christian Lacroix
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Poniendo las tareas más complejas y concentradas para la

experiencia de los talleres de alta costura, Versace aquí trajo satén
en trapunto en conjunción inmediata con encajes plisados.
Aunque el encaje con su elasticidad y suavidad se suele trabajar
como un panel plano, Versace lo arrugó en pliegues estrechos y le
encantó aplicar un segundo efecto inesperado sobre un privilegio
técnico de la alta costura.
Siempre inclinado, incluso en su prêt-à-porter, para desafiar las

posibilidades del medio, el trabajo de alta costura de Versace
convocó sus propias pruebas de técnica.
Gianni Versace
NABA2020/21
Alta costura - Una

historia a través de
imágenes
Chanel O/I 1995-96

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alta costura - Una

imágenes
Christian Lacroix, 1987 Gianni Versace, 1995

NABA2020/21
Alta costura - Una

imágenes
Valentino, 1995 Christian Dior, 1996

NABA2020/21
Alta costura - Una

imágenes
Christan Dior, 1996 Yves Saint Laurent, 1997

NABA2020/21
Alta costura - Una

imágenes
Yves Saint Laurent, 1997 Gianni Versace, 1997

NABA2020/21
Alta costura - Una historia a través de imágenes
Jean-Paul Gaultier, 2004 John Galliano for Christian Dior, 2004

NABA2020/21
Alta costura - O/I 2020-21
Alexandre Vauthier Alexandre Vauthier

NABA2020/21

NABA2020/21

NABA2020/21
Balmain Couture Balmain Couture

NABA2020/21

NABA2020/21

NABA2020/21
Chanel Chanel
NABA2020/21
Chanel Chanel
NABA2020/21
Chanel Chanel
NABA2020/21
Christian Dior Christian Dior

NABA2020/21

NABA2020/21

NABA2020/21

NABA2020/21
Categoría del sistema de moda
Bespoke
Bespoke es una palabra inglesa que significa un artículo de ropa

hecho a la especificación de un comprador (personalizado o
adaptado). Mientras que el término se aplica históricamente sólo a
la ropa hecha a medida por los hombres, ahora generalmente
incluye calzado y otras prendas de vestir, lo que implica la
medición y ajuste.
La palabra se expresa a sí misma deriva del verbo decir, “hablar

por algo”, en el significado especializado “dar orden para que se
haga”. El término a medida en la moda está reservado para la
ropa masculina modelada y confeccionada individualmente,
análoga a la alta costura de las mujeres, en contraste con el ready-
to-wear fabricado en masa.
Bespoke suit
NABA2020/21
Hecho sobre medida
La distinción hecha aquí de bespoke, creado sin el uso de un

patrón preexistente, y hecho a medida, que altera un patrón del
tamaño estándar para quedarle perfecto a el cliente.
Ralph Lauren Hecho a la Medida

Imagen: ralphlauren.com
NABA2020/21
Prêt-à-porter (Listo para usar)

‘‘Prêt-à-porter’’, es un término francés que significa “listo para usar”, Se extendió en los años cincuenta como un equilibrio entre la alta
costura y las colecciones baratas. Esta es una buena oportunidad para una amplia gama de personas a usar ropa de diseñadores
vendidos en gran escala.
El Prêt-à-porter permite a la gente soñar con la ropa que ven en hermosas modelos de los desfiles de moda.
A partir de los años cincuenta las casas de moda más prestigiosas abren las puertas al público, produciendo ropa única y bella ropa en
tamaños estándar, vendiéndolas en precios accesibles a un gran público.
Prêt-à-porter trajo al sistema de moda una gran revolución ya que por primera vez se crean en serie prendas y complementos, que se
produjeron primero según las mediciones del cliente.
Las Colecciónes y desfiles de moda nacieron con el prêt-à-porter, con ellos también los medios de comunicación masivos.
NABA2020/21

Prêt-à-porter las semanas de la moda tienen lugar en toda la ciudad, y las más destacadas son Londres, Nueva York, Milán y París.
Las semanas de la manera sepresentan dos veces al año:
•Los espectáculos de Otoño / Invierno (OI) se llevan a cabo en febrero
•Las colecciones Primavera / Verano (PV) se muestran en septiembre
NABA2020/21
Prêt-à-porter (Listo para usar) - Historia
‘‘Mi Prèt-à-porter’’ Feria de Milán, 2009

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Durante la guerra civil (1861 - 1865), los fabricantes comenzaron a construir las fábricas que podrían resolver eficientemente las
demandas crecientes de la ropa militar. Antes de eso, abrigos y chaquetas estaban disponibles en tamaños predeterminados, pero su
variedad era limitada. La mayoría de la ropa era hecha por sastres o en casa, por individuos y miembros de su familia.
Esta producción en masa de uniformes sólo fue posible debido al desarrollo de patrones de tamaño estándar. Cuando el conflicto
terminó, estas mediciones se utilizaron para crear las primeras escalas comerciales para los hombres.
La producción en masa femenina, por otra parte, se desarrolló lentamente. Hasta los años 20, los trajes de las mujeres eran todavía por
encargo.
Desde la revolución industrial, en el siglo XVIII, la maquinaria tomó el lugar del trabajo manual tradicional. Al mismo tiempo, la
producción masiva de libros difundió conocimientos a través de todas las clases sociales, y el poder del “savoir faire” ya no era un privilegio
de pocos.
La invención del telégrafo en 1848 y la instalación del primer cable oceánico en 1864 revolucionaron el comercio y la sociedad,
convirtiendo el intercambio de información casi instantáneo.
NABA2020/21
La demanda de producción en masa aumentó, y la monarquía

perdió su poder monetario para los ricos empleadores
industriales. Las fronteras entre la elite y la masa se
desdibujaban, y la realeza no conducía a la palabra final en la
moda - o en cualquier otra cosa.
A finales de este siglo, aparecieron las primeras revistas de moda

dedicadas, como la francesa “La Mode Illustrée”, la Británica
“Lady’s Realm” (el Reino de la Señora) y la estadounidense
“Godey’s Lady’s Book” (Señora de Godey.)
La publicidad en revistas se convirtió en una importante

herramienta de marketing para la industria de la moda.
“La Mode Illustrée”

NABA2020/21

Las revistas de moda, la publicidad, el desarrollo de las máquinas de coser y los grandes almacenes contribuyeron al establecimiento
del Prêt à Porter femenino, o listo para usar. En conjunto, estos cambios desempeñaron un papel importante en la democratización de la
moda en la era moderna.
Los vestidos confeccionados se consideraban modernos y de moda en un momento en que la industria estaba redefiniendo la forma en
que los consumidores veían los productos manufacturados en masa. En lugar de ver la compra de ropa producida en serie como una
pérdida de la individualidad, las mujeres comenzaron a aceptar las piezas de moda ya hechas como artículos convenientes, asequibles y
actualizados que podrían ser reemplazados fácilmente a medida que cambiaban los estilos.
Antes de Prêt à Porter, la mayoría de los adultos de la clase media podían pasar 10 años usando la misma camisa, la renovación de piezas
era mucho menos frecuente que la de hoy. Pedir algo a un sastre era caro y requería paciencia.
NABA2020/21
Ready to wear o Listo para llevar, desde este punto de vista,

funcionaba como una aproximación entre la élite y las clases de
masas. Desde que se estableció, sólo se hizo más pequeña la
brecha entre una tendencia establecida y la mayoría de la
población comienza a usarlo.
Algunos diseñadores trabajaron para transformar el listo para

usar de una copia más asequible de la ropa de la elite en algo
deseable y con su propia identidad.
Una escena de la pelicula “Belle du Jour » (1967)

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Prêt-à-porter (Listo para usar) - Ejemplos Históricos
Este vestido de noche data del año de las inundaciones florentinas

que aniquiló un número significativo de pequeñas tiendas italianas a
la medida.
Pucci mismo afirmó haber perdido más de un millón de dólares en
suministros de tela por sí solo.
Sin embargo, el período de su nacimiento, el diseño magistralmente

representa la estética de Pucci plenamente realizada,
yuxtaponiendo glamour abierto con elegancia deportiva.
Emilio Pucci
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Patrones típicos de Missoni como rayas, geometría y florales

abstractos se ejecutan en colores caleidoscópicos y proporcionan
un chic atemporal, que se dice que ha sido la esencia de la intención
de los Missonis.
Missoni
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Giorgio Armani entró a el prêt-à-porter a mediados de los años

setenta y casi instantáneamente inventó la estética andrógina y
minimalista por la que ha sido celebrado durante los últimos treinta
años.
Esta pieza fue diseñada en 1979, el mismo año en que Giorgio

Armani recibió el premio Neiman Marcus Fashion Award por
traducir las lujosas telas y los recortes sutiles de sus colecciones de
pistas de aterrizaje a las masas consumidoras en todo el mundo.
Giorgio Armani
NABA2020/21
Hoja Complementaria
La pasión de Versace por Andy Warhol fue alimentada, como relató

el diseñador, por uno de sus primeros viajes a Nueva York y su
asociación de Warhol con la sociedad mediática, una animada
escena artística, la apreciación del arte y el diseño y la síntesis del
arte y la vida que Warhol habia practicado y que fue personificado
por la fábrica.
Versace, el gran observador de los detalles culturales, vio a

Warhol como un alma gemela. No es casualidad que los vestidos de
Warhol aparezcan en la misma colección que los vestidos de
“Vogue”. En cada caso, el diseñador asumió la cultura mediática y
visual.
Gianni Versace
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Esta pieza muestra la impresionante sencillez de un jersey blanco

drapeado, sin embargo, los recortes del estómago permiten el
atractivo sexual crudo que se ha vinculado a la estética de Tom
Ford.
El gran cinturón de bronce es un claro homenaje a las raíces de la

compañía en la producción de equipaje y bolsos.
Gucci
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Con esta pieza, Dolce & Gabbana suelen exhibir una dramática
línea de desgaste de la tarde del siglo XX, aludiendo a la
ostentación de las artes decorativas europeas del siglo XVIII.
Vestidos de seda pintados a mano fueron el ultra plus del siglo
XVIII; Este vestido perpetúa este arte exclusivo empleando la
inversión de un campo negro.
Dolce & Gabbana ha sido considerada neorrealista por la prensa de

moda por sus influencias callejeras, pero esta opulenta prenda
con su pintura acrílica de bajo relieve encarna los elementos
fantásticos de la decoración y exhibe una adhesión a las célebres
formas de la costura del siglo XX.
Dolce & Gabbana

NABA2020/21
Hoja Complementaria
Este conjunto marrón y blanco de tweed falso y algodón con borde

de piel marrón es también distintivo por su procedencia, ya que
pertenecía a Holly Brubach, un editor de moda prominente.
Prada
NABA2020/21
Prêt-à-porter – O/I 2020-21
Simone Rocha - A/W 2020-21, Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Erdem - A/W 2020-21, Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Christopher Kane - A/W 2020-21, Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Mulberry - A/W 2020-21, Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Ports 1961 - A/W 2020-21, Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Roksanda - A/W 2020-21, Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Burberry - A/W 2020-21, Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Prada - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Gucci - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Moschino - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Fendi - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Bottega Veneta - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Antonio Marras - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Max Mara - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Jil Sander - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
No. 21 - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Missoni - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Versace - A/W 2020-21, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Victoria Beckham - A/W 2020-21, Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Proenza Schouler - A/W 2020-21, NewYork

Imagen: vogue.com
NABA2020/21

Thom Browne - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Marc Jacobs - A/W 2020-21, NewYork

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Altuzarra - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Coach - A/W 2020-21, NewYork

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Zimmermann - A/W 2020-21, NewYork

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Michael Kors - A/W 2020-21, NewYork

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Dries Van Noten - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alexander McQueen - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Christian Dior - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Balenciaga - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Stella McCartney - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Valentino - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Céline - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Chloé - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Lemaire - A/W 2020-21, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Prêt-à-porter – P/V 2021 Moda Masculina
Ermenegildo Zegna - S/S 2021, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Jil Sander - S/S 2021, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Etro - S/S 2021, Milan

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Dior Men - S/S 2021, Paris

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Lanvin - S/S 2021, NewYork

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Rick Owens - S/S 2021, NewYork

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
“Fast fashion” / Moda Rapida

La moda rápida es un fenómeno nacido en los años 90 y una de las primeras marcas que lo hizo fue United Colors of Benetton. Benetton
solía montar una ropa básica con diferentes colores brillantes.
Hoy en día, las marcas de moda rápida reproducen las “tendencias de la temporada”, que se ven en las pasarelas y las venden con un
premio accesible. Al final del año sale que tienen 10/12 colecciones.
Las marcas de moda rápida más famosas son Zara, H & M, Forever 21 y la marca japonesa Uniqlo.
El secreto de las marcas de moda rápida es la oportunidad de pasar de la idea de prendas de vestir a la realización en diez días o menos,
para que puedan cambiar sus ventanas y productos muy
NABA2020/21
Hoja Complementaria
“Fast fashion” / Moda Rapida
El concepto de moda rápida es ampliamente considerado como un concepto bastante nuevo que se originó de marcas como Zara capaz
de vender las tendencias a una velocidad récord a precios asequibles, pero la moda rápida o "fast fashion”; es realmente sólo un término
dado a un sistema de producción en constante evolución que ha estado ganando impulso desde 1800.
Las tendencias de la moda comenzaron a moverse a una velocidad vertiginosa en los años sesenta, cuando los jóvenes adoptaron ropa
barata para seguir estas nuevas tendencias y rechazar las tradiciones vestimentarias de las generaciones mayores. Pronto, las marcas
de moda tenían que encontrar maneras de mantenerse al día con esta creciente demanda de ropa asequible, lo que provocó la apertura de
masivas fábricas textiles en todo el mundo en desarrollo, lo que permitió a las empresas estadounidenses y europeas ahorrar millones
de dólares mediante la subcontratación de su mano de obra.
Pero, ¿quién se convirtió en la primera verdadera “moda rápida”, minorista? La respuesta no es muy clara, ya que muchas de las
empresas que conocemos como líderes en la industria de hoy, incluyendo Zara, H & M, TopShop y Primark, comenzaron como tiendas
más pequeñas en Europa alrededor de mediados del siglo XX. Todos ellos se centraron en la ropa asequible de moda, eventualmente se
expandió en Europa, e infiltraron el mercado americano en algún momento en los años 90 o los años 2000.
NABA2020/21
Hoja complementaria
“Fast fashion” / Moda
Rapida - Historia
Tienda Zara
Imagen: zara.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Rapida - Historia
Tienda H&M
Imagen: hm.com
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Fast fashion” / Moda Rapida - Historia
Aunque es difícil señalar los orígenes de la moda rápida como la conocemos hoy en día, es fácil entender cómo el fenómeno se dio
cuenta. A finales de los años noventa y principios de los años 2000, se hizo cada vez más aceptable (y deseable) hacer alarde de su
amor por la moda de bajo costo, y visto como especialmente hábil para poder mezclar la moda alta y baja con aplomo. Cuando el primer
lugar de H & M en los Estados Unidos se abrió en abril de 2000, el New York Times escribió que el minorista había llegado en el momento
adecuado, ya que los consumidores acababan de caer en busca de gangas y despedir tiendas por departamentos, y las “Chicas querían
pagar menos”.
Marcas de moda rápida recientemente recibieron una señal de alto perfil, cuando actrices principales como Kate Middleton y Michelle
Obama se les ha visto en vestidos en tiendas como Zara y H & M.
El abrazo de la “moda desechable” de mujeres tan prominentes habría sido inaudito hace apenas unas décadas, pero habla de la
“democratización de la moda” permitida por la producción en masa, permitiendo a más personas comunicarse a través de la ropa sin
importar sus antecedentes sociales y económicos.
NABA2020/21
Hoja Complementaria
Rapida - Historia
Tinda TopShop en Londres

Imagen: topshop.com
NABA2020/21
Venta al por menor

Un minorista de mercado masivo es una empresa que vende productos de precio asequible que atraen a una amplia variedad de
consumidores.
Los minoristas del mercado masivo no son necesariamente conocidos por la venta de mercancías duraderas y de alta calidad o por tener
un servicio excepcional al cliente, pero sí cumplen con los deseos y necesidades de los consumidores, a precios razonables.
NABA2020/21
Venta al por menor
Publicidad Irónica de Carrefour

Imagen: carrefour.it
NABA2020/21
VINTAGE
El “Vintage” viene de la palabra británica para “vintage wine “ (un vino de la vendimia, por lo tanto un precioso), y se refiere a piezas de
ropa que se remonta a partir de los años 20 a los años 80. Si se remonta a antes de 1920, se llama “antigüedad”, mientras que si se
remonta a los años 80, simplemente lo llamamos “viejo”. Por otra parte, por el contrario, se refiere al bien usado. Hoy en día, Italia puede
presumir el récord de uno de los mercados de exposiciones más importantes de Europa: el “Fashion Next Vintage Show” en el Castello
di Belgioioso, Pavía.
Los mercados y lugares para comprar productos antiguos o “vintage” son: Milán, las pequeñas boutiques de Alzaia y de Ripa del Naviglio
Grande, así como de Corso di Porta Ticinese.
En Roma, se puede caminar a lo largo de Via del Gobierno Vecchio, o llegar a los mercados de Porta Portese, de Porta Maggiore y de
Tarquinio Prisco.
En Londres, un destino imperdible es el legendario mercado de Portobello Road, junto con sus talleres circundantes.
En París, tienes que visitar las tiendas originales situadas en el cuarto distrito, y echar un vistazo a la mercadillo en Porte de Vanves.
NABA2020/21
Vintage
Hablando en términos generales, la ropa que se produjo antes de

la década de 1920 se conoce como ropa y ropa de época de los
años 20 a 20 años antes de la época actual se considera
“vintage”. Retro, corto para la retrospectiva, o “estilo vintage”,
por lo general se refiere a la ropa que imita el estilo de una era
anterior.
La reproducción, o repro, la ropa es una copia recién hecha, de

una prenda más vieja. La ropa producida más recientemente se
llama generalmente moda moderna o contemporánea.
«Moda Vintage» portada

NABA2020/21
Vintage
Milano «semana Vintage»

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Prendas de segunda mano
Un objeto o prenda de segunda mano o usado es aquel que está

siendo comprado o transferido de otra manera a un segundo
usuario o usuario final.
Los bienes de segunda mano pueden beneficiar al comprador ya

que el precio pagado es menor que los mismos artículos
comprados nuevos.
Bivio, Tienda de segunda mano en milan

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Tiendas de caridad
Las tiendas de caridad son un tipo de empresa social.
Por lo general, venden productos usados principalmente

donados por miembros del público, y suelen contar con personal
de voluntarios. Debido a que los artículos para la venta se
obtuvieron de forma gratuita, y los costos de negocios son bajos,
los artículos se pueden vender a precios competitivos.
Una vez que se pagan los costos, todos los ingresos restantes de
las ventas se usan de acuerdo con el propósito caritativo
declarado de la organización.
Humana tienda de caridad de Milan

Imagen: humanaitalia.org
NABA2020/21
“Swap Party” - Intercambios
Tendremos cambio de ropa!!!
Como un “baratto”: para intercambiar (una cosa) por otra.
Fiesta de Intercambio Tipico

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
TU5 Ejercicio 4 de Lanzamiento: Análisis: Tendencia principal
Para la próxima TU, los estudiantes tienen que tomar fotos de los escaparates de las tiendas de las marcas y diseñadores, más famosas
y analizar las tendencias más importantes de la temporada.
Los estudiantes tienen que:
• Divida las fotos tomadas en 4-5 tendencias principales
• Elegir 5-7 fotos para cada tendencia
• Escribir un texto corto con una descripción de cada tendencia
• Hacer una presentación a la clase
Si en su ciudad no hay suficientes centros comerciales internacionales o boutiques, los estudiantes pueden utilizar para este ejercicio
fotografías de desfiles de moda tomadas de www.vogue.com/fashion-shows y analizar las tendencias más importantes de la temporada.
NABA2020/21
TU5 Ejercicio 4 de Lanzamiento: Análisis: Tendencia principal - MUESTRA
TÍTULO DE LA TENDENCIA: Vibras de los 70’s
DESCRIPCIÓN DE LA TENDENCIA: Las figuras geometrías juguetonas evocan el diseño de los años 70, una mezcla de formas intrépidas y de
elementos gráficos, de impresiones y de modelos que se combinan con los elementos constructivos del artículo. La armonía estética sofisticada
teñida con beige y avellana se convierte en la base para combinaciones con negro, amarillos y “burgundies”.
NABA2020/21
TU5 Ejercicio 4 de Lanzamiento: Análisis: Tendencia principal
Al principio de la TU 8 cada estudiante necesita presentar;
a. Las tendencias elegidas: la descripción de la tendencia

b. ¿Cuáles son los principales elementos de estas tendencias?
c. En qué marcas son visibles
TU6
• “MADE IN ITALY” (HEHCO EN ITALIA): DISEÑADORES ITALIANOS - PARTE 1
NABA2020/21
TU6 Hecho en Italia: diseñadores italianos - Parte 1

• Prada • Mario Prada
• Fendi • Miuccia Prada
• Salvatore Ferragamo • Patrizio Bertelli
• Missoni • Miu Miu
• Gianfranco Ferré • Karl Lagerfeld
• Angela Missoni
• Dior
NABA2020/21
Hecho en Italia: diseñadores italianos - Parte 1
Prada
Logo de Prada
Imagen: pradagroup.com
NABA2020/21
Prada
Fratelli Prada se estableció como proveedor de artículos de

cuero de alta calidad y artículos importados en Milán, Italia, en
1913, por Mario Prada y su hermano.
Durante la mayor parte de este siglo, a los clientes ricos se les

ofrecieron las exigencias de la buena vida, en una atmósfera
inmersa en la refinada opulencia de la boutique Galleria Vittorio
Emanuele de Milán.
El fundador Mario Prada

NABA2020/21
Prada
La tienda Prada en la Galeria Vittorio Emanuele Milan

NABA2020/21
Prada
Atraída a estos mismos aspectos pero integrando su propia

filosofía de diseño, su nieta, Miuccia Prada, procedió a
enriquecer y ampliar este legado heredado en 1978.
Inicialmente había rechazado cualquier implicación con el negocio

familiar como algo menos importante que los objetivos que se
había propuesto. Recibió una licenciatura en ciencias políticas,
seguida de un período de estudio en mímica en el “Teatro
Piccolo de Milan” en preparación para una carrera en la
actuación.
Miuccia Prada
NABA2020/21
Prada
Equipaje histórico de Prada, “clutches”, peines y cepillos

hechos de marfil, seda, concha y cuero.
NABA2020/21
Prada
Las convicciones personales de Miuccia y este aspecto serio de

su educación probablemente se atribuyen a su creencia de que las
mujeres son diseñadoras de éxito porque la ropa de hoy debe
expresar lo que muchas mujeres sienten profundamente.
Esta filosofía ha dado como resultado ropa que no se preocupa

por el atractivo sexual. Lo que parece ser un diseño moderado
sorprendentemente se siente excepcional en el cuerpo.
Panel de inspiración de Miuccia Prada

NABA2020/21
Prada
Estudios de Miuccia Prada sobre la evolución de

moda femenina
NABA2020/21
Prada
En los años ochenta, Miuccia Prada, con su especial atención a

las prendas de vestir, accesorios y calzado, comenzó a
desarrollar y comercializar una línea innovadora de accesorios
de moda eventualmente seguida por una línea de prendas
“ready-to-wear “ y calzado.
En un artículo de revista, fue citado diciendo que sus diseños

tenían libertad de movimiento, libertad de definición y libertad
de constricción. Los bohemios, los vanguardistas, los
“beatniks” habían sido motivos constantes en sus diseños.
Prada Campaña O/I 1992-93

NABA2020/21
Prada
Ella fue una de las primeras en producir una mochila práctica,

ligera de nylon y otras bolsas de mano del mismo material
impermeable.
Despreciando la estación y la ocasión, el metal estampó el

logotipo de Prada y la paleta brillante combinó las borlas y el
ajuste de cuero. Negro fue, sin duda, la elección con estilo.
Miuccia ha declarado que no se centra en inventar, sino que

repensar las tradiciones de la empresa de una manera diferente,
“Creo que cada forma es un arquetipo del pasado”.
El icónico “Rucksack backpack” de Prada, 1980-89

NABA2020/21
Prada
Estilo Prada
NABA2020/21
Prada
En su sede milanesa, Miuccia Prada y su esposo, socio de

negocios Patrizio Bertelli, supervisan todos los aspectos de la
empresa. Las colecciones se presentan allí, así como en eventos
culturales.
En su fábrica toscana, cerca de Arezzo, se toman muestras de

los prototipos y se controlan todas las etapas del diseño y la
tecnología.
La película, I Pelletieri D'Italia SpA (IPI), produce y distribuye las

distintas líneas.
Miuccia Prada con Patrizio Bertelli

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Prada
La empresa Fratelli Prada continúa fabricando artículos de

cuero; Ante adornado con pasamanería y borlas de seda,
carteras de cuero grabadas en relieve con motivos
constructivistas, rollos de joyería en piel de ternera con
gamuza, maletas de piel de cerdo boxy y llaveros con medallones
de cuero.
A partir de otoño-invierno de 1989, se presentó el “ready-to-wear”

en el ambiente tranquilo y majestuoso de la sede del Palazzo
Manusardi.
Tienda Fratelli Prada en Milan

NABA2020/21
Prada
Top models y actrices con bolsas Prada

NABA2020/21
Prada
Prada comienza a desarrollar su repertorio estacional con el

concepto de que ningún estilo es apropiado para una ocasión.
Ella le ofrece a su clientela internacional una visión abierta por el
estilo.
En 1994 había 45 tiendas de Prada por todo el mundo y dos

tiendas Miu Miu (una línea más nueva de la ropa que llevaba el
apodo de Miuccia).
Tienda de caballero de Prada

NABA2020/21
Prada
Estilo de Prada
NABA2020/21
Prada
Al comentar sobre el diseño, confiesa que la combinación de los

opuestos de formas poco convencionales como el refinamiento
con lo primitivo, y natural con la máquina de hacer ayudó a
producir las colecciones en su tienda homónima Miu Miu.
En 1992, inspirada en artículos de su propio armario, creó esta

colección bohemia, artistica-artesanal de patchwork y prendas
de ganchillo, bolsas de silla de montar, y chaquetas de piel de
oveja, zuecos y botas.
Campaña Miu Miu O/I 1994-95

NABA2020/21
Prada
En los últimos años 90, el imperio de Prada creció en tamaño y

alcance debido en parte a la creciente popularidad de la gama de
Miu Miu. Las primeras tiendas Miu Miu, en París y Milán, se
unieron a otra en el SoHo de Nueva York en 1996, mientras que
las nuevas tiendas Prada se abrieron en Beverly Hills, Nueva
York, San Francisco y París.
Además, Prada licenció una línea de cosméticos con Estée

Lauder, comenzó a diseñar ropa interior y lanzó una colección de
muebles para el hogar en 1999.
Campaña de perfumería Prada

NABA2020/21
Prada
Publicidad de “Carshoe” (Calzado de

manejo)
NABA2020/21
Prada
Moda, arte y arquitectura: tres lados diferentes al Prada

universo Unidos por la misma constante se esfuerza hacia la
experimentación que juntos contribuyen a crear la Imagen de la
marca, perfectamente encarnada por su diseñador a quien en
mayo de 2012 el Museo Metropolitano de arte moderno de
Nueva York se va a dedicar una exposición impresionante
comparar el trabajo de Miuccia Prada al de Elsa Schiapparelli.
Prada, un conglomerado de moda en la década de 2000, sigue

siendo una marca de moda excitante más conocida por sus
elegantes accesorios y su línea de ropa de aliento de aire fresco
Miu Miu.
Fundación de Prada en Milan

NABA2020/21
Prada
El diseñador belga Raf Simons ha sido elegido como codirector

creativo de la firma de moda milanesa Prada: trabajará junto a la
actual directora creativa Miuccia Prada, compartiendo con ella las
responsabilidades de toma de decisiones.
Asumirá oficialmente el papel bastante inusual en el mundo de la

moda el 2 de abril; su primer espectáculo será el de Primavera /
Verano 2021, que se presentará en Milán el próximo mes de
septiembre
Fundación Prada en Milan

NABA2020/21
Hecho en Italia: Diseñadores Italianos- Parte 1
Prada – Otoño/Invierno 2020-21
Prada Fall/Winter 2020-21 moda femenina Prada Fall/Winter 2020-21 moda femenina
NABA2020/21
Prada Fall/Winter 2020-21 accesorios mujer Prada Fall/Winter 2020-21 accesorios mujer
NABA2020/21
Prada Fall/Winter 2020-21 accesorios mujer Prada Fall/Winter 2020-21 accesorios mujer
NABA2020/21
Prada – Primavera/Verano 2020-21
Prada Spring/Summer 2021 moda masculina Prada Spring/Summer 2021 moda masculina
NABA2020/21
Prada Spring/Summer 2021 accesorios hombre Prada Spring/Summer 2021 accesorios hombre
NABA2020/21
Prada Spring/Summer 2021 accesorios hombre Prada Spring/Summer 2021 accesorios hombre
NABA2020/21
Prada Spring/Summer 2020 moda femenina Prada Spring/Summer 2020 moda femenina
NABA2020/21
Prada Spring/Summer 2020 accesorios mujer Prada Spring/Summer 2020 accesorios mujer
NABA2020/21
Prada Spring/Summer 2020 accesorios mujer Prada Spring/Summer 2020 accesorios mujer
NABA2020/21
Prada Fall/Winter 2020-21 moda masculina Prada Fall/Winter 2020-21 moda masculina
NABA2020/21
Prada Fall/Winter 2020-21 accesorios hombre Prada Fall/Winter 2020-21 accesorios hombre
NABA2020/21
Prada Fall/Winter 2020-21 accesorios hombre Prada Fall/Winter 2020-21 accesorios hombre
NABA2020/21
Fendi
Lanzamiento del logo Fendi en 2013

Imagen: fendi.com
NABA2020/21
Fendi
Al igual que muchas empresas italianas que producen artículos

de lujo, la empresa Fendi es una dinastía familiar que debe gran
parte de su éxito a los fuertes vínculos de sangre que constituyen
una parte intrínseca del negocio.
Fendi es único en que ha sido dirigido no por miembros
masculinos de la familia (de los cuales no hay ninguno, excepto
por matrimonio) sino por cinco hermanas, hijas de Adele y
Edoardo Fendi, que se involucraron en el negocio después de la
muerte de su Padre en 1954.
imágenes históricas de Fendi

NABA2020/21
Fendi
Las pieles de Fendi y la tienda de artículos de cuero en

Via del Plebiscito en Roma, 1925
Imagen: fendi.com
NABA2020/21
Fendi
Aunque Fendi produce una línea deportiva lista para usar, el

nombre es probablemente el más conocido en el ámbito de la
moda por sus dramáticas colecciones de pieles, diseñadas por
Karl Lagerfeld desde 1962.
Ha sido la relación de la compañía con Lagerfeld que llevó el

nombre de Fendi a la atención de la prensa de moda, donde ha
permanecido desde entonces.
Karl Lagerfeld y Silvia Venturini

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Fendi
El innovador tratamiento de pieles de Lagerfeld fue a la vez

ingenioso y, a veces, impactante y ha mantenido a la compañía
Fendi a la vanguardia de este campo en particular. En las manos
capaces de Lagerfeld, la piel real tomó la apariencia de pieles
falsas; Habiendo sido perforado con miles de pequeños agujeros
para hacer los abrigos más ligeros de usar e impreso para que
parezca damasco y otros tejidos similares.
Los abrigos de mezclilla han sido forrados con visón por

Lagerfeld, que también empleó pieles de animales poco
ortodoxas como la ardilla y el hurón en sus creaciones.
imágenes históricas de Fendi

NABA2020/21
Fendi
Las Hermanas Fendi con Karl Lagerfeld

NABA2020/21
Fendi
Al igual que muchas empresas de bienes de lujo, Fendi ha

aprovechado su nombre con la plétora habitual de accesorios,
guantes, encendedores, bolígrafos, vasos y fragancias que se
han convertido en una progresión natural para una etiqueta y
marca bien reconocida.
El nuevo milenio encontró a Fendi en la vanguardia del zumbido de

la moda después de ser comprada en 1999 por Prada-LVMH.
Publicidad de Fendi
NABA2020/21
Fendi
Sede de Fendi en el Palazzo delle Civiltà italiana

Imagen: fendi.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
Fendi
En medio de la charla sobre el dinero, los coleccionistas de chicery

se aferraron al bolso de baguette de Fendi, que se abrió paso bajo
los codos de las “glitterati” y comenzó una avalancha de “knockoffs”.
Las salas de exposición estaban llenas de mujeres que olían el

visón cortado de Fendi, un nuevo aliento de lujo.
Showrooms were filled
En agosto de 2000, la muerte de Luigi Formilli, esposo de Franca

Fendi, sacudió la casa de moda Fendi.
Baguettes icónicos Fendi

NABA2020/21
Fendi
Bolsa de cuero 2Jours de Fendi Micro Baguette bolso bordado a mano de cuerpo cruzado de Fendi
Imagen: fendi.com Imagen: fendi.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
Fendi
Fendi se movió constantemente en desafiantes oportunidades,

incluyendo Japón, territorio casi virgen para el lujo italiano.
En marzo de 2001 la compañía abrió su primera tienda

independiente, una sede de París de 6.000 pies cuadrados en el
24 Rue François Premier. Al restablecer París como capital de lujo
de la moda, la nueva tienda reforzó el reconocimiento de la marca
con una línea completa de accesorios, zapatos, equipaje, prêt-à-
porter y una línea de piel fuertemente teñida de visón.
Conjunto de libros celebrando la colaboración de 50

años de Karl Lagerfeld con Fendi
Imagen: fendi.com
NABA2020/21
Fendi
Fendi Alta costura pasarela en la Fontana

di Trevi en Roma
NABA2020/21
Hoja complementaria
Fendi
En 2005, para celebrar los 80 años de historia, se abrió el Palazzo

Fendi en Roma, el corazón palpitante de la marca.
Mientras tanto, las tiendas emblemáticas de todo el mundo

continúan creciendo, como en Japón, Estados Unidos, Francia,
Hong Kong, Dubai y China.
La ópera y el cine siempre han sido grandes pasiones de la familia

Fendi, y han creado, con el tiempo, trajes ricos y elaborados, con
grandes mangas y capas o artículos con insertos de pieles.
Palacio Fendi en Rome

Imagen: fendi.com
NABA2020/21
Fendi
Fendi desfile de moda en la Gran

Muralla, cerca de Beijing, 2007
Imagen: fendi.com
NABA2020/21
Fendi - Otoño/Invierno 2020-21
Fendi Fall/Winter 2020-21 moda femenina Fendi Fall/Winter 2020-21 moda femenina
NABA2020/21
Fendi Fall/Winter 2020-21 accesorios mujer Fendi Fall/Winter 2020-21 accesorios mujer
NABA2020/21
Fendi Fall/Winter 2020-21 accesorios mujer Fendi Fall/Winter 2020-21 accesorios mujer
NABA2020/21
Fendi Fall/Winter 2020-21 moda masculina Fendi Fall/Winter 2020-21 moda masculina
NABA2020/21
Fendi Fall/Winter 2020-21 accesorios hombre Fendi Fall/Winter 2020-21 accesorios hombre
NABA2020/21
Fendi Fall/Winter 2020-21 accesorios hombre Fendi Fall/Winter 2020-21 accesorios hombre
NABA2020/21
Fendi - Primavera/Verano 2020-21
Fendi Spring/Summer 2020 moda femenina Fendi Spring/Summer 2020 moda femenina
NABA2020/21
Fendi Spring/Summer 2020 accesorios mujer Fendi Spring/Summer 2020 accesorios mujer
NABA2020/21
Fendi Spring/Summer 2020 accesorios mujer Fendi Spring/Summer 2020 accesorios mujer
NABA2020/21
Fendi Spring/Summer 2020 moda masculina Fendi Spring/Summer 2020 moda masculina
NABA2020/21
Fendi Spring/Summer 2020 accesorios hombre Fendi Spring/Summer 2020 accesorios hombre
NABA2020/21
Fendi Spring/Summer 2020 accesorios hombre Fendi Spring/Summer 2020 accesorios hombre
NABA2020/21
Fendi Fall/Winter 2019-20 Couture Fendi Fall/Winter 2019-20 Couture

NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Logo de Salvatore Ferragamo

Imagen: ferragamo.com
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Un maestro artesano, Salvatore Ferragamo fue conocido como

uno de los diseñadores de calzado más innovadores del mundo,
transformando la apariencia y el ajuste del zapato.
Se separó de los diseños de calzado convencional, explorando

no sólo el diseño innovador, sino también la estructura técnica
del zapato.
Salvatore Ferragamo
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Los años en los Estados Unidos lo ayudaron a entender

completamente los procedimientos técnicos implementados en la
fabricación de su diseño único.
Debido a su excelente aterrizaje en la exploración y el estudio
de diseño de calzado , Ferragamo plenamente entendido todos los
aspectos técnicos de la producción de calzado, la anatomía y el
equilibrio del pie.
Eventualmente se estableció en el negocio en Santa Bárbara,

California, donde sus diseños originales e inventiva, atrajeron la
atención de muchos clientes famosos.
Salvatore Ferragamo en Santa Barbara, 1919

NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Inicialmente un diseñador y creador de zapatos hechos a mano

para clientes individuales, Ferragamo presentó la posibilidad de
crear zapatos que eran exóticos y hermosos, sin embargo, apoyo
para el pie y el tobillo.
Función y comodidad, junto con la comprensión del buen diseño,

fueron los elementos esenciales detrás de su éxito. El nombre de
Ferragamo es sinónimo de estilo, glamour, ingenio y calidad.
Salvatore Ferragamo con varias plantillas de zapatos para

celebridades
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Salvatore Ferragamo con Sofia Loren

NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Primera tienda Ferragamo en Nueva York en Park Salvatore Ferragamo con Audrey Hepburn en 1954
Avenue, 1948 Imagen: ferragamo.com
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
La escasez de cuero y pieles de calidad durante los años de

guerra animó a Ferragamo a explorar nuevos materiales,
buscando continuamente más allá de los retos de los materiales
tradicionales para alternativas estéticamente atractivas.
El corcho, el ganchillo, el celofán crocheted, la ráfaga trenzada, el

caucho, las pieles de pescados, el fieltro, y el cáñamo eran
acertados si las alternativas no convencionales.
Sus diseños eran brillantes en concepto y artesanía, creando

muchos estilos únicos e indignantes. Se inspiró en modas
pasadas, culturas, Hollywood, ropa oriental y estilo clásico.
Tacón de cuña de corcho patentado, 1942

NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
En 1938 lanzó el zapato de la plataforma que resurgió en varias

formas desde entonces.
Su “zapato invisible”, creado en 1947, fue producido con parte

superior de nylon transparente y un tacón de gamuza negro y
Ferragamo produjo muchas variaciones en este diseño.
El zapato invisible, ganador del Premio

Neiman Marcus en 1947
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Primer bolso creado en 1949 por Ferragamo para sostener La bolsa Gancino hecha de cuero y plexiglás en 1990
sus herramientas Imagen: ferragamo.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
Salvatore Ferragamo
En 1927 Ferragamo regresó a Italia, estableciendo un taller en

Florencia, una ciudad que se convertiría en el centro de la moda de
Italia.
Siguió produciendo zapatos a medida, muchos de los clientes

individuales de sus clientes todavía existen en la actualidad,
mantenidos en colecciones en el Palazzo Feroni.
Usando métodos de producción modernos, sus zapatos hechos a

medida tenían calidad, durabilidad y estilo.
Palazzo Spini Feroni en Florencia

NABA2020/21
Hoja complementaria
Salvatore Ferragamo
Después de su muerte en 1960 su familia siguió a la empresa y

además de producir calzado de calidad ramificado en accesorios y
ropa de diseñador.
La esposa Wanda dirigía la empresa; Hija Fiamma, que había
trabajado por el lado de su padre desde que era una adolescente,
se hizo cargo de diseñar y producir los zapatos; Giovanna inició
el ready-to-wear de las mujeres; Ferruccio estaba al lado de su
madre y ayudó a dirigir la empresa; Fulvia manejó todos los
accesorios con el nombre de la firma; Leonardo supervisó la
comercialización e introdujo Ferragamo a Asia; Massimo
encabezó las florecientes operaciones norteamericanas.
Fiamma la hija de Ferragamo en 1967

NABA2020/21
Hoja complementaria
Salvatore Ferragamo
En 1998 los Ferragamos fueron inclinados por la pérdida de 57

años de edad, Fiamma después de una larga batalla con el cáncer
de mama. Ampliamente acreditado con asegurar el futuro de la
empresa de la familia con sus diseños del zapato, ella demandó
haber aprendido todo de su padre.
El clan Ferragamo perseveró después de la muerte prematura de
Fiamma, un año en el que se aventuraron en la fragancia con la
primera fragancia de la firma, Salvatore Ferragamo Pour Femme,
en 1998, que fue seguido por un aroma masculino complementario,
Salvatore Ferragamo Pour Homme, en 1999.
Varias nuevas tiendas emblemáticas de Ferragamo también se
habían abierto durante los últimos años en mercados cruciales como
Nueva York, Beverly Hills, Chicago y Las Vegas.
Fragancia Ferragamo para dama, 2001

NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Salvatore Ferragamo O/I 2013-14 campaña masculina Ferragamo O/I 2014-15 campaña para
Imagen: Vogue Italia mujeresImagen: Vogue Italia
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Desde 2011, el diseñador Massimiliano Giornetti, perpetuando la

elegante experimentación del fundador, sigue el desarrollo
creativo de todas las líneas de productos para el Grupo.
El legado de Salvatore Ferragamo está vivo y bien en Italia, y el

resto del mundo - donde “Ferragamo”; significa innovación,
belleza y calidad.
Sello oficial del primer siglo de Ferragamo

NABA2020/21
Salvatore Ferragamo
Desde febrero de 2019, Ferragamo ha confiado cada vez más en

Paul Andrew. El Consejo de Administración del grupo de lujo
florentino Salvatore Ferragamo S.p.A. anunció que había
promovido al diseñador británico a Director Creativo de la marca
Salvatore Ferragamo.
Paul Andrew se incorporó a la empresa toscana en septiembre de

2016 como director creativo de calzado de mujer y un año después
fue ascendido a director creativo de las colecciones de prêt-à-
porter para mujer.
Sello oficial por el primer siglo de Ferragamo

NABA2020/21
Salvatore Ferragamo - Otoño/Invierno 2020-21
Salvatore Ferragamo Fall/Winter 2020-21 moda Salvatore Ferragamo Fall/Winter 2020-21 moda
femenina femenina
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo - Otoño/Invierno 2020-21
Salvatore Ferragamo Fall/Winter 2020-21 moda Salvatore Ferragamo Fall/Winter 2020-21 moda
masculina masculina
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo - Primavera/Verano 2020-21
Salvatore Ferragamo Spring/Summer 2020 moda Salvatore Ferragamo Spring/Summer 2020 moda
femenina femenina
NABA2020/21
Salvatore Ferragamo - Primavera/Verano 2020-21
Salvatore Ferragamo Spring/Summer 2020 moda Salvatore Ferragamo Spring/Summer 2020 moda
masculina masculina
NABA2020/21
Missoni
Logo de Missoni
Imagen: missoni.com
NABA2020/21
Missoni
Missoni ejemplifica el éxito en un área de moda específica,

prendas de punto para hombres y mujeres.
En el negocio de los géneros de punto desde 1953, el negocio

iniciado por Ottavio (Tai) y Rosita Missoni despegó con el
reconocimiento de Anna Piaggi en 1965 y fue una de las
empresas emblemáticas del renacimiento italiano en los
productos de moda de posguerra a través de los años 60 y 70.
En 1968 y 1969, Missoni obtuvo una atención mundial por los

vestidos de punto, abrigos y suéteres que revivieron el atractivo
sensacional de los tejidos en los años veinte.
Ottavio y Rosita Missoni, 1984

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Missoni
Principalmente creadores de géneros de punto excepcionales,

Missoni se ha observado como un arte tanto como un negocio.
La tecnología proporciona una gama de tejidos fluidos y efectos
especiales, pero el aspecto identificador e indescriptible de los
tejidos de Missoni es el color, la afinidad con el arte.
Y lo que es más importante, Missoni trajo una vívida sensación de

imaginación a los tejidos, rescatándolos de las herencias y los
aspectos anticuados de los tejido a mano y de la uniformidad
convencional de muchos productos hechos a máquina.
Modelos de la exhibición de Missoni en 2016

NABA2020/21
Missoni
Ottavio Missoni
Imagen: missoni.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
Missoni
La introducción de Tai Missoni para el negocio de prendas de

punto fue como deportista. Los Géneros de punto eran para
deportes activos, pero de 1958 se produjo un Missoni de rayas
punto camisero y el crossover de deportes para estar casual
estaba en camino.
El patrimonio deportivo permanece en alguna audacia gráfica,

incluyendo rayas y zigzags e incluso patchwork. Lo que realza
Missoni para la ropa de día e incluso para la noche (especialmente
con Lurex) son las sutilezas dentro.
Campaña de Antonio López por Missoni, 1984

NABA2020/21
Hoja complementaria
Missoni
Pocos Missonis se han producido siempre dependíendo de la moda.

En cambio, sus tejidos parecen perennes: un diseño de Missoni
podría llevarse con un color favorecido una temporada y siendo
compatible con otros colores en otras temporadas
Bernadine Morris, del New York Times (26 de marzo de 1979), creía
que los Missonis “elevaban la ropa tejida a una forma de arte”, y
como tales fueron reconocidos como símbolos de estatus en los
años setenta y ochenta.
“shooting” para Missoni con Jennifer Lopez P/V 2017

Imagen: Harper's Bazaar
NABA2020/21
Missoni
Campaña de Missoni P/V 2009

NABA2020/21
Missoni
En 1997 Angela tomó las riendas de la compañía y en los

próximos años aumentó la conciencia de marca a través de una
amplia gama de licencias, desde alfombras hasta el calzado.
Nuevos buques insignia en Nueva York y París fueron abiertos,

mientras que una nueva línea de puente, M Missoni, fue
introducida para la primavera-verano de 1999.
Rosita y Angela Missoni en 1968

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Missoni
Campaña M Missoni O/I 2014-15

NABA2020/21
Missoni
A principios de los años 2000, Missoni era más que una fuerza
vital en el género de punto; La firma había ido mucho más allá de
la visión original de sus fundadores para abarcar los diseños de
Missoni para un estilo de vida entero.
Missoni, Colección Casa

Imagen: missoni.com
NABA2020/21
Missoni
“Shooting” de Nicole Kidman para Missoni Resort, Campaña de ropa de playa de Missoni , 2015
2013 Imagen: Vogue Italia
Imagen: Harper's Bazaar
NABA2020/21
Missoni - Otoño/Invierno 2020-21
Missoni Fall/Winter 2020-21 moda femenina Missoni Fall/Winter 2020-21 moda femenina
NABA2020/21
Missoni - Otoño/Invierno 2020-21
Missoni Fall/Winter 2020-21 moda masculina Missoni Fall/Winter 2020-21 moda masculina
NABA2020/21
Missoni - Primavera/Verano 2020-21
Missoni Spring/Summer 2020 moda femenina Missoni Spring/Summer 2020 moda femenina
NABA2020/21
Missoni - Primavera/Verano 2020-21
Missoni Spring/Summer 2020 moda masculina Missoni Spring/Summer 2020 moda masculina
NABA2020/21
Gianfranco Ferré
Logo de Gianfranco Ferré

Imagen: fondazionegianfrancoferre.com
NABA2020/21
Gianfranco Ferré
Gianfranco Ferré ha sido apodado por Women's Wear Daily como el

“Frank Lloyd Wright de la moda italiana”.
Entrenado inicialmente como un arquitecto, su trabajo lleva muchas

referencias a esta disciplina temprana. Elabora un plan para cada
colección basado en una filosofía de que su cliente quiere ropa
funcional, clásica pero poderosa, construida con materiales de la más
alta calidad.
La ropa entonces se crea con un ojo distinto para la proporción
dramática y la pureza de la línea.
Gianfranco Ferré
NABA2020/21
Gianfranco Ferré
Tarjeta de estudiante de Gianfranco Ferrè para la Facultad de

Arquitectura de Milán
NABA2020/21
Gianfranco Ferré
No hay nada subestimado sobre la ropa para dama de Ferré. Su

enfoque minimalista a menudo ha hecho opulentas
declaraciones teatrales en la pasarela, recordando el glamour de
la estrella de cine proyectado por Anita Ekberg en la película La
Dolce Vita.
La ropa refleja un traje “glamouroso” y fantástico, combinado

con la simetría arquitectónica. Ferré a menudo exagera las
proporciones en la confección; Las formas clásicas de la camisa
tienen a menudo los puños o los cuellos extremos, los abrigos y
las chaquetas se definen por la silueta.
Camisa «Canone inverso» O/I 1986

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Gianfranco Ferré
Las colecciones de hombre de Ferré son menos extravagantes,

basadas en la tradición pero diseñadas con su enfoque
modernista característico. Él ve a su cliente como un hombre que
aprecia tela tradicional y una línea clásica.
Ferré ha desarrollado nuevas técnicas de sastrería para crear

una forma más relajada y expansiva para los hombres, una
reacción a las líneas duras tan frecuentes en el “power dressing”
de los años 80.
Gianfranco Ferré Publicidad de caballero, 1983

NABA2020/21
Gianfranco Ferré
Ferré tiene fama de ser un realista, con un enfoque práctico de

los proyectos, trabajando con todo lo que se le ocurre: requisitos
del mercado, horarios de fabricación, limitaciones financieras,
desarrollo de temas y publicidad.
Criado en un ambiente familiar seguro, su madre le inculcó un

sentido obsesivo del deber y responsabilidad; Era estricta
cuando se trataba de tareas y pasar exámenes.
Boceto de Dama para alta costura O/I 1986-87

NABA2020/21
Gianfranco Ferré
En 1989 Ferré fue nombrado diseñador de Dior, para suministrar a

la casa una Imagen para los años noventa.
Su primera colección presentó una colección refinada, sobria y

estricta inspirada en la escena en blanco y negro de Cecil
Beaton de la película My Fair Lady, un tema revisado en 1996
con el lanzamiento de una colección de jeans para hombre.
Alta costura de Dior por Gianfranco Ferré O/I 1989-90

NABA2020/21
Gianfranco Ferré
Alta costura de Dior por Gianfranco Ferré– P/V 1991 Gianfranco Ferré y Naomi Campbell para Dior
NABA2020/21
Hoja complementaria
Gianfranco Ferré
Ferré continuó adelante en 1996 con el debut de la fragancia

unisex Gieffeffe, junto con la colección puente o “bridge “
Gieffeffe cotizada a la batalla DKNY y CK de Calvin Klein para los
corazones y los dólares de la juventud hipster.
La primera tienda Gieffeffe se abrió también, en Florencia, Italia,

con una segunda tienda prevista para Milán en 1997 y varios más
en otros lugares de Europa.
Gieffeffe Perfume Unisex por Gianfranco Ferré

NABA2020/21
Hoja complementaria
Gianfranco Ferré
En 1998, el imperio de Ferré celebró su vigésimo aniversario,

considerado público, y retocó su Imagen.
Se renovaron las tiendas de Nueva York y Roma, se abrieron dos

tiendas de Londres, se inauguró una nueva sede de Milán y se
inauguraron oficinas y salas de exposición para su filial
estadounidense de reciente creación en la Quinta Avenida de
Nueva York.
Gianfranco Ferré bocetos P/V 1985

NABA2020/21
Hoja complementaria
Gianfranco Ferré
Gianfranco Ferré, después de muchas negociaciones, finalmente

decidió vender todos menos el 10 por ciento de la compañía que
lleva su nombre.
En virtud del acuerdo de diciembre de 2000, GTP recibió el 90 por

ciento de la firma, y F
erré no sólo mantuvo el control creativo, sino
que ganó un taller en Milán y una nueva línea de alta costura que
debutaría en 2002.
Sesión de Fotos de Vogue Italia 1990

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja complementaria
Gianfranco Ferré
El diseñador muere en 2007 después de una larga enfermedad; El

desfile de moda que le sigue a su muerte cierra con una serie de
camisas blancas.
Lars Nilson es el primero en ser llamado a tomar la dirección

creativa. No dura mucho porque en 2008 Tommaso Aquilano y
Roberto Rimondi están nominados para tomar su lugar.
camisa blanca icónica de Gianfranco Ferrè

NABA2020/21
Gianfranco Ferré
"La camisa blanca según Yo, Gianfranco Ferré”

NABA2020/21
Gianfranco Ferré
Gianfranco Ferré es fácilmente identificable como diseñador

italiano; Su ropa está bien formada, confiada y es
poderosamente femenina o masculina.
A través de sus propias colecciones de etiquetas, ha desarrollado

marcas como la camisa blanca con el cuello de pie o en su
color de firma, rojo.
Gianfranco Ferré para la pasarela de Dior Couture , 1992

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Gianfranco Ferré
Julia Roberts para Gianfranco Ferré, Campaña 2006 Campaña Caballero O/I 2009-10
NABA2020/21
Gianfranco Ferré - Otoño/Invierno 2013-14
Gianfranco Ferré Otoño/Invierno 2013-14 Dama Gianfranco Ferré Otoño/Invierno 2013-14 Dama
NABA2020/21
Gianfranco Ferré - Otoño/Invierno 2013-14
Gianfranco Ferré Otoño/Invierno 2013-14 Caballero Gianfranco Ferré Otoño/Invierno 2013-14 Caballero
NABA2020/21
Gianfranco Ferré - Primavera /Verano 2014
Gianfranco Ferré Primavera/Verano 2014 Dama Gianfranco Ferré Primavera/Verano 2014 Dama
NABA2020/21
Gianfranco Ferré - Primavera /Verano 2011
Gianfranco Ferré Primavera/Verano 2011 Caballero Gianfranco Ferré Primavera/Verano 2011 Caballero
TU7
• “MADE IN ITALY” HECHO EN ITALIA: DISEÑADORES ITALIANOS – PARTE 2
NABA2020/21
TU7 Hecho en Italia: diseñadores italianos - Parte 2

• Roberto Cavalli • Gianni Versace
• Giorgio Armani • Donatella Versace
• Versace • Franco Moschino
• Moschino • Jeremy Scott
• Dolce & Gabbana
NABA2020/21
Hecho en Italia: Diseñadores italianos - parte 2
Roberto Cavalli
Logo de Roberto Cavalli

Imagen: robertocavalli.com
NABA2020/21
Roberto Cavalli
Utilizar la piel como un lienzo para pintar y crear ropa, incluso de

noche: esta es la intuición que impulsó a Roberto Cavalli a través
del mundo de la moda desde 1970, cuando tuvo su primer show
en París y atrajo la atención de Hermès y Pierre Cardin. “En mi
vuelo de regreso desde París, dije:”Quiero ser diseñador”.
Roberto Cavalli
Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Roberto Cavalli
El primer desfile de moda de Roberto Cavalli en la Sala Bianca, Florencia en 1972

NABA2020/21
Roberto Cavalli
Panel de Inspiración de Roberto Cavalli, 1987

NABA2020/21
Roberto Cavalli
En 1994, presentó una glamorosa colección inspirada por la

naturaleza en las pasarelas de Milán: desde entonces, el “animal
print” ha sido uno de los estilos de firma.
Después de la piel, su experimentación con telas ha implicado

principalmente la mezclilla, envejecida usando un proceso
especial de la chorreado de arena.
Roberto Cavalli O/I 1994-95

Imagen: fashionchannel.it
NABA2020/21
Roberto Cavalli
Publicidad de Roberto Cavalli

NABA2020/21
Roberto Cavalli
El diseñador también creó los primeros pantalones vaqueros

“stretch “ que incorporaban Lycra.
Cualquier mujer que quisiera sentirse sexy y femenina elegía
envolverse en sus vestidos, que se crean para hacer un impacto,
especialmente cuando se trata de las estrellas en la alfombra
roja.
Vogue Italia Editorial P/V 1999

NABA2020/21
Hoja complementaria
Roberto Cavalli
Al mismo tiempo, su distribución se amplió con su primera tienda

en Venecia, que abrió sus puertas en 1997, y una línea de ropa
masculina a partir de 1999.
Sus diseños han aparecido en etapas sin fin en giras por Lenny
Kravitz, Christina Aguilera, Jennifer López y Shakira.
Roberto Cavalli con Jennifer Lopez, 2010

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Roberto Cavalli
Lenny Kravits vistiendo un Roberto Cavalli en 1999 Sharon Stone vistiendo un Roberto Cavalli, 2008
Imagen: robertocavalli.com Imagen: robertocavalli.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
Roberto Cavalli
En 1980 se casó con su esposa Eva. La conoció durante el

concurso de belleza Miss Universo y ha sido su compañera de vida
y compañera de trabajo, trabajando tanto en las principales
colecciones como en la línea juvenil Just Cavalli, licenciada desde
2011 en el grupo Sólo el Bravo de Renzo Rosso, así como en
Roberto Cavalli Angels & Devils (para niños), New Born (para
bebés) y Class Roberto Cavalli (Ropa de Noche).
Roberto Cavalli y su esposa Eva

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja complementaria
Roberto Cavalli
Desde el año 2000, el estilo Cavalli se ha ampliado con ropa

interior, gafas y líneas de relojes.
Once años después de que comenzó, la dirección creativa de la

línea de ropa para caballero pasó a su hijo joven Daniele.
En 2002, se celebró en Florencia una exposición de celebración,

More and More and More.
Colección de relojes de Roberto Cavalli, 2010

NABA2020/21
Roberto Cavalli
Coca Cola Light botellas personalizadas por Roberto Cavalli, 2008

NABA2020/21
Roberto Cavalli
Just Cavalli’s Catálogo P/V 17

NABA2020/21
Hecho en. Italia: Diseñadores Italianos- Parte 2
Roberto Cavalli - Otoño/Invierno 2020-21
Cavalli Fall/Winter 2020-21 moda femenina Cavalli Fall/Winter 2020-21 moda femenina
NABA2020/21
Cavalli Fall/Winter 2016-17 moda masculina Cavalli Fall/Winter 2016-17 moda masculina
NABA2020/21
Cavalli Fall/Winter 2019-20 moda femenina Cavalli Fall/Winter 2019-20 moda femenina
NABA2020/21
Cavalli Fall/Winter 2019-20 moda masculina Cavalli Fall/Winter 2019-20 moda masculina
NABA2020/21
Giorgio Armani
Logo Giorgio Armani

Imagen: armani.com
NABA2020/21
Giorgio Armani
Giorgio Armani es un diseñador colonialista responsable de la

creación de una estética tanto en ropa masculina como
femenina que tuvo un firme control sobre el estilo internacional
en la década de 1980.
Reconocido por su uso de tejido y experiencia en la confección,

es un líder mundial en el diseño de ropa masculina responsable
de la mirada de hombros anchos para las mujeres ejecutivas.
Giorgio Armani
NABA2020/21
Giorgio Armani
Aunque Armani produce gamas enteras de estos artículos

funcionales, adaptables, flexibles de la ropa que parecen casi
descartables en su simplicidad, son, de hecho, diseños lujosos
hechos de tela de alta calidad.
Su ropa, sin embargo, aunque caro, tiene su propio glamour

subestimado y nunca podría ser descrito como ostentoso.
Ni tendencia ni tradición, el estilo de Armani dibuja una línea fina

entre los dos. Evitando el cambio por su propio bien, cree en la
calidad más que en la invención.
Portada de Vogue Italia 2010

NABA2020/21
Giorgio Armani
Nacido en Piacenza, Italia, en 1934, el primer gusto de Armani por

la industria de la moda fue con La Rinascente, una gran cadena
italiana de grandes almacenes donde en 1954 trabajó en las
vitrinas y escaparates.
A continuación, se trasladó a la Oficina de Moda y Estilo, donde

tuvo una formación inestimable en el uso de tejidos y la
importancia del estilo de los clientes y la orientación.
Giorgio Armani en 1979

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Giorgio Armani
Vogue Italia, 2009

NABA2020/21
Giorgio Armani
En 1974 Armani lanzó su propio sello, que se convertiría en un

éxito increíble - la línea más vendida de diseño europeo en
Estados Unidos.
Sus primeros diseños giraron en torno a la refinación de la

chaqueta masculina, que él creía ser la invención más importante
en la historia del vestido, siendo a la vez versátil y funcional y
adecuado para todas las ocasiones sociales.
Primera publicidad de Giorgio Armani en Vogue Italia, 1974

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Giorgio Armani
Helena Christensen, Carla Bruni y Monica Bellucci vistiendo Armani en Vogue Italia, 1995
NABA2020/21
Giorgio Armani
En estos años, los diseños de Armani eran muy caros, fabricados

con los materiales más lujosos como la alpaca, la cachemira y el
ante.
Para ampliar su base de clientes y satisfacer las crecientes

demandas de un público consciente de la moda para ropa con una
etiqueta de diseñador, produjo una gama de ropa para dama más
barata titulada Mani, hecha de sintéticos tan avanzados que no
podían copiarse, junto con la popular gama Emporio Armani de
ropa deportiva.
“Top model” Christy Turlinghton en Vogue Italia, 1991

NABA2020/21
Made in Italy: Italian designers - Part 2
Giorgio Armani
Catálogo Giorgio Armani 1994 Catálogo Giorgio Armani 1997

NABA2020/21
Hoja complementaria
Giorgio Armani
Para los hombres él produjo los blazers definitivos de la marina

de guerra, las chaquetas de lino arrugadas, y las piezas sueltas de
cuero, que él introdujo en el 1980, y los “oversized”y las
gabardinas de gran tamaño.
Impecablemente a medida, con corte vacilante, líneas fáciles y

texturas sutiles, patrones y colores, introdujo torsiones como la
colocación de botón de “lowslung” en trajes de doble pecho para
hombres y mezclas experimentales de telas como viscosa con lana
o lino con seda.
Traje clásico a medida de Giorgio Armani

Imagen: armani.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
Giorgio Armani
Si alguna vez hubo una duda sobre cómo el mundo se sentía

acerca de Armani y sus contribuciones a la moda, se disiparon
completamente en noviembre de 2000 cuando el Museo
Guggenheim lanzó una gala pródiga para marcar la apertura de la
retrospectiva de Giorgio Armani en Nueva York.
Exposición en el Guggenheim de Giorgio Armani

Imagen: armani.com
NABA2020/21
Giorgio Armani
Editorial en Vogue Italia, 2006

NABA2020/21
Giorgio Armani
Actualmente, Armani es el presidente y CEO del grupo que lleva

su nombre, y que va de Hong Kong a la 5ª Avenida, con 10
líneas diferentes: Línea Giorgio Armani, Giorgio Armani Privé,
Armani Collezioni, Emporio Armani, AJ | Armani Jeans, A / X
Intercambio Armani, Armani Teen, Armani Junior, Armani
Baby, y Armani Casa interiores de la casa.
Colección de relojes de Emporio Armani

Imagen: armani.com
NABA2020/21
Giorgio Armani
En 2011 Giorgio Armani fue el primero en lanzar en China las

compras online de la marca Emporio, con el apoyo de Yoox.
Armani y su éxito duradero fueron inmortalizados en la Portada

del “Time” en 1982; En 2008 se le otorgó la “Légion d'Honneur”
francesa y también fue nombrado Gran Oficial de la Orden del
Mérito de la República Italiana.
Giorgio Armani en Times, 1982

Imagen: Time magazine
NABA2020/21
Giorgio Armani
Modelos de Armani en Vogue Italia, 2009

NABA2020/21
Giorgio Armani - Otoño/Invierno 2020-21
Armani Fall/Winter 2020-21 moda femenina Armani Fall/Winter 2020-21 moda femenina
NABA2020/21
Giorgio Armani - Otoño/Invierno 2020-21
Armani Fall/Winter 2020-21 moda masculina Armani Fall/Winter 2020-21 moda masculina
NABA2020/21
Giorgio Armani - Primavera/Verano 2020-21
Armani Spring/Summer 2020 moda femenina Armani Spring/Summer 2020 moda femenina
NABA2020/21
Giorgio Armani - Primavera/Verano 2020-21
Armani Spring/Summer 2020 moda masculina Armani Spring/Summer 2020 moda masculina
NABA2020/21
Giorgio Armani - Primavera/Verano 2020 Couture
Armani Spring/Summer 2020 Couture Armani Spring/Summer 2020 Couture

NABA2020/21
Giorgio Armani - Primavera/Verano 2020 Couture
Armani Fall/Winter 2019-20 Couture Armani Fall/Winter 2019-20 Couture

NABA2020/21
Versace
Logo de Versace
Imagen: versace.com
NABA2020/21
Versace
El trabajo de Gianni Versace fue tanto la ópera metafórica como

la ropa real, la primera en su exuberancia y diseño bravo más
grande que la vida, y la segunda en su aplicación práctica sin
pretensiones a la comodidad del portador y la expresividad del
cuerpo.
Versace convirtió a todo el mundo en un escenario para el traje

extravagante y fascinante con el esplendor bien informado del
Renacimiento, una sensualidad fellina de burlesco, y las
brillantes notas de color operístico y silueta.
Gianni Versace
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Versace
Versace expresó su admiración por Poiret, el revolucionario de la

moda que en un breve esplendor del genio del diseño combinó
una fantasía teatral con un eclecticismo de “legerdemain”.
Del mismo modo, Versace funcionó como una especie de

empresario a su propio estilo, el mando de la autoridad sobre su
Imagen y publicidad, ropa de caballero, ropa de mujer y
accesorios.
Christy Turlington, Gianni Versace, 1993

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Versace
Colección de Gianni Versace durante 1980 Colección de Gianni Versace durante 1980
NABA2020/21
Versace
Sus abundantes bandas sugerían Vionnet, Madame Grés y el

norte de África. La línea era importante, con muchos trajes,
vestidos y abrigos de Versace marcados por líneas como si los
bordes encuadernados de la tela en el contorno definieran
cinturas, hombros o frente central.
Al igual que cualquier gran showman en el escenario, Versace

también se preocupaba por la ropa metamórfica, que podría ser
usado o percibido de varias maneras diferentes.
Gianni Versace, 1991

NABA2020/21
Versace
La audacia de la silueta en su ropa de mujer sólo se reforzó en

su trabajo con los fotógrafos para representar la ropa, en general,
contra un campo blanco puro para conceder mayor dureza y
agresividad. Pero, en persona y en el artículo individual, la ropa de
Versace era mucho menos diva y dominatrix de lo que podría
parecer.
Los colores joyosos de Versace, su línea geométrica en el

patrón, su fascinación recurrente con los collares asimétricos
engendrados por el sesgo, y sus yuxtaposiciones extravagantes de
patrón eran rasgos elegantes.
Un Modelo de la colección de P/V 1992

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Versace
La ropa de hombre de Versace también fue acentuada por la piel,

la envoltura del cuerpo para la sensualidad,una silueta audaz y el
oversizing para la comodidad.
Incluso en ropa de hombre, Versace jugó con la asimetría y la

rotación continua influenciada por el sesgo alrededor del cuerpo,
en lugar de un frente y una parte disjuntiva.
La moda masculina de Versace en particular fue a veces criticada

por ser futurista con sus grandes hombros y detalles
tecnológicos que parecen sugerir la ciencia ficción.
Prendas de Gianni Versace durante 1990

NABA2020/21
Versace
Publicidad de Caballero de Gianni Versace en 1990

NABA2020/21
Hoja complementaria
Versace
Versace era un enciclopedista de tradición clásica. Su insistencia

en dirigir todos los aspectos de su moda, desde la publicidad y sus
libros hasta las exposiciones que interpretaban su obra reflejaba
un consumado artesano.
Versace no era ni el escolástico aislado o “nerd”, ni un simple

diseñador de estrellas y celebridades como algunos han
percibido.
Estilo de Gianni Versace durante 1990

NABA2020/21
Versace
Gianni Versace y sus Modelos en 1991

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja complementaria
Versace
Después de superar el cáncer de los ganglios linfáticos, Versace se

enfrentaba a la vida con renovado vigor. Sin embargo, en la mañana
del 15 de julio de 1997, un pistolero llamado Andrew Cunanan, tras
una matanza de varios estados, disparó contra Versace en las
escaleras de su casa en Miami.
La industria de la moda unida en la indignación y el dolor y las

tiendas Versace fueron cerradas por un día en su memoria.
Santo, Donatella y Gianni Versace, 1978

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Versace
Naomi Campbell, Gianni Versace, Christy Turlington, 1994

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Versace
Comenzó como una empresa familiar, la marca Versace se

convirtió en un gran imperio de la moda que abarca cosméticos,
joyas, artículos para el hogar, así como hoteles, e incluye
colaboraciones exitosas.
Para el año 2000, tres años después de la muerte de Gianni, el

imperio Versace había sido reorganizado, racionalizado y
preparado para una posible oferta pública inicial.
Aunque Gianni estaba preparado para tomar la empresa pública

en 1997, los planes se habían presentado después de su muerte.
En el frente del diseño, la experiencia de Donatella creció con
cada colección sucesiva, manteniendo el sensacionalismo de
Versace y el estilo colorido.
Donatella Versace
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Versace
En Septiembre de 2018 la empresa Versace fue comprada por

Michael Kors y será parte del nuevo Capri Holding Limited
group.
Michael Kors y Donatella Versace

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Versace
Halle Berry usando Versace Jennifer Lopez usando Versace

NABA2020/21
Versace
Kanye West y Donatella Versace 2 Chainz usando Versace

NABA2020/21
Versace - Otoño/Invierno 2020-21
Versace Fall/Winter 2020-21 moda femenina Versace Fall/Winter 2020-21 moda femenina
NABA2020/21
Versace Fall/Winter 2020-21 moda masculina Versace Fall/Winter 2020-21 moda masculina
NABA2020/21
Versace - Primavera/Verano 2020-21
Versace Spring/Summer 2020 moda femenina Versace Spring/Summer 2020 moda femenina
NABA2020/21
Versace - Primavera/Verano 2020-21
Versace Spring/Summer 2020 moda masculina Versace Spring/Summer 2020 moda masculina
NABA2020/21
Versace Fall/Winter 2019-20 Couture Versace Fall/Winter 2019-20 Couture

NABA2020/21
Versace - Primavera/Verano 2020 Couture
Versace Spring/Summer 2020 Couture Versace Spring/Summer 2020 Couture

NABA2020/21
Moschino
Logo de Moschino
Imagen: moschino.com
NABA2020/21
Moschino
La moda está llena de elegancia”, comentó Franco Moschino

una vez, fue una declaración irónica de uno de los diseñadores
más exitosos de Europa.
Con sede en Milán, Moschino originalmente estudió arte, con

ambiciones de ser pintor, pero llegó a ver que la sastrería y las
telas podría ser tan válidas como un medio de expresión como la
pintura y el lienzo.
En consecuencia, su primer trabajo en moda fue con la firma

Cadette, para quien en 1977 produjo una gama sencilla de
prendas elegantes.
Franco Moschino
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Moschino
Iniciando su propia marca en 1982, Moschino utilizó su

experiencia en la industria de la moda italiana como fuente de
sus ideas filosóficas, desarrollando una serie de tácticas
diseñadas para sacudir el establecimiento de la moda de su
complacencia.
Para su asombro, fue abrazado con los brazos abiertos como un

nuevo iconoclasta por la misma gente que despreciaba.
Anuncio del oso de peluche de Moschino, 1989

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja complementaria
Moschino
Aunque se llamó el Gaultier de la moda italiana, Moschino

respondió a la moda de manera diferente.
A diferencia de Jean-Paul Gaultier que estaba interesado en jugar
con las formas y los tejidos de la moda, Moschino usó formas
básicas y métodos tradicionales de construcción para producir
ropa atractiva y sexy, cortada para resaltar y bellamente hecha.
Desechando su visión como visual y superficial, Moschino se

definió como un decorador, completamente desinteresado en la
construcción de la ropa.
Moschino Campaña OI 1997-98

NABA2020/21
Hoja complementaria
Moschino
Creyendo que podía criticar el negocio más eficazmente desde

adentro, el tema subyacente de su trabajo era la parodia de las
llamadas víctimas de la moda, las que se preparaban para verse
en las ropas más ridículas si se trataba del último estilo y una
protesta general contra el materialismo del capitalismo.
Franco Moschino, publicidad Irónica

NABA2020/21
Hoja complementaria
Moschino
Esta parodia de los consumistas conspicuos de la moda se

continuó en 1990 con su uso de logos jokey en una serie de prendas
como la chaqueta de cachemira con las palabras “Chaqueta
costosa”; bordada en oro a través de su espalda, o “Bull chic”; en
un matador con Estilo.
Publicidad de Moschino -1990

NABA2020/21
Moschino
Publicidad de Moschino, 1999 Moschino Campaña O/I 2014-15

NABA2020/21
Moschino
Moschino OI 2005-06 Campaña Ropa de Caballero Moschino OI 2014-15 Campaña Ropa de Caballero
NABA2020/21
Hoja complementaria
Moschino
Pidiendo una "parada para el sistema de moda" a través de su

publicidad de la campaña “Stop to the Fashion System” en
revistas de alta moda, Moschino mostró una postura clásica de
Dada, ya que el fin del sistema de moda significaría la destrucción
de su propio imperio, que llegó a abarcar no sólo a Moschino
Couture! Sino tambien la exitosa gama Cheap & Chic, una línea de
difusión que no era realmente tan barata y gamas de la ropa
interior, de traje de baño, de los pantalones vaqueros, de la ropa
de los niños, de los accesorios, y de las fragancias.
Campaña: Stop the fashion system!, 1990

NABA2020/21
Moschino
Love Moschino 2011-12 , Campaña OI Love Moschino 2016-17 Campaña OI

NABA2020/21
Hoja complementaria
Moschino
Conocido por sus desfiles teatrales (en el pasado sus modelos

personificaron a Tina Turner y la princesa Margarita), Moschino
mezcló y retorció los estilos clásicos y los arrastró al presente
usando humor. Un buen ejemplo fue un traje de tipo Chanel re-
estilizado con clavijas de oro en lugar de botones. Curiosamente,
sus insultos rara vez se tomaban en serio.
En una colección, se burló de los principales editores de la moda

dejando cajas - “moo” en sus asientos, lo que implicaba que eran
vacunos sordos sin ningún pensamiento original en la cabeza, pero
aplaudieron aún más.
Reinterpretación irónica de Moschino de un traje tipo Chanel

NABA2020/21
Moschino
Pasarela Otoño Invierno de Moschino 2016

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Moschino
La ambición de Moschino era destruir los dictámenes de la moda

para que la gente pudiera complacerse con lo que eligió usar y
producir más ropa anónima una vez que completara la caída de la
industria.
La ironía es lo que Moschino convirtió en su propio símbolo de

moda- estatus anti-fashion; Pero su creencia de que la moda
debía ser divertida era válida y sigue siendo así hoy.
Desafortunadamente para Franco Moshino, él no pudo estar

alrededor para ver sus planes rendir frutos - él murió en 1994.
1990 Moschino Couture, campaña: Stop The Fashion System

NABA2020/21
Moschino
Moschino Hombre O/I 2014-15 Moschino Hombre O/I 2014-15

NABA2020/21
Moschino
Sabio de la moda, los diseños de Moschino carecían de la

agudeza de la maquinilla de afeitar de Franco, sin embargo,
todavía ofrecía risas y ventas.
La compañía siguió en las fragancias con el lanzamiento de

Cheap & Chic en 1995 y abrió boutiques descontroladamente
funkys en Roma y Beverly Hills cerca del final del año.
Publicidad de Moschino Cheap and Chic, 1997

NABA2020/21
Moschino
En 2013 Jeremy Scott fue nombrado director creativo en

Moschino.
Scott es famoso por su propia actitud de atención-exigente hacia

la moda, haciendo su cita en Moschino un gran matrimonio de
dos provocadores de moda.
Jeremy Scott
Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Moschino
Fast (food) & furious de Jeremy Scott para Moschino, 2014

NABA2020/21
Moschino
Moschino Campaña O/I 2014-15 Moschino Campaña P/V 2017

NABA2020/21
Moschino - Otoño/Invierno 2017-18
Moschino Otoño/Invierno 2017-18 Dama Moschino Otoño/Invierno 2017-18 Dama

NABA2020/21
Moschino - Otoño/Invierno 2017-18
Moschino Otoño/ Invierno 2017-18 Caballero Moschino Otoño/ Invierno 2017-18 Caballero
NABA2020/21
Moschino -Primavera/Verano 2017
Moschino Primavera/Verano 2017 Dama Moschino Primavera/Verano 2017 Dama

NABA2020/21
Moschino -Primavera/Verano 2017
Moschino Primavera/Verano 2017 Caballero Moschino Primavera/Verano 2017 Caballero

NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Logo de Dolce & Gabbana

Imagen: dolcegabbana.com
NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Desde su primera colección de ropa de mujer en 1985, Dolce &

Gabbana han evolucionado hasta convertirse en los proveedores
definitivos de ropa sexy para las mujeres que quieren deleitarse
con su voluptuosa feminidad.
Han tomado artículos como cuerpos del corsé de satén, medias

negros del hold-up, medias de red y “baby dolls maribou” -
aparadas de su existencia anterior del “demimonde” y puestos
juntos de tal manera que se han convertido en trajes elegantes
para la nueva Imagen glamorosa del Años 90, un escape de los
estilos deportivos unisex omnipresentes.
Pasarela Dolce & Gabbana O/I 2013-14

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Amado por las revistas de moda y las estrellas de cine, la

asociación de Domenico Dolce y Stefano Gabbana revive el
estilo del sexy italiano del sur de Italia, inspirada en las películas
de Roberto Rossellini, Luchino Visconti y Federico Fellini,
junto con una adoración de los románticos ideales mediterráneos
de Sicilia.
Domenico Dolce y Stefano Gabbana

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Dejaron de lado las preocupaciones de otros diseñadores con

sede en Milán con separaciones de “mix-and-match “ y
remodelan potentes imágenes que antes se consideraban
degradantes para las mujeres -la geisha, el “baby doll” y la
pequeña “starlet”- y les daban un nuevo impulso a la vida.
Madonna para Dolce&Gabbana, 2010

NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Aunque originarios de los extremos opuestos de Italia, los

intereses y las influencias compartidas de Dolce y Gabbana dan
un sentido de la unidad a sus colecciones y de un estilo
inmediatamente reconocible.
El uso de imágenes cinematográficas y el obvio amor por la

belleza ardiente de estrellas como Sophia Loren y Gina
Lollobrigida ha imbuido su publicidad con un inolvidablemente
y glamoroso estilo propio.
Sophia Loren para el perfume Dolce & Gabbana

NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Los mismos elementos claves de sensualidad mezclados con

elementos tradicionales se aplican a la gama masculina,
presentada por primera vez en enero de 1990 y diseñada para
complementar a las mujeres de Dolce & Gabbana.
Las artesanas y sastres sicilianas, supervisadas por el padre de

Dolce, son empleadas para producir las colecciones de ropa
para caballero de moda internacionalmente aclamadas que
abrazan un enfoque más ingenioso y relajado a los años noventa,
después de los estilos más rígidos y rígidos de la década
anterior.
1990, Dolce & Gabbana Campaña de Caballero

NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Dolce & Gabbana Publicidad PV Caballero 2014

NABA2020/21
Hoja complementaria
Dolce & Gabbana
Tanto Dolce & Gabbana de ropa masculina y líneas de mujer han

sido bestsellers internacionales.
Influyente e innovadora, la ropa expresa un glamour, confianza y

sensualidad que, aunque potente, nunca domina la personalidad
del usuario, haciéndolos una de las fuerzas de diseño más
importantes que emergen de Italia en los últimos años.
Naomi Campbell para Dolce & Gabbana P/V1992

Imagen: vogue.it
NABA2020/21
Hoja complementaria
Dolce & Gabbana
Las operaciones minoristas de la compañía están creciendo en

todo el mundo, con boutiques propias y franquiciadas en el lugar
tanto para D & G de bajo precio como para líneas exclusivas Dolce
& Gabbana en toda Asia, Norteamérica y Europa, así como
boutiques en tiendas exclusivas de outlet en todo el mundo.
Cerca de la mitad de las aproximadamente 50 tiendas de la

compañía están bajo la bandera de Dolce & Gabbana, con el resto
como boutiques de D & G.
Dolce & Gabbana escparate en Milan

NABA2020/21
Hoja complementaria
Dolce & Gabbana
Dolce & Gabbana también ha ampliado su actividad de licencias

tanto para las marcas Dolce & Gabbana como D & G, pasando a
fragancias, gafas, ropa de playa, ropa interior, muebles para el
hogar y colecciones para adolescentes.
En 1999 Dolce & Gabbana tomó un mayor control sobre algunas de

sus líneas con licencia, manteniendo una posición de propiedad del
51 por ciento en su concesionario de la colección de la firma, Dolce
Saverio (propiedad del padre de Dolce) y seis por ciento de su
licencia de gafas Marcolin.
Bianca Balti para la linea de lentes Dolce & Gabbana

NABA2020/21
Dolce & Gabbana
D&G Publicidad, 2008

NABA2020/21
Hoja complementaria
Dolce & Gabbana
La colección de calzado de la compañía es una de sus historias de

éxito con licencia. Popular, especialmente en los EE.UU., la línea de
zapatos Dolce & Gabbana incluye más de 40 diseños cada año,
junto con 20 más bajo la etiqueta de D & G. Los socios creen que el
calzado no es sólo un accesorio sino un objeto de arte por sí solo.
Ellos abogan por la libertad de expresión en las opciones de

calzado, como llevar un vestido de noche de gasa con botas de
combate, como Gabbana dijo a Calzado Noticias en mayo de 1997.
Dolce & Gabbana Clazado durante el desfile de P/V 2014

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
Dolce & Gabbana
Las fragancias son otra categoría importante; Los diseñadores

añadieron nuevos perfumes a finales de los 90 para atraer a los
consumidores más jóvenes, mejorando su ya exitosa línea de
fragancias.
D & G Feminine y D & G Masculine fueron lanzados en 1999,

primero en Italia y luego en los Estados Unidos. Light Blue, para
los usuarios de 25 a 40 años de edad, debutó en 2001.
Laetitia Casta para el perfume de Dolce & Gabbana

NABA2020/21
Dolce & Gabbana
El movimiento hacia el vestirse más casual a finales de los años

noventa favoreció los diseños de Dolce & Gabbana en todos los
precios, ya que no importa cuán alto, su ropa siempre ha
conservado un cierto grado de comodidad y despreocupación.
La combinación de lujo y comodidad es una característica

constante de las colecciones de Dolce & Gabbana.
Dolce & Gabbana Campaña O/I 1992-93

NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Dolce & Gabbana ha continuado, como a lo largo de su historia, a

ser influenciado por Hollywood y para difundir la palabra sobre
sus líneas para las celebridades de Hollywood.
Además de mantener su relación de larga data con Madonna

(para quien crearon trajes y conjuntos para actuaciones y
álbumes en 2000), el dúo ha equipado a artistas como Mary J.
Blige y Whitney Houston para sus apariciones y actuaciones.
Celebridades con Miss Sicily bolsa de Dolce & Gabbana

NABA2020/21
Dolce & Gabbana
A lo largo de la década de 1990 y principios de 2000, los

diseñadores mantuvieron su enfoque en la diversión, ropa sexy
para hombres y mujeres, con estampados de animales, colores
vibrantes, tejidos de alta tecnología y experimentales y
artículos de inspiración interior.
Ellos favorecen combinaciones inusuales de estilos y materiales,

denominados “el estilo de los corsés y pinstripes ”, por Time
International en marzo de 1999.
Dolce & Gabbana Corsé de P/V 2013

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Dolce & Gabbana
Su colección 2002-03 de OI cuenta con franjas, gorras y chalecos,

vestidos de cuero patchwork vaina, botas reptiles, faldas
“longuette” y pieles con parte interior manchada. Incluso si se
combina en una colección de invierno, la idea de la ropa interior a
plena vista fue una vez más sugerido, en los modelos superiores
como Naomi o Gisele.
En la colección 2004-05 de OI, los temas clave fueron revisados:

los tradicionales vestidos negros ajustados se combinaron con
unas parkas oversize de nylon. El tema felino fue impreso
gráficamente en los vestidos, también con estampados florales,
ópticos o oro total. Con el tiempo, sus colecciones han
presentado muchos más detalles, materiales y adornos
preciosos.
Dolce & Gabbana, Pasarela O/I 2002-03

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Hoja complementaria
Dolce & Gabbana
Un mambo femenino italiano irónico es protagonista de la colección

PV 2012: patrones vegetales, adornos del ganchillo en los
juegos, vestidos envolventes, faldas voluminosas o rectas.
El mundo de Dolce & Gabbana incluye ropa y accesorios,

restaurantes y cosméticos - en 2009 Scarlett Johansson fue el
rostro de la primera colección de maquillaje e incluso diseño de
automóviles y producción de música.
Dolce & Gabbana Campaña de Maquillaje , 2009

NABA2020/21
Dolce & Gabbana - Otoño/Invierno 2020-21
Dolce&Gabbana Fall/Winter 2020-21 moda femenina Dolce&Gabbana Fall/Winter 2020-21 moda femenina
NABA2020/21
Dolce & Gabbana - Primavera/Verano 2020-21
Dolce&Gabbana Spring/Summer 2021 moda masculina Dolce&Gabbana Spring/Summer 2021 moda masculina
NABA2020/21
Dolce & Gabbana - Primavera/Verano 2020-21
Dolce&Gabbana Spring/Summer 2020 moda femenina Dolce&Gabbana Spring/Summer 2020 moda femenina
NABA2020/21
Dolce & Gabbana - Otoño/Invierno 2020-21
Dolce&Gabbana Fall/Winter 2020-21 moda masculina Dolce&Gabbana Fall/Winter 2020-21 moda masculina
TU8
• PRESENTACIÓN EJERCICIO 4: PRINCIPALES TENDENCIAS
• HECHO EN ITALIA: EL ESTUDIO DE CASO GUCCI
• EJERCICIO 5 : DESARROLLE SU TENDENCIA Y PROYECTO
NABA2020/21
TU8 Presentación Ejercicio 4: Análisis: Tendencia principal
El Estudiante tiene que presenter:
a. Las tendencias elegidas: la descripción de la tendencia

b. ¿Cuáles son los principales elementos de estas tendencias
c. En qué marcas son visibles
NABA2020/21
TU8 Hecho en Italia: el caso de Gucci

• Introducción
• Guccio Gucci
• Años romanos
• La Bolsa “bamboo”
• El nacimiento de un logotipo icónico
• El foulard “Flora”
• Problemas de la década de 1970
• El renacimiento de la marca
• Estilo Tom Ford
• La alianza estratégica con PPR
• Frida Giannini
• Alessandro Michele
NABA2020/21
“Made in Italy”/ Hecho en Italia: el caso de Gucci
Introducción
Como si estuviera diseñada para un gitano bailando a los ritmos rock'n'roll o un trampolín descarado y lujoso en punta de punta en
tacones altos, la ropa muestra su propio carácter distintivo. Las minifaldas se levantan muy por encima de la rodilla, botas provocativas se
mezclan con bolsos de moda. La línea es descarada, irrespetuosa, extremadamente sensual, dura e independiente ... todo en
ediciones de lujo.
Esta podría ser la descripción de un bash celebrado detrás del escenario después de un concierto de Rolling Stones, pero no lo es.
Es una revisión de una colección reciente de Gucci, que describe diseños que han recorrido un largo camino desde los elegantes,
elegantes bufandas, monederos, guantes y bolsos que alguna vez fueron las marcas registradas de esta elegante casa de moda
florentina.
Es un cambio enorme comparado con sus orígenes una vez famosos elegantes. Pero sigue siendo nada comparado con el cuento de la
dinastía en sí; Un drama familiar de proporciones shakesperianas que viene completo con un rey envejecido y una princesa joven,
intrigas, luchas internas, éxitos y fracasos y un ascenso final al triunfo global.
En una palabra: Gucci; Un nombre de marca sinónimo de riqueza y lujo.
NABA2020/21
Hecho en Italia: el caso de Gucci
Introducción
En los años 50 y los años 60, Gucci era el sello distintivo de las
mujeres elegantes, de moda, con estilo y confiadas en sí
mismas.
María Callas llevaba sus bufandas a los ensayos en La Scala o el

Met con tanto placer como Jacqueline Kennedy sintió llevarlos en
las recepciones estatales.
Gucci era una marca de distinción, inmediatamente reconocible

en todas partes de Madrid a Hamburgo, de Acapulco a
Montreal.
Gucci, Vogue USA, 15 de noviembre de 1946

Imagen: Gucci The making of
NABA2020/21
Guccio Gucci
Empecemos desde el principio, con el fundador de la empresa,

Guccio Gucci, y la legendaria tradición artesanal de piel de
Florencia.
En las fotografías viejas y descoloridas, el caballero fundador de

la dinastía se ve como un verdadero dandy, con su postura de
húsar y un bigote gris torcido.
El joven Guccio Gucci era una especie de aventurero, que

trabajaba en hoteles de lujo europeos como portero y recadero.
Gucci publicidad, 8 de abril de 1922

NABA2020/21
Guccio Gucci
Gucci - Bolso de bambú - publicidad 1960 Editorial de Glamour USA, abril de 2006
Imagen: Gucci The making of Imagen: Gucci The making of
NABA2020/21
Guccio Gucci
Los largos años que había pasado jugueteando alrededor de los

Saboya habían dejado su huella. Ahora era un joven adulto,
ambicioso, completo y exigente en lo que se refería a los
productos que vendía. No es de extrañar que los artículos de piel
y las sillas de montar eran lo suficientemente buenas para ganar
el nombre, Gucci pronto ganó una reputación entre la nobleza
toscana y la corteza superior de la ciudad.
En poco tiempo, la sala de ventas y los talleres de Gucci a lo largo

del río Arno estaban trabajando a toda máquina.
Guccio Gucci , Florencia en 1940

NABA2020/21
Guccio Gucci
Gucci hecho en Florencia, 1953 Aldo Gucci, 1975

NABA2020/21
Guccio Gucci
Pasaron los años y caballeros y damas ecuestres fueron

reemplazados por dandies y “damas bellas”; conduciendo Alfa
Romeos y Lancias.
Era hora de que Gucci siguiera adelante. Decidió ampliar su

negocio y abrir una nueva sucursal en Roma.
Aunque las sillas de montar, las bridas, las alforjas y las botas
de montar seguían siendo una parte importante de los negocios
de la compañía, comenzaron a tomar un asiento trasero a lo que
entonces se conocían como “pequeñas bolsas elegantes”.
Aldo y Maurizio Gucci, en Nueva York 1972

NABA2020/21

Años Romanos
Años Romanos
El equipaje, las maletas, los zapatos y los bolsos finamente

diseñados asumieron el control, y Gucci estableció un nombre
prestigioso para sí mismo en el mundo de accesorios de moda.
La nueva tienda espaciosa en Via Condotti en Roma desarrolló
una reputación importante.
La gente se demoró frente a las grandes ventanas de la tienda,

reconociendo a Gucci como el hogar de una elegancia moderna y
estilo elegante, sentado en el centro de Roma, rodeada por
destacados joyeros y los sastres más distinguidos de la ciudad.
Ursula Andress y Linda Christian tienda Gucci en Roma

(mediados de 1960 y 1972)
NABA2020/21
Años Romanos
Al mismo tiempo, lo que ahora se consideraba “desviaciones

extranjeras y cosmopolitas en la moda”; despertaba
desaprobación oficial. Los italianos tenían que tener cuidado de
no seguir los dictados de la moda desde París o Londres
demasiado de cerca.
Guccio y sus empleados tuvieron que confiar en la imaginación y

el talento para encontrar maneras alrededor de las restricciones
apretadas. Hacia finales de la década de 1930 se desarrolló una
nueva tendencia: una gama de bolsos y bolsas finamente
acabados, duraderos pero elegantes hechos de materiales
domésticos auténticos y sencillos, como la caña y el cáñamo.
Equipaje de celebridades de Gucci

NABA2020/21
Años Romanos
Estrellas de cine, cantantes de ópera y señoras de la alta

sociedad estaban entusiasmados con los nuevos accesorios de
Gucci.
Eran pequeñas cosas elegantes, maravillosamente de moda y, sin

embargo, perfectamente patrióticas: ¡Definitivamente lo que debía
usarse!
L’Officiel Francesa, Marzo de 2010

NABA2020/21
La Bolsa “bamboo”
Éste fue el nacimiento de la icónica “bolsa de bambú” de Gucci.

El enorme éxito de la bolsa ayudó a los negocios a florecer y
mantuvo a la compañía de Gucci fuera de turbulentas aguas
económicas.
Hoy en día, más de medio siglo después, la bolsa de bambú

todavía está disponible en las tiendas Gucci, un artículo que se
ha convertido en parte por la gratitud pública y en parte como un
recuerdo afortunado.
Gucci «Bolsas “Bamboo”» en 1960

NABA2020/21
La Bolsa “Bamboo”
«Bolsos de bambú» de Gucci en la década de 1960

Imagen: guccimuseo.com
NABA2020/21
La familia Gucci tuvo su participación en la recuperación

económica. Los turistas estadounidenses que inundaron la
península italiana llevaban bolsas y pañuelos de Roma y Capri
por docenas. Los artículos adornados con las iniciales dobles de
G - recordando los hierros estriacitos minúsculos - alcanzaron el
éxito enorme en los EEUU.
Evocaron la magia del paisaje mediterráneo y ese cierto sabor

elegante del viejo continente empobrecido.
Procesamiento de bambú
NABA2020/21
A finales de los años cuarenta, Guccio entregó la dirección a sus

hijos, que ya trabajaban con él durante una década. Los chicos,
Aldo y Maurizio Gucci, estaban entrando en la década de 1950
con las mejores intenciones. Su primer objetivo era conquistar el
mercado americano.
Abrieron su primera tienda estadounidense en la Quinta

Avenida de Nueva York, y otros siguieron en Palm Beach y
Beverly Hills.
Harper's Bazaar EU 1967 Octubre

NABA2020/21
El nacimiento de un logotipo icónico
Audrey Hepburn llevando un bolso de Gucci, los años 60 Veruschka llevando un bolso Gucci. Roma, 1971
NABA2020/21
La Bolsa “Bamboo”
Princesa Diana Roma 1996 Marie Claire Francia, marzo 2010

NABA2020/21
La doble sujeción G y la franja rojo-verde, que cubría la parte

inferior de las sillas de montar, pronto se convirtieron en el logo
oficial de la compañía, así como en un símbolo
internacionalmente reconocido de vida y lujo de clase alta.
Hollywood fue el primero en ser ganado por los elegantes

productos de lujo de Gucci.
Audrey Hepburn y Grace Kelly eran mujeres Gucci ideales. Eran

delgados, elegantes, fascinantes y distinguidos, esencialmente
el ideal para las mujeres a ambos lados del Atlántico.
Diferente tipología del logo de Gucci durante los años

NABA2020/21

Nuevo logotipo de la patente Gucci 1955 Charlotte Casiraghi, Global champions tour, Valencia
Imagen: Gucci The making of Mayo 2010
NABA2020/21
Década de 1930 la placa Liftboy Gucci, grabado en metal logotipo de Gucci de mediados de 1970
NABA2020/21
Piezas icónicas de Gucci del Museo de Florencia

NABA2020/21
Publicidad del Gucci loafer ,1953 Gucci Publicidad OI 1995-96

NABA2020/21
Gucci loafers en el Museo Gucci

NABA2020/21
Gucci loafers por Alessandro Michele

NABA2020/21
Otro famoso fanático de la firma italiana era una socialité de

clase, luego la esposa de un joven político desconocido llamado
John Fitzgerald Kennedy. Pero no pasó mucho tiempo antes de
que Jacqueline Bouvier Kennedy se convirtiera en la más joven,
la más bonita y la más guapa primera dama de Estados Unidos
de todos los tiempos.
Brillante, sensible, gran amiga de artistas y escritores, Jackie

O se convirtió en un icono de su época y un embajador de facto
para el estilo fresco y elegante de Gucci.
Para los aristócratas, el ejemplo fue fijado por la duquesa de
Windsor, otra fan bien conocida de Gucci.
Jacqueline Kennedy Nueva York de 1970 a 1980

NABA2020/21
Jaqueline Kennedy, Ravello sur italia 1962 Selección de bolsas Jackie en diferentes tejidos
NABA2020/21
Look de celebridades de Gucci Look de celebridades de Gucci

NABA2020/21
Musica y el estilo Guccy Carla Bruni y Nicolas Sakozy, Noviembre 2009

NABA2020/21
Aldo Gucci tendía a emplear a los descendientes de familias

europeas acomodadas en la tienda de la Quinta Avenida.
Naturalmente, esto hizo poco o nada para mejorar las actitudes o
la calidad del servicio, pero resultó ser una excelente inversión
en reputación. Cualquiera podía ver que Gucci quería decir clase.
Otro de los movimientos exitosos de Aldo fue premiar a sus

mejores clientes con tarjetas VIP que les permitieron visitar la
sección superior exclusiva donde, sin empujar, podían escoger
entre los nuevos modelos que aún estaban a la espera de ser
lanzados.
Gucci Logomania
NABA2020/21
Detalles del Foulard Flora Bolsa de cadena, tejido Flora, colección de cruceros 2005
NABA2020/21
El foulard “Flora”
Hacia fines de los años cincuenta, la compañía trotó otro golpe: el

foulard “Flora”.
El primer modelo de la Flora fue creado originalmente para Grace
Kelly, la popular princesa de cuentos de hadas de esa década,
que salió de la pantalla de plata directamente en los brazos de un
príncipe real vivo, encarnando uno de los sueños más antiguos y
duraderos de la humanidad.
En su muy anunciada boda, los invitados recibieron una bufanda

Gucci como recuerdo del evento.
Vestido estampado Flora de la primera colección prêt-à-porter

NABA2020/21
Concepto Flora
NABA2020/21
Celebridades y Gucci siempre han hecho un par bien redondeado.

A medida que los sabores refinados y elegantes de los años
cincuenta dieron paso a los estilos más casuales de los años 60,
el nuevo favorito de Jackie Kennedy se convirtió en el bolso con
correa de hombro; Hoy simplemente conocido como el “Jackie
O”.
Otros como Liz Taylor, Samuel Beckett, Jean Paul Belmondo y

Peter Sellers favorecieron la unisex no estructurada “Hobo bag”.
Bolsas Icónicas de Gucci

NABA2020/21
Problemas en 1970
Después de medio siglo de éxito, los problemas de Gucci

comenzaron en los años 70, con la tercera generación de Gucci.
Para entonces la familia florentina había compilado una enorme
fortuna.
A diferencia de las empresas puritanas inglesas o

estadounidenses que consideraban la disposición de inmensas
fortunas familiares como asunto de un consejo de administración
apropiado, los italianos centrados en la familia dejaron todo a los
nietos, incluida la administración.
Los vestidos de Gucci de los 70’s

NABA2020/21
Problemas en 1970
Paolo tenía la intención de romper con el negocio familiar, y

quería crear su propia compañía con una línea completamente
nueva de su propio diseño, pero bajo la misma conocida etiqueta
Gucci. Sobra decir que la familia se volvió contra él.
El litigio se prolongó durante años, y los periódicos

sensacionalistas e incluso los periódicos de calidad dedicaron
incontables páginas a las batallas cada vez más adversas de esta
respetable y casi aristocrática familia italiana.
Jane Birkin llevando el loafers de Gucci, 1969

NABA2020/21
Problemas en 1970
Presuntamente sus propios familiares proporcionan la evidencia

condenatoria. Gianni Versace, quien fue famoso fiel al concepto
de empresa familiar y pasó a ser en los Estados en aquel
momento dio una entrevista a la prensa americana en la que
declaró con característica despreocupación italiana: «no olvides
larga historial de Italia. Todavía estamos en ese mismo país de
intrigas infames, Los Borgia. Las empresas familiares a menudo
tienen aspectos riesgosos para nosotros”.
Jodie Foster usando los “Horsebit loafers” de Gucci, 1977

NABA2020/21
Problemas en 1970
Mientras tanto, bajo la amenaza de la quiebra Gucci se transformó en una sociedad anónima, y las acciones lentamente pero
seguramente comenzó a escabullirse de las manos de la familia.
Los miembros masculinos del clan de Gucci, sin embargo, continuaron gozando de la buena vida, adquiriendo reputaciones bien-
fundamentadas del playboy en ambos continentes.
"Él fue el hombre más atractivo que he conocido, esposa americana de Paolo Gucci dijo a los periodistas después de su divorcio, "cariñoso,
amable y generoso. ¿Por qué se separan entonces? Me puso más cuernos que los que usted vería en un campo lleno de cabras. "
En la cultura italiana, los “cuernos”; son sinónimo de traición amorosa, y esta era la manera de decir que Gucci la había engañado más
veces de lo que ella podía contar.
NABA2020/21
Problemas en 1970
La familia apenas tuvo tiempo de recuperar el aliento antes de que

el escándalo volviera a golpear. Otro Gucci, Maurizio, que todavía
tenía una gran participación en el negocio y continuaba ejerciendo
el poder en la compañía, fue asesinado en Milán.
Esto ocurrió justo cuando estaba trabajando duro para resolver las
dificultades de la compañía y encontrar nuevas maneras para
Gucci para salir de su situación catastrófica.
Selección de publicidad de loafers durante los años

NABA2020/21
El renacimiento de la marca
Pero para entonces el futuro de la compañía ya estaba firmemente

en manos del director ejecutivo de Gucci America, Domenico De
Sole, y un joven y ambicioso diseñador llamado Tom Ford.
De Sole entró a cuadro tras la decadencia de la familia,

convirtiéndose en el director más influyente de Gucci en Estados
Unidos, el mayor mercado de la compañía.
Él desempeñó un papel clave en ayudar a Maurizio Gucci quitar

el anciano Aldo de su puesto como presidente del consejo.
Tom Ford
NABA2020/21
Tanto Gucci como De Sole estaban satisfechos con su elección.

Maurizio finalmente sintió que su barco había entrado y que había
asegurado el futuro de su elegante casa. Tom Ford no tardó en
revelar su verdadero talento.
Mientras sus compañeros soñaban con líneas tradicionalmente

elegantes y trajes marrones moderados, Ford se concentró sólo
en negro, y se sintió decidido a convertir la casa Gucci alabado en
una etiqueta absolutamente de moda y tendencia.
Al principio, sus planes no salieron bien. Ford se encontró con

dificultades ya en los corredores de la empresa. De Sole tuvo que
intervenir repetidamente antes de que a el joven diseñador
estadounidense se le diera finalmente la carta blanca.
Tom Ford y Domenico de Sole

NABA2020/21
La moda estaba cambiando; En las pasarelas celebradas casas

como Jean Paul Gautier y Dolce & Gabbana fueron los nuevos
diseñadores que marcaban tendencia en el mundo y los
fashionistas del hard-core se movían hacia nuevos horizontes.
Los gustos de Tom Ford estaban a años luz de la idea de Maurizio

Gucci de elegancia de renombre, pero infinitamente más cerca
de los deseos de las chicas y chicos de moda en todo el
mundo.
Publicidad de Ryan Kennedy P/V 2010

NABA2020/21
Estilo Tom Ford
La primera pasarela del renacimiento de Ford, sostenida en

1994, pasó en una oscuridad relativa. La prensa hizo alusión a la
colección del joven diseñador estadounidense, pero Ford se forjó
obstinadamente por delante.
Pronto encontró su propio estilo y cosechó las recompensas de la

primavera siguiente.
Portada de las revistas más importantes de los años 2000

NABA2020/21
Estilo Tom Ford
Fue un cambio radical. Atrás quedaron la

elegancia tradicional y los buenos modales.
Fueron reemplazados por un conjunto de jet
abiertamente sexy, provocativo, vulgarizado y
moderno. En el cuartel general de Gucci, los altos
funcionarios sonreían contentos.
La innovadora y original colección de mujeres fue

un éxito.
En pocos meses estrellas como Madonna, Liz
Hurley y otros comenzaron a aparecer en eventos
de gala vestidos de Gucci de arriba a abajo.
Vestido icónico de la colección Gucci de Tom Ford

NABA2020/21
Estilo Tom Ford
Publicidad Erotica de Gucci P/V 2003

NABA2020/21
Estilo Tom Ford
Incluso los bolsos nuevos estaban vendiendo bien. Gucci, que

había estado en declive desde la década de 1970, de repente
recuperó la fuerza. Después de todo, los tiempos estaban
cambiando.
Dos décadas antes, el mayor deseo de una mujer era

presentarse como una dama; Desde la década de 1990 las niñas
sólo querían quedarse niñas, incluso una vez que cumplieron 70
años.
Tom Ford entendió esto perfectamente, y abandonó la elegancia

tradicional en el momento perfecto.
Campaña publicitaria O / I 2004-05

NABA2020/21
Estilo Tom Ford
Esta misma sexualidad explosiva estaba presente en todas las

colecciones de Ford. En sus faldas, tops y vestidos, los muchos
tonos de negro formaban parte del mismo mensaje fuerte y
nuevo.
Era un tipo europeo de estilo sofisticado, junto con la libido

estadounidense directa; Vestidos de clase con fuertes acentos
sensuales.
Incluso si indirectamente, gran parte de esto se ha filtrado a la

gente en la calle.
Campaña de publicidad a finales de los noventa y

principios de los años 2000
NABA2020/21
Estilo Tom Ford
Gracias a la previsión de De Sole ya la intuición de Ford, la

empresa fue una vez más vanguardista. Después de largos años
de decadencia, de repente las órdenes estaban inundando los
talleres florentinos. Los éxitos de Ford enviaron nuevo vigor a
través de las venas de la compañía.
En los años siguientes sus shows fueron aplaudidos año tras año,
y Ford se convirtió en una superestrella internacional.
La revista People lo incluyó en las 50 personas más

encantadoras de la tierra, y estaba a la altura de la reputación.
Campaña publicitaria durante los años 2000

NABA2020/21
Estilo Tom Ford
Sus intuiciones de negocios eran excelentes también.

Operaciones como la exitosa remodelación de la olvidada
etiqueta de Bottega Veneta y el relanzamiento de Yves Saint
Laurent demostraron su capacidad e intuición incluso cuando se
trataba de asuntos de negocios muy exigentes.
Incluso Armani se fijó en Ford.
Campaña publicitaria O / I 1996-97

Imagen Gucci The making of
NABA2020/21
Estilo Tom Ford
Gucci estaba viviendo un momento encantado, y en 1995 la

empresa se lanzó con éxito en la bolsa de valores.
Dada su estructura y composición, el propio evento marcó
tiempos cambiantes. Gracias a las exitosas colecciones de Ford,
las cifras de ventas de ropa superaron con creces las de
marroquinería en las cuentas de la empresa.
Al mismo tiempo, el éxito de la ropa Gucci estaba convirtiendo las

tradicionales bolsas Gucci, zapatos y botas de nuevo en
bestsellers de nuevo.
Editorial Gucci a comienzos de los años setenta

NABA2020/21
La alianza estratégica con PPR (ahora Grupo Kering)
Gucci fue un éxito instantáneo en el mercado de valores, y por lo

tanto De Sole llegó a ser considerado como uno de los directores
generales más exitosos de Europa. Apenas pasó una semana
cuando no estaba dando una entrevista a este o aquel periódico
financiero prominente. Pero la paz y la prosperidad no duraron
mucho.
Una vez más, las nubes comenzaron a reunirse en el horizonte

para la casa de moda florentina. La posición de De Sole en la
empresa no era lo suficientemente fuerte, y tampoco podía confiar
en el apoyo de la constante intrigante familia Gucci.
Maggie Rizer, Vogue Reino Unido 2000 Mayo

NABA2020/21
Gucci siguió siendo una empresa relativamente pequeña y, por

lo tanto, un apetitoso bocado para los grandes depredadores
financieros del mundo.
Prada llegó primero: Bertelli inicialmente adquirió inicialmente un

modesto 5% de las acciones de Gucci, que rápidamente aumentó
a un 9,5% no tan modesto. Pero el movimiento de Bertelli fue sólo
la llovizna antes del diluvio.
Un poderoso rival francés, el conglomerado de lujo LVMH,

propietario de las etiquetas Vuitton, Dior y Givenchy, hizo un
esfuerzo concertado para adquirir Gucci.
Campaña publicitaria P / V 2004

NABA2020/21
De Sole mantuvo conversaciones con Armani, eligiendo la oficina

de un destacado abogado corporativo para sus discusiones
preliminares como un terreno común seguro para olfatear las
cosas.
Armani parecía atraído por la posibilidad de entrar en los

mercados de bolsas de lujo, zapatos y botas, y todavía podía
recordar claramente la edad de oro de Gucci y su posición
destacada en los EE.UU.
Bolso gucci de los años 60 y 70 con motivo verde-rojo-verde

NABA2020/21
En última instancia fue Pinault, el otro gigante de lujo francés y

el mayor competidor nacional de LVMH, que se convirtió en la
última esperanza de Gucci y única alternativa concreta a la
adquisición no deseada.
De Sole buscaba secretamente el apoyo de Pinault. A medida que

las reuniones de París lentamente ganaban impulso, las
negociaciones de Milán con Armani se ralentizaron y finalmente
se detuvo por completo.
Francois Henri Pinault – del Grupo Kering

NABA2020/21

La empresa votó a favor de De Sole, y el nuevo capital de Pinault se encargó del resto. Gucci podría continuar en el camino que comenzó
con los programas de Tom Ford, y la pasarela volvería a sonar con aplausos.
“He hecho dieciséis colecciones y ocho demostraciones de pista al año”, dijo Ford recordando esas épocas”; en las que constantemente
hay que reinventar la rueda: el nuevo zapato, la nueva bolsa, lo nuevo, y es tan desechable. La moda masculina es un negocio diferente,
es un negocio más lento, es menos sobre la moda y más sobre la calidad, Así que puedo tener pelo plateado y seguir haciendo lo que
estoy haciendo y buscar que todo tenga sentido”.
La historia de éxitos de Gucci se interrumpió abruptamente en 2004, cuando De Sole y Ford abandonaron la compañía. Nada se filtró
sobre lo que sucedió detrás de las escenas, no se celebraron conferencias de prensa y nadie hizo declaraciones.
Con unas breves líneas en un comunicado de prensa, la junta de la compañía dijo al mundo lo que vendría después.
NABA2020/21
Frida Giannini
Los postes de De Sole y Ford fueron ocupados por incontables

desconocidos Mark Lee y Frida Giannini. El primero fue
nombrado director ejecutivo de la compañía y esta última se
convirtió en su director creativo.
Aunque el público apenas conocía su nombre, Frida había

trabajado para Gucci durante años. Ella estaba a cargo de la
rama de accesorios estratégicamente importante, y fue
considerado como una de las estilistas más talentosas de la
compañía.
Frida Giannini
NABA2020/21
Frida Giannini
El público tomó de inmediato el estilo innovador y

contemporáneo de Gucci. Las colecciones de Frida Giannini eran
frescas, caracterizadas por el estilo de una mujer autosuficiente,
que expresaba un enfoque moderno e independiente y se
mezclaba en bordados, detalles precisos y elementos estilísticos
que insinuaban el pasado.
Por supuesto, todo esto fue junto con una dureza rock'n'roll, un
montón de accesorios, cadenas de oro y zapatos o botas
adecuadas.
Flotando a lo largo o no, el éxito de Giannini ha continuado desde

entonces, y la casa de Gucci está siguiendo con confianza el
camino Tom Ford primero fijado para la compañía.
Frida Giannini, Elle España Marzo 2010

Imagen: Elle Spain
NABA2020/21
Frida Giannini
La tienda de Via Montenapoleone, en el corazón de la llamada

“plaza de la moda” de Milán, registra un enorme volumen de
negocios. Gucci es el vendedor más vendido en el centro de Milán,
muy por delante de Prada y Armani.
En la estela de la “era aguada”; de los años 70 y 80, la calidad es

una vez más delantera y central en los productos de la compañía.
Sus gafas de sol, por ejemplo, no sólo son elegantes, sino que se
ajustan bien a la cara y cómodamente. Son productos ligeros y
de alta calidad.
Tienda Gucci
NABA2020/21
Alessandro Michele
Alessandro Michele, uno de los nombramientos más

sorprendentes y comentados de la industria, fue anunciado como
el nuevo director creativo de Gucci en enero de 2015.
Con el fuerte apoyo de Marco Bizzarri, presidente y consejero

delegado de la marca, Michele ha recibido el reinado libre para
llevar su sentido idiosincrásico de estilo vintage a la casa de
moda italiana.
Alessandro Michele con Margaret Zhang

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
Gucci Otoño/Invierno 2015-16

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
Como Giannini antes que él, Michele fue promovido dentro de la

compañía. Pero a pesar de ser bien conocido dentro de Gucci,
después de haber trabajado allí desde 2002 como jefe de
accesorios bajo Ford y Giannini, era virtualmente desconocido
fuera de él.
A pesar de la conmoción de la industria de que tal

responsabilidad podría ser entregada a un diseñador no probado,
Bizzarri fue inflexible que había encontrado la persona adecuada
para el papel, declarando que Michele fue elegido “sobre la base
de la visión contemporánea que ha articulado para la marca que
ahora traerá a la vida”. Como más tarde afirmó a Vogue: “La moda
es crear emoción - no es necesariamente racional”.

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
De repente, en el punto de mira mundial, justo antes de la

semana de la moda masculina, el nuevo jefe de diseño se enfrentó
a un dilema. Podía mostrar la colección (casi terminada) de su
predecesor, o descartarla y empezar de nuevo con la suya.
Él optó por este último, y en unos asombrosos cinco días -

aparentemente ajeno a la enorme presión sobre sus hombros -
Rediseñó toda la colección desde cero.

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
La colección que entregó cinco días más tarde fue una

reinvención total de la etiqueta.
Él reposicionó la casa, presentando piezas eclécticas y vibrantes
mezcladas en una mezcla colorida de vintage y nueva. El primer
modelo en la pista de Milán estaba tan lejos de la Gucci de la
antigüedad como era posible ser.
El nuevo hombre de Gucci tenía el pelo largo y llevaba una

blusa roja “pussy-bow” . Michele entregó hombres vestidos de
mujeres y mujeres vestidas de hombres.
Los modelos eran geeky, los géneros eran borrosos y la ropa era
una revelación.

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
Avance a junio de 2016 y encuentro que marcó el comienzo en el

ambiente calmado de la Abadía de Westminster de Londres, por
delante el desfile de la colección Gucci crucero 2017.
La catedral ha permanecido durante 900 años, impermeable a las

idas y venidas de los monarcas, y las guerras civiles y mundiales
que han hecho estragos fuera de sus muros. Nos guían alrededor
de la parte posterior a los claustros de Westminster, el pedacito
que los visitantes rara vez ven, una vez casa a los monjes de la
abadía.
Gucci Crucero 2017

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
Gucci Cruise 2017 en la Abadía de Westminster de Londres

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
La colección de cruceros 2017 es descrita por Michele como “un

homenaje al pueblo inglés”. Como un confeso anglófilo, ha
admirado durante mucho tiempo la irreverencia de la moda
británica. Si los franceses son conocidos por su elegancia, y los
italianos por sus zapatos, por lo que los británicos son famosos
por sus inclinaciones excéntricas.
Michele habla de “una actitud británica”; a su trabajo y se siente

atraído por las muchas facetas de la cultura británica, ya sean los
punks de los años 70 en Londres o los jardines del arquitecto
paisajista Capability Brown del siglo XVIII.
Gucci Cruise 2017

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
Las referencias británicas son claras desde el principio, como

motivos de animales de cerámica victoriana aparecen faldas de
tartán, bolsas y chaquetas de bombardero de la era skinhead –
ahora reimaginados en florales.
Es una colección inspirada en “punks, Victoriana y en chicos de

escuela”, dice Michele. Los pantalones vaqueros salpicados de
blanqueador y las botas con puntera de acero se suavizan con
chaquetas de smoking, mientras que las malas hierbas de las
viudas victorianas se usan con zapatos de enredadera de
burdeles.
Gucci Cruise 2017

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
En definitiva, es un enfoque nada va desenfrenado, de vestirse, y

si se siente emocionante pero inconexos, pronto llega a estar
claro que esto es precisamente el punto de Michele.
Como con todas sus colecciones y esta es su séptima las piezas

son sorprendentemente original todavía gratamente familiares.
Tiene una innegable habilidad para combinar elementos vintage
de maneras que los hacen totalmente moderno y fresco.
Gucci Cruise 2017

Imagen: vogue.com
NABA2020/21
Alessandro Michele
Gucci Cruise 2017 Gucci Cruise 2017

NABA2020/21
Alessandro Michele

NABA2020/21
Alessandro Michele

NABA2020/21
Alessandro Michele

NABA2020/21
Alessandro Michele

NABA2020/21
Alessandro Michele
La nueva tienda Gucci en via Montenapoleone, Milán

NABA2020/21
Hecho en Italia: El caso de estudio Gucci
Alessandro Michele
Gucci Fall/Winter 2020-21 Gucci Fall/Winter 2020-21

NABA2020/21
Alessandro Michele
Gucci Fall/Winter 2020-21 moda masculina Gucci Fall/Winter 2020-21 moda masculina
NABA2020/21
Alessandro Michele
Gucci Spring/Summer 2020 Gucci Spring/Summer 2020

NABA2020/21
Alessandro Michele
Gucci Spring/Summer 2020 moda masculina Gucci Spring/Summer 2020 moda masculina
NABA2020/21
TU8 Inicie el ejercicio 5: Desarrolle su tendencia
BRIEF GENERAL
Cada estudiante tiene que elegir una era histórica o un movimiento cultural / artístico / de moda como inspiración para crear la
prenda para el proyecto final.
Parte 1_ Desarrolle su Tendencia: INVESTIGACIÓN Y ANÁLISIS

A partir de una investigación sobre la época histórica o el movimiento seleccionado, cada estudiante tiene que crear un moodboard inspirador
con imágenes y dibujos del contexto internacional para resumir el análisis.
Parte 2_ Desarrolle su tendencia: DESARROLLO FINAL

Los estudiantes desarrollarán una prenda basada en el moodboard inspirador que han creado.
NABA2020/21
TU8 Inicie el ejercicio 5: Desarrolle su tendencia – Parte 1
PARA LA SIGUIENTE LECCIÓN
Parte 1: INVESTIGACIÓN Y ANÁLISIS
A. Los estudiantes necesitan investigar la era histórica o el movimiento cultural / artístico / de moda que eligen como inspiración para
entender todos los aspectos de ese período.
B. Los estudiantes deben analizar los resultados de la investigación realizada y seleccionar las imágenes que podrían ser una
inspiración para crear una prenda de vestir.
C. Cada estudiante tiene que crear un moodboard inspirado con dibujos y dibujos del contexto internacional para explicar la era histórica o
un movimiento cultural / artístico / fashion elegido para crear su tendencia.
D. Los estudiantes necesitan escribir un texto corto para explicar cuál es la inspiración.
E. Los estudiantes presentarán el moodboard en papel o formato digital.
NABA2020/21
TU8 Ejercicio 5 de Lanzamiento: Desarrolle su tendencia – Parte 1_muestra
Parte 1: INVESTIGACIÓN Y ANÁLISIS_ Muestra
EJEMPLO DE TEXTO: “La colección está inspirada en el contraste entre los conceptos
de Star y Dust. El personaje principal es una campesina (Dust) que quiere escapar de
esta realidad. Se refugió en su imaginación y sueña con ser parte del mundo glam - rock
de los años 70. [...] “
Francesco De Carli
Imagen: stardust-naba.com
TU9
• ESTUDIO DE CASO LOCAL
• EJERCICIO 5: DESARROLLE SU TENDENCIA PARTE 1
• EJERCICIO 5 DE LANZAMIENTO: DESARROLLE SU TENDENCIA PARTE 1
NABA2020/21
Estudio de caso local: CRISTIAN COTA
TU09 Estudio de caso local: CRISTIAN COTA
NABA2020/21
Christian Cota
Christian Cota nace en 1982 en la Ciudad de México.

Asistió al colegio Vista Hermosa. Estudio pintura en París. Luego
estudia Diseño de la Moda en Parsons School of Design, se
egresa en 2005.
Trabajó como asistente de Angel Sánchez.
En 2007 desarrolla el plan de negocios y sale su primera
Colección.
NABA2020/21
"El camino de la moda es mucho trabajo, pero me gusta tanto, que no lo sentía.”
NABA2020/21
En el 2009 recibió el premio RisingStarpor parte de FashionGroup'sInternational
NABA2020/21
Su principal misión: poner muy en alto el nombre de México.
NABA2020/21
Apoya nuevos talentos Mexicanos
NABA2020/21
TU9 SU INSPIRACION
Karl Lagerfeld
Quien más me interesa es Karl Lagerfeld. Lo que me llama la atención Diseñadores que lo inspiran:
de él es que Chanel (marca de la que es director creativo) es de las • Madame Grès
pocas que están vigentes a pesar de que es una firma muy antigua,
• Karl Lagerfeld
siempre se mantienen modernos; las niñas de 15 años quieren usarla,
su lema es "never look back". Aspiro a seguir esa filosofía, cada vez
que empiezo a diseñar y siento que repito algo, lo echo para atrás.
NABA2020/21
Un error que cometen muchos diseñadores es que crean ropa para

una mujer ficticia, siendo que el reto es diseñar para alguien que
en verdad lo quiera usar.
NABA2020/21
El diseñador mexicano Christian Cota continúa cosechando logros

en la escena mundial de la moda.
• La buena vida
• Las comodidades
• El arte
• Diseña para una mujer real
• Seguro de sí mismo
• Busca destacarse dentro del mundo de la moda
• Emprendedor
NABA2020/21
El diseñador mexicano Christian Cota en su estudio en la ciudad de Nueva York
Imagen: http://tomo.com.mx/2010/05/10/entrevista-a-christian-cota/
NABA2020/21
Imagen: http://tomo.com.mx/2010/05/10/entrevista-a-christian-cota/
NABA2020/21
Colombiamoda: un tren de alta velocidad/Christian Cota o el

mago del huipil y del cárdigan
Las prendas ancestrales de su tierra como los huipiles, chales y

sarapes son la marca de su trabajo. El mexicano Christian Cota,
formando en Nueva York en el arte de las pasarelas y el diseño,
cierra Colombiamoda 2012
http://www.revistadiners.com.co/especial.php?id=15
NABA2020/21
Imagen: http://es.fashionmag.com/news/Mexicano-Christian-Cota-lleva-a-la-pasarela-brillantes-colores-de-su-pais,233887.html
NABA2020/21
Imagen: http://www.labelleetleblog.com/tag/christian-cota
NABA2020/21
Imagen: http://relevant.at/life/fashion/686584/designer-christian-cota-erobert-new-york.story
NABA2020/21
Talento mexicano en la NYFW: Christian Cota

COLECCIÓN 2012
Imagen: http://mujerquesabelatin.com.mx/blog/talento-
mexicano-en-la-nyfw-christian-cota/
NABA2020/21

COLECCIÓN 2012
NABA2020/21

COLECCIÓN 2012
NABA2020/21

COLECCIÓN 2012
NABA2020/21

COLECCIÓN 2012
Imagen: http://www.wardrobeofasecretmillionaire.com/2012
NABA2020/21
Estudio de caso local: Sergio Alcalá Rivero
TU9 Estudio de caso local: Sergio Alcalá Rivero

Nació en México, D.F el 10 de marzo de 1984.
Creció en la ciudad de Morelia. Michoacán.
Desde su pre adolescencia realizaba arte-objeto inspirado en su contexto y ya realizaba prendas de vestir. En la adolescencia tomó clases de
pintura y escultura que dieron lugar a las primeras exposiciones públicas de sus creaciones que fueron seguidas por instalaciones artísticas y
de arte conceptual.
NABA2020/21
Colecciones
• Paper Fashion Pordio Retro Deportivo
• Mexican Kitsch
• Kitsch Contemporáneo Ecléctico Mexicano
• Es el Showman de la moda mexicana
• 2010 creo el vestuario de la obra Soy Jason, Tengo 28 años
NABA2020/21
Sergio Alcalá Rivero
La revista de moda ELLE se refiere a él como el Jean Paul Gaultier

de México y escribe que su estilo tan enfocado lo convierte en la
persona que mirar del momento.
NABA2020/21
SERGIO ALCALA DISEÑADOR DE MODA CONCEPTUAL

URBANA
Imagen: http://g-shock.casio-
latin.com/stw/event/party_mexico/images/Sergio%20Alcala%20-
Designer-.JPG
NABA2020/21
TU9 Parece que la ropa muestra en sí un discurso

donde el color, lo kitsh y el México popular convergen
• Ropa tanto para hombres como mujeres que parece retro de los años 80
• Colorida y deportiva pero saturada
• Gran combinación de texturas
• Decorados con cintas
• Encaje
• Estampados
• Brillos
• Textiles
• Símbolos religiosos
• Máscaras
• Tramas digitales
• Estampados de figuras precolombinas.
NABA2020/21
MEXICAN URBAN KITSCH
NABA2020/21
MEXICO FASHION WEEK 2009 STREET FASHION EMOTION COLECCIÒN
Fashion Week México tuvo un gran cierre, con diseñadores de la talla de Sergio Alcalá, quien presentó su colección Street Fashion Emotion
inspirada en una introspección que tuvo hace tiempo en donde se dio cuenta que su verdadera pasión en la vida es diseñar.
NABA2020/21
Con una serie de 36 prendas que se destacaron por su

atrayente colorido y su extravagante estilo, se adueñó
de la pasarela, tomando como tema una metáfora
asociada con el box, la búsqueda en tres rounds, de la
tranquilidad, la pasión y la felicidad.
NABA2020/21
"Mediante la psicología del color que quise manejar, decidí

que los colores perfectos para el primer round eran el blanco y
el menta, en todas sus variantes. El último round fue la locura
total, quise generar ropa de lujo pero con un toque súper gay,
porque éste significa felicidad, para mí es un segmento de la
población que me encanta y (ellos) disfrutan de mi producto, y
yo estoy a su favor", añadió Sergio Alcalá.
Imagen: http://fotos.eluniversal.com.mx/web_img/fotogaleria/fashionluisa3.jpg
NABA2020/21
NABA2020/21
MEXICO FASHION WEEK 2009 STREET FASHION EMOTION COLECCIÒN
Video Link 3’21’’
NABA2020/21
MEXICO FASHION WEEK 2009

STREET FASHION EMOTION
COLECCIÒN
NABA2020/21
MEXICAN URBAN KITSCH
NABA2020/21
Su obra se inspira en su experiencia en fotografía, arte digital,

películas y actuaciones en directo. "Cuando la gente piensa
en la moda mexicana, piensan que todavía todos estamos
sentados haciendo huaraches. Quiero llevar la moda
mexicana a un nuevo nivel.
Fashion Week México 2008.

http://dechismes.com/los-disenos-locochones-de-sergio-alcala/
NABA2020/21
Colección MX-3000
NABA2020/21
NABA2020/21
NABA2020/21
Proyecto de sustentabilidad, todo surgió en base a un viaje en

metro, veía el vagón lleno de gente y texturas diferentes;
desde mezclilla, pana, algodones, polyester, nylon y los
detalles de diferencia de colores, y en base a eso se me
ocurrió la onda de reutilización de materiales.
NABA2020/21
http://www.sergio-alcala.com/
NABA2020/21
TU 9 Examen Ejercicio 5: Parte 1_ Investigación y Análisis
El profesor debe revisar el desarrollo de la primera parte del ejercicio 5.
Particularmente, el maestro debe revisar:
• La investigación y el análisis
• La coherencia de la selección de imágenes para moodboard
• El desarrollo de moodboard
NABA2020/21
TU9 Lanzamiento de Ejercicio 5: Desarrolle su Tendencia_Parte 2
PARA LA ÚLTIMA LECCIÓN
Parte 2: DESARROLLO FINAL
Creación de una prenda:
A. Cada estudiante, sobre la base del análisis y el moodboard (parte 1) sobre el contexto internacional, hace los primeros esbozos.
B. Cada estudiante investiga y presenta telas, colores, dibujos técnicos relacionados con las prendas que quiere presentar.
C. Cada estudiante desarrolla los dibujos de la prenda (ilustraciones).
D. Cada estudiante presenta la prenda final mostrando toda la vista de cada prenda: ilustraciones, telas, colores, dibujos técnicos y fotos de
la prenda si la escuela requiere también el prototipo.
NABA2020/21
Lanzamiento Ejercicio 5: Desarrolle su Tendencia_Parte 2
Ejemplos de ilustraciones
Francesco De Carli Francesco De Carli

Imagen: stardust-naba.com Imagen: stardust-naba.com
NABA2020/21
Ejemplos de ilustraciones

NABA2020/21
Ejemplos de desarrollo de prendas de vestir
A. Cada estudiante desarrolla los dibujos finales de la prenda

(ilustraciones) con los detalles como; Telas, cortes, colores.
Etc ..
B. De acuerdo con el maestro, cada estudiante puede realizar la

prenda final en tamaño completo o en una medida de cuarto
de tamaño.

TU10
• REPASO DEL EJERCICIO 5: DESARROLLE SU PARTE 2 DE LA TENDENCIA
NABA2020/21
TU10 Revisión del ejercicio 5: Desarrolle su tendencia Parte 2
El maestro debe revisar el desarrollo de la segunda parte del proyecto final.
En particular, el profesor debe revisar:
• Los primeros bocetos
• Telas, cortes, medidas y formas de exploración.
TU11
• REVISE EL EJERCICIO 5: DESARROLLO DE SU TENDENCIA PARTE 1 Y PARTE 2
NABA2020/21
TU11 Repaso del ejercicio 5: Desarrollo de su tendencia
Cada estudiante tiene que presentar el borrador de la presentación final, incluyendo:
• Los dibujos técnicos
• Las ilustraciones con explicación de telas, cortes, medidas, formas
• El prototipo de la prenda
TU12
• PRESENTACIÓN FINAL: EJERCICIO 5
NABA2020/21
TU12 Presentación final

Durante la presentación final los estudiantes presentarán al maestro y los compañeros de clase;
A. El moodboard explicando desde dónde y cómo llegaron a la inspiración que tuvieron que diseñar la prenda.
B. Las ilustraciones con los detalles como; telas, cortes, colores, forma
C. Los dibujos Técnicos
D. La explicación de los detalles de la prenda
E. Prototipo final.
Después de las presentaciones, los estudiantes pueden responder a las preguntas de sus compañeros durante una discusión en clase.
NABA2020/21
Bibliografía
• Palmer White, Elsa Schiaparelli, Aurum, 1995
• Marnie Fogg, Valerie Steele, Fashion - The whole Story, Thame &Hudson
• The Kyoto Costume Institute, La Moda, Taschen
• Auguste Racinet, The Costume History, Taschen
• Enrica Morini, Storia della Moda. XVIII-XX secolo, Skira
• Ted Polhemus, Street Style, PYMCA
• Valerie Steele, The Berg Companion to Fashion – Berg Publisher, Oxford 2010 (www.bergpublishers.com)
• Joanne Entwistle, The Fashioned Body – Polity Press, Cambridge 2000
• Valerie Cumming, C.W. Cunnington and P.E. Cunnington, The Dictionary of Fashion History, Berg publisher, 2010
• Bouchet F, Histoire du costume, Flammarion, Paris
• James Laver , Costume and Fashion: A Concise History, Thames & Hudson, 2012
• Antonio Donnanno, Modabolario, Ikon, 2011
• Linda Watson, Vogue Twentieth Century Fashion, Carlton 1999
• Cameron Silver, Decades a ventury of Fashion, Bloomsbury 2012
• Fashion: The Century of the Designer, 1900-1999, Berg publisher
• Peter Delius, History of Fashion in the 20th Century, Konemann 2000
• AA.VV., Bellissima L’italia dell’alta moda 1945 1968, Maxxi Electa 2014
• Guido Vergani, La Sala Bianca nascita della moda italiana, Electa 1992
• Emilio Pucci, Skira 1999
NABA2020/21
Bibliografía
• Polhemus T, Street style, Thames and Hudson
• Polhemus T, Style surfing, Thames and Hudson
• Corcia Tony, VALENTINO Ritratto a più voci dell'ultimo imperatore della moda, Lindau 2013
• Fashion: The Century of the Designer, 1900-1999
• Frisa Maria Luisa, La nuova moda italiana, Marsilio, 2011
• James Laver , Costume and Fashion: A Concise History, Thames & Hudson, 2012
• Valerie Cumming, C.W. Cunnington and P.E. Cunnington, The Dictionary of Fashion History, Berg publisher, 2010
• Antonio Mancinelli, Antonio Marras, Marsilio, 2006
• Franca Sozzani, I Capricci Della Moda, Bompiani, 2010
• Sonnet Stanfill, The Glamour of Italian Fashion Since 1945, V&A, 2014
• Guido Vergani, La Sala Bianca nascita della moda italiana, Electa 1992
• Aurora Fiorentini Capitani, Moda Italiana anni Cinquanta e Sessanta, Cantini, 1991
• Sofia Gnoli, Dalla nascita della Haute Couture ad oggi, Carocci, 2012
• AA.VV., VINTAGE. L'IRRESISTIBILE FASCINO DEL VISSUTO,Prato, Museo del Tessuto, Silvana, 2012
• Minnie Gastel, Cinquant'anni di moda italiana. Breve storia del prêt-à-porter, 1995
• Maria Vittoria Alfonsi, Gianfranco Ferrè l’architetto stilista, Baldini & Castoldi 2008
• Michael Rock, Prada, Prada Arte, 2009
• Paracchini G. Luigi, Vita Prada. Personaggi, storie, retroscena d'un fenomeno di costume, Baldini & Castoldi 2014
• Missoni Ottavio, Una vita sul filo di lana, Rizzoli, 2011
NABA2020/21
Bibliografía
• Silvia Venturini Fendi, Fendi. Baguette, Rizzoli, 2012

• Stefania Ricci, Salvatore Ferragamo. Evolving legend 1928-2008,Skira 2008
• Franco Moschino, X anni di Kaos! 1983-1993, Lybra
• Mariuccia Casadio, Moschino Made in Italy, Thames and Hudson, 1998
• Sarah Mower, 20 years Dolce & Gabbana, CINQ CONTINENTS,2005
• Giorgio Armani, Rizzoli 2016
• Renata Molho, Being Armani, Baldini Castoldi Dalai Editore, 2008
• Tonchi stefano, Frisa M. Luisa, Versace Donatella, Donatella Versace, Mondadori Electa, 2016
• Corcia Tony, Gianni Versace, La biografia, Lindau, 2016
• Roberto Cavalli, Il nero non e' mai assoluto . Roberto cavalli, Bombiani, 2010
• Roberto Cavalli, Just me, Mondadori, 2013
• Gucci The making of, Rizzoli 2011
• Patrizia Gucci, Gucci, la vera storia di una dinastia di successo, Mondadori, 2015
• Sarah Mower, Gucci by Gucci, Mondadori , 2006
NABA2020/21
Sitografía
• edwardianpromenade.com
• theartstory.org
• history.ac.uk
• glamourdaze.com
• vintagedancer.com
• vogue.com
• vogue.it
• vittoriale.it
• fashion-era.com
• history.com
• valentinogaravanimuseum.com
• fiorucci.com
• nbcwashington.com
• businessoffashion.com
• asos.com
• topshop.com
• biography.com
• faustopuglisi.com
• antoniomarras.com
• givenchy.com
• nike.com
• adidas.com
• theredlist.com
• fondazioneprada.org
NABA2020/21
Sitografía
• altaroma.it
• gucci.com
• pittimmagine.com
• cameramoda.it
• versace.com
• dior.com
• lesage-paris.com
• metmuseum.org
• ralphlauren.com
• zara.com
• hm.com
• topshop.com
• carrefour.it
• humanaitalia.org
• pradagroup.com
• fendi.com
• ferragamo.com
• missoni.com
• fondazionegianfrancoferre.com
• robertocavalli.com
• fashionchannel.it
• armani.com
• businessoffashion.com
• versace.com
NABA2020/21
Sitografía
• moschino.com
• dolcegabbana.com
• guccimuseo.com

F2 Fashion Context SPANISH 2021 UVM New

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

F2 Fashion Context SPANISH 2021 UVM New

Cargado por

Información del documento

Descripción original:

Título original

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

F2 Fashion Context SPANISH 2021 UVM New

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

International

© Nuova Accademia Srl | Confidential & Proprietary |

Módulo F2 Contexto Moda

Módulo F2 Contexto Moda

Módulo F2 Contexto Moda

TU1 Contexto histórico y la moda: 1900-1949

• Iconos: Gabriele D’Annunzio

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): CONTEXTO HISTÓRICO

Eduardo VII fue el líder de una élite de moda que estableció

El período Eduardiano corresponde al período de la Bella

Rey Eduardo VII

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

Aunque el aborto era ilegal, era sin embargo la forma más

Se esparció principalmente entre las mujeres de la clase

Las mujeres y los hombres que asisten a Black Ascot

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE DAMA

Durante este tiempo todavía era habitual hacer vestidos de

Daba estabilidad, contorno y la forma direccional debajo de

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 – 1910): MODA DE DAMA

Cuellos altos y muy profundos de tela de encaje que

Cuellos altos eran habituales durante el día, mientras que por

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE DAMA

Entre 1906 y 1909 la silueta comenzó a mostrar cambios

La línea de la cintura se eleva hasta que se convierte en una

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE DAMA

La Casaca era una chaqueta profunda muy ajustada que se

Todos los artículos habían permitido cortar los bullicios y

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE DAMA

Se utilizaban algunas veces pequeñas bolsas decorativas

Las señoras llevaban poco dinero ya que las mercancías se

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE CABALLERO

Los artículos tradicionales de la ropa de caballero

Caballeros Eduardianos, c.1900s

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE CABALLERO

Para la noche, una casaca negra, un chaleco blanco y un

En 1900, las colas eran de la longitud de la rodilla y el

Hugo Reisinger usando un traje obscuro

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE CABALLERO

El Abrigo “Frock”, con doble botón, un abrigo de largo

Caballero Eduardiano con su perro, c.1907

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE CABALLERO

Hecho de tela de gabardina, el “trench coat” o gabardina,

Aunque no estába en uso generalizado hasta la “Gran

La gabardina inventada por Thomas Burberry

Contexto Histórico y de moda : 1900 – 1949

ERA EDUARDIANA (1901 - 1910): MODA DE CABALLERO

Los sombreros casuales para el día incluyen el “Homburg”,

Hombres eduardianos con sombreros bowlet