Jazz

Jazz
Orixe musical	blues, folk, marcha, ragtime
Orixe cultural	principios dos 1910 en Nova Orleáns
Instrumentos típicos	saxofón, clarinete, baixo, contrabaixo, frauta, vibráfono, trompeta, piano, guitarra eléctrica, banxo, tuba, voz, trombón, piano Rhodes, batería
Derivados	jump blues, jazz fusion, rhythm and blues, rock and roll, ska, reggae, funk

O jazz (dʒæz; AFI: [/ʝas/] en galego) é un xénero musical nacido a finais do século XIX nas comunidades afroamericanas de Nova Orleáns (Luisiana) que se expandiu de forma global ao longo do século XX. A identidade musical do jazz é complexa e non pode ser delimitada con facilidade. En primeiro lugar, aínda que a miúdo o termo úsese para facer referencia a un idioma musical (tal como faise, por exemplo, cando se fala da música clásica), o jazz é en realidade unha familia de xéneros musicais que comparten características comúns, pero non representan individualmente a complexidade de xénero como un todo; en segundo lugar, as súas diversas "funcións sociais" (o jazz pode servir como música de fondo para reunións ou como música de baile, pero certos tipos de jazz esixen unha escoita atenta e concentrada) requiren un ángulo de estudo diferente; e en terceiro lugar, o tema racial sempre xerou un profundo debate sobre o jazz, moldeando a súa recepción por parte do público.

Aínda que o jazz é un produto da cultura afroamericana, sempre estivo aberto a influencias doutras tradicións musicais variando coa mestura de culturas, e xa desde a década de 1920 foi executado por músicos de diversas partes do mundo cun transfondo moi diferente. En ocasións mostrouse como paradigma do jazz a obra de músicos con máis éxito comercial, que os afeccionados e a crítica consideraron subproductos afastados da tradición, entendendo pola contra, que o jazz é unha forma de música negra, na que os afroamericanos foron os seus maiores innovadores e os seus máis notables representantes.

Entre os moitos intentos de delimitar e describir o complexo fenómeno do jazz, o crítico e estudoso alemán Joachim-Ernst Berendt, na súa obra clásica O jazz: de Nova Orleans ao jazz rock, sinala:

O jazz é unha forma de arte musical que se orixinou nos Estados Unidos mediante a confrontación dos negros coa música europea. A instrumentación, melodía e harmonía do jazz derívanse principalmente da tradición musical de Occidente. O ritmo, o fraseo e a produción de son, e os elementos de harmonía de blues derívanse da música africana e do concepto musical dos afroamericanos.

O mesmo autor continúa describindo tres elementos básicos que distinguen o jazz da música clásica europea:

• Unha calidade rítmica especial coñecida como swing.
• O papel da improvisación.
• Un son e un fraseo que reflicten a personalidade dos músicos ejecutantes.

Ao longo da súa historia, o jazz pasou de ser unha simple música de baile popular a unha forma de arte recoñecida en todo o mundo. Paralelamente a devandito progreso, cambiaron tamén as actitudes cara a esta música: en 1924 un xornalista do The New York Times referíase a ela como «o retorno da música dos "salvaxes"», mentres que en 1987 o Congreso dos Estados Unidos de América declaraba ao jazz como un «destacado modelo de expresión» e como un «excepcional tesouro nacional». Sinalouse que o motor de devandito progreso foi a innovación, unha particularidade que sempre estivo presente na historia desta música, dirixindo a súa evolución e caracterizando a obra dos seus artistas máis destacados á beira dunha rama máis tradicionalista.

Paralelamente a esta dicotomía entre a innovación e a tradición, o jazz moveuse entre a obra duns artistas que só buscaron o recoñecemento dunha pequena pero selecta audiencia e outros que dirixiron os seus esforzos a unha audiencia máis ampla.

En sentido horario desde arriba á esquerda: Louis Armstrong, Charlie Parker, Ela Fitzgerald, e Aretha Franklin.

Sarah Vaughan en 1946.

As influencias nomean o ragtime, as worksongs músicas cantadas polos negros ao traballaren e o blues, principalmente, non se sabe moi ben como era esta música anterior a 1910, o primeiro músico do que se ten noticia é Buddy Bolden, do que só se conservan unha foto e as opinións dos seus compañeiros, que falan dun virtuoso cun son potente e limpo.

Etimoloxía

A principios do século XX non había unha forma estandarizada de escribir o termo, como ilustra o título desta canción de 1916.

Aínda que non semella existir un acordo definitivo en canto á orixe e significado exactos do termo "jazz", algúns historiadores sitúan a súa orixe arredor de 1912, e indican que procede da xerga dos xornalistas deportivos da costa oeste dos Estados Unidos, quen utilizaban o termo nos seus comentarios dedicados á Pacific Coast League, unha liga menor de béisbol, para referirse á enerxía e vitalidade dos xogadores do San Francisco Seals. O exemplo máis antigo deste uso do termo, achado polo bibliotecario da Universidade de Nova York George A. Thompson, Jr. en 2003, apareceu en Los Angeles Times o 2 de abril de 1912, nunha referencia ó pitcher de Portland Beavers, Ben Henderson, onde este afirmaba:

Chámoa a "pelota jazz" porque "treme" e, simplemente, non podes facer nada con ela".

A partir de 1913, nunha serie de artigos de E.T. "Scoop" Gleeson para o San Francisco Bulletin, aparece xa o termo jazz de forma máis habitual, aplicado á música. A referencia máis antiga do seu uso musical corresponde ó 3 de marzo de 1913 e nela o termo utilizábase cun sentido negativo. Tres días máis tarde, o 6 de marzo, Gleeson usou o termo de forma máis exhaustiva cando, ó describir o tipo de música executada por unha orquestra do exército, sinalou que os seus integrantes ensaiaban a ritmo de ragtime e jazz.

Porén, non foi ata 1915, en Chicago, que o termo comezou a usarse completamente para definir un tipo de música. Para finais de 1916 e principios de 1917 o uso do termo estaba xa bastante estendido. A primeira vez que se utilizou a palabra jazz en Nova Orleáns (tamén escrita jas ou jass nos comezos) foi no Times-Picayune o 14 de novembro de 1916, un feito que foi descuberto polo lexicógrafo Benjamin Zimmer en 2009.

Non obstante, moitos estudosos cren que o termo ten unha raíz fanti (África occidental) e se refire ó acto sexual.

Historia do jazz

Antecedentes históricos

Medio século despois da fundación da cidade de Nova Orleáns, en 1764, Francia cedeuna a España para recuperala novamente en 1801. Dous anos máis tarde, en 1803, pasou a ser parte dos Estados Unidos como consecuencia da compra de Luisiana. Por iso, os franceses e españois, xunto a alemáns, italianos, ingleses, irlandeses e escoceses contribuíron na formación da escena cultural da cidade.

A procedencia dos habitantes de raza negra era diversa, sendo maioritariamente da zona occidental de África ou do Caribe. É neste heteroxéneo contexto cultural onde tivo a súa orixe a aparición de estilos musicais tan diversos como o jazz, a música dos cajúns, o zydeco ou o blues.

The Old Plantation c. 1785-1795. Acuarela de finais do século XVIII que mostra a escravos bailando, cun banxo e un tambor, nunha plantación de Carolina do Sur.

En moitas áreas do Sur dos Estados Unidos o bater de tambores estaba prohibido pola lei e en zonas como Xeorxia prohibiuse o uso de calquera instrumento musical por parte dos escravos. Con todo a comezos do século XIX os festivais con música de tambores e danzas africanas organizábanse con frecuencia tanto en Nova Orleáns, na Praza do Congo, como en Memphis, Kansas, Dallas ou St. Louis. Usábanse instrumentos de percusión e de corda similares aos utilizados na música africana indíxena.

Os escravos adoitaban ter o domingo libre e organizaban festas na Praza do Congo que se prolongaron aproximadamente até 1885, coincidindo co xurdimento das primeiras bandas de jazz. As cancións e danzas interpretadas eran en gran medida funcionais, xa fose para o traballo con cancións ou berros de campo, ou para rituais. A característica principal era a súa gran riqueza rítmica. A tradición africana facía uso de melodías simples e de técnicas de música de chamada e resposta. Estes elementos non tardaron en combinarse con conceptos armónicos procedentes da música europea. Os ritmos reflectían patróns africanos e das escalas pentatónicas xurdiron as notas do blues, utilizadas posteriormente para sentar as bases do blues e o jazz.

Os estamentos eclesiásticos tentaron controlar a música dos escravos obrigando ás persoas de raza negra a que cantasen salmos e himnos para «convertelos» a estilos musicais máis europeos. En moitos casos, o efecto foi contrario. Alan Lomax, erudito da música afroamericana, comentou: «Os negros africanizaran os salmos a tal nivel que moitos observadores describiron os himnos dos negros como misteriosa música africana. No canto de actuar de forma individual, fusionaban as distintas voces, obtendo incribles harmonías, nas que cada cantante facía variacións da mesma melodía. O resultado foi unha música potente e orixinal como o jazz, pero profundamente melancólica, xa que a cantaba xente moi presionada».

Blues

Artigo principal: Blues.

As raíces do blues teñen similitudes nos instrumentos, música e funcións sociais cos griots da Sabana.

O blues é un xénero musical que apareceu na segunda metade do século XIX nas cidades do sur dos Estados Unidos, directamente derivado dos hollers ou shouts e as work songs das plantacións de algodón. É unha música, pois, de orixe africana e carácter social.

Ao contrario que as antigas cancións de traballo ou berros de campo cheos de ritmo e disciplina, representaba o desafogo do intérprete, a quen permitía mostrar a súa dor, opresión, desexos, etc. Iso levou a algúns autores a considerar ao blues como a primeira música de orixe africana plenamente americana.

O etnomusicólogo Gerhard Kubik afirma que certos elementos do blues teñen as súas raíces na música dos países islámicos da parte central e occidental de África:

Os instrumentos de corda (os preferidos polos escravos procedentes das rexións musulmás de África), estaban xeralmente permitidos xa que os donos dos escravos consideraban que devanditos instrumentos se asemellaban a outros instrumentos europeos, como o violín. Debido a iso, aqueles escravos que eran capaces de tocar un banxo, ou outro instrumento de corda, podían facelo con maior liberdade. Este tipo de música solitaria de escravo mostra elementos dun estilo árabe-islámico baseado na pegada que o islam deixou durante séculos na África Occidental

Gehard Kubik

O blues, como estrutura musical, adoptou un formato de doce compases que depende de harmonías tónicas e acordes dominantes e subdominantes, ademais da utilización da chamada nota de blues. Este formato era estraño para os músicos de tradición europea, sobre todo pola lonxitude do mesmo. Pero os músicos de blues, coas súas raíces nas cancións de traballo e outras músicas do tipo call and response, estaban afeitos a estes patróns asimétricos.

O papel do blues na historia do jazz é esencial, conformándose como a «espiña dorsal» deste. Como xénero desenvolveu a súa propia historia e os seus propios estilos, en ocasións fusionados co mesmo jazz, pero como «estrutura compositiva» integrou o repertorio básico de todos os estilos de jazz que existiron.

Os primeiros músicos recoñecidos de blues foron Charlie Patton, Blind Lemon Jefferson, Son House, Robert Johnson ou Leadbelly, entre outros. Robert Johnson segue sendo o máis coñecido dos cantantes de delta blues do Mississippi, a pesar de que non chegou a vender moitos discos até a súa morte en 1938.

Ragtime (1890-1900)

Artigo principal: Ragtime.

No último terzo do século XIX, e debido a unha serie de factores de tipo social e económico moi similares aos que darían lugar ao nacemento do jazz en Nova Orleáns, desenvolveuse na cidade de St. Louis, Missouri, un estilo musical, usualmente considerado como pianístico, que se coñeceu como jig piano style e, máis tarde, a partir de 1879, ragtime, é dicir, ritmo roto ou sincopado.

A súa consideración como música para piano deriva das partituras publicadas a partir de 1897, que se editaban para ese instrumento, e do feito de que, nunha época en que non se realizaban aínda gravacións, os rolos de pianola permitían recoller as interpretacións pianísticas. Pero, en realidade, tratouse dun xénero amplamente utilizado como música de orquestra. Respecto do seu papel na formación do jazz primigenio, adoita considerarse como fundamental.

O estilo pianístico caracterizábase polo ríxido e sólida marcaxe do ritmo coa man esquerda, mentres a dereita marcaba a melodía, de forma moi sincopada, con influencias dos ritmos de banjo das plantacións do sur de Estados Unidos Tratábase dunha música "composta", isto é, non improvisada, e nutríase de formas clásicas como o minueto ou o vals, organizadas en varias partes ou seccións de 16 compases, cuxa temática melódica podía ser totalmente independente. Isto levou a moitos autores a considerar que o ragtime é un dos primeiros exemplos de música especificamente americana.

A primeira partitura de ragtime publicouse en 1897 e o seu autor era o músico branco William H. Krell, aínda que xa desde moito antes tocábanse rags nos espectáculos de minstrel, confundidos con frecuencia cos cakewalks. Aínda que nalgunhas ocasións inclúese ao ragtime na liña directa do jazz como primeira manifestación do mesmo, «foi máis ben unha actividade complementaria que acabou sendo absorbida polo jazz segundo ambas as músicas foron desenvolvéndose». A gran figura do rag foi Scott Joplin, cuxa forma de tocar coñécese por ser profusamente trasladada a rolos de pianola, aínda que tocaba frecuentemente con bandas. Ademais de Joplin, pianistas de ragtime clásicos foron Tom Turpin, James Scott, Louis Chauvin ou Eubie Blake.

Nacemento

A música que se tocaba polas rúas e nos locais de Nova Orleáns era festiva e desenfadada, tocada principalmente por músicos negros e crioulos. A maioría eran marchas e a instrumentación era a propia deste estilo: a tuba levaba o ritmo, e a corneta, clarinete e trombón tecían as melodías. Cando tocaban nun local, uníaselles piano, banjo e axiña un novo instrumento, criado especialmente para a nova música: a batería (que aquí durante moitos anos se chamou jazz band). O característico deste estilo que continúa até hoxe (co nome de Dixieland ou New Orleans) era a improvisación colectiva: a corneta toca unha melodía adornada por riba polo clarinete e complementada polos contracantos do trombón, todo sobre unha rítmica sólida e sincopada de batería, tuba ou contrabaixo, piano e banjo ou guitarra, a escritura non conta para nada, é unha arte puramente auditiva, a súa liberdade creadora vai máis alá da do compositor clásico, dúas versións distintas dun tema son dúas obras distintas; cando existe a composición e a escritura son elementos auxiliares da música jazz xa que a súa forma final depende da adaptación do músico ao lugar e ao momento onde ten lugar a actuación.

Nova Orleáns (1890-1910)

Aínda que no período que vai desde o final da guerra de secesión até o fin do século XIX, xa existían algunhas bandas que tocaban un jazz rudimentario, como as dos cornetistas Sam Thomas, Louis Ned, James L. Harris ou Robert Baker ou a banda que usualmente tocaba no Kelly's Stables de Nova Orleáns, adoita considerarse a Buddy Bolden como a primeira gran figura e o iniciador do primeiro estilo definido de jazz.

Convencionalmente denomínase «estilo Nova Orleans» a esta forma inicial do jazz. Aínda non se desprendeu das influencias do minstrel e contiña todas as características propias do hot. As improvisacións, no sentido que hoxe as coñecemos, non existían. De feito os solistas elaboraban longas variacións melódicas sobre o tema principal (usualmente integrado por dúas cancións diferentes), en tempos moi lentos ou medios, nunca rápidos. As bandas eran ambulantes e adoitaban preferir interpretar espirituais, ragtimes, marchas e cantos de orixe afrocubana.

O peso sonoro e conceptual da música recaía na corneta que era quen desenvolvía as melodías, apoiada polo trombón e o clarinete, que elaboraban variacións improvisadas sobre a melodía basee. É o que Peter Clayton chama «a Santísima Trindade do jazz de Nova Orleans». O resto dos instrumentos (usualmente banxo, tuba, caixa e bombo, aínda que paulatinamente foron introducíndose o contrabaixo, o piano e a batería) tiñan unha función soamente rítmica. En ocasións usábase o violín como complemento na sección de metais.

Foi unha escola de bandas soadas, como a de Johnny Schenk (1893), a de John Robechaux (1895), a do cornetista Freddie Keppard (1900-1909), e outras de renome histórico como a Onward Brass Band, a Eagle Band ou a Tuxedo Brass Band do trompetista Papa Celestin, esta anterior ao cambio de século. Tamén estaban as bandas do cornetista Papa Mutt Carey, que se considera como o introductor da sordina de «desatoador» (plunger) e o seu típico efecto de wah-wah, e que tiña a Sidney Bechet no clarinete; a banda de Lorenzo Tio, ou a Orixinal Creole Orchestra, etc.

Dixieland (1910-1920)

A pouco de comezar o século XX, os brancos e crioulos pobres do Delta do Mississippi comezaron a interesarse polo hot e a súa influencia produciu algunhas variacións na forma de tocar das bandas de Nova Orleáns: desenvolvéronse máis as improvisacións, axilizáronse os tempos e buscáronse estruturas rítmicas menos "africanas". O novo estilo era "menos expresivo, pero con maiores recursos técnicos", con melodías máis pulidas e harmonías "limpas". Ademais, introducíronse o piano e o saxofón, e desenvolvéronse técnicas instrumentais novas, como o estilo tailgate dos trombonistas.

As súas principais figuras foron, nunha primeira época, o batería Papa Jack Laine, que se reputa como o «pai do dixieland»; o trompetista Nick A Rocca e as súas Orixinal Dixieland Jass Band; os Louisiana Five de Anton Lada; o trombonista Edward "Kid" Ory; ou os "New Orleans Rhythm Kings" do cornetista Paul Mares. Na década dos 40, o dixieland gozou dun poderoso revival, obtendo éxito mundial grupos como os Dukes of Dixieland, dos irmáns Frank e Fred Assunto, e aínda hoxe en día existen bandas con nomes como Tuxedo Jass Band ou Onward Jazz Band.

O jazz de Chicago e Nova York (1920-1930)

O peche polas autoridades de Nova Orleáns do barrio de Storyville en 1917, supuxo un importante contratempo para a maior parte dos músicos de jazz da zona, pois neste distrito de lecer concentrábanse case todos os locais de música en vivo. É neste momento cando a nova música se comeza a se chamar jass, polo que parece utilizando un termo común no século XIX para referirse ao intercambio sexual. Este feito iniciou a gran migración dos músicos de jazz cara ás cidades do norte, e especialmente cara a Chicago, que gozaba por entón dunha axitada vida nocturna, cunha poderosa escena de blues e ragtime, desde unha década antes. O 26 de febreiro de 1917, a Victor publicou o primeiro disco de jazz gravado pola Original Dixieland Jazz Band: un grupo de brancos liderados polo competente Nick LaRocca pero que non eran nin moito menos un dos baluartes desta música, como os músicos negros e crioulos. King Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton ou Johnny Dodds, entre outros moitos, trasladáronse á «cidade do vento» e gravaron alí os seus primeiros discos, a comezos da década de 1920.

Fotografía de Eddie Condon tomada en Nova York en 1946.

En Chicago desenvolveuse un estilo máis cru e dinámico, cunha linguaxe concisa e lacónica, rozado de adornos, económico en recursos, bañado «nunha atmosfera exasperada, dun dinamismo acalorado, dunha ríxida tensión hot». O son perdeu plasticidade ao axustarse a afinación por influencia dos músicos brancos e abandonarse a desincronización propia da rítmica africana pero, pola contra, desenvolveuse enormemente o concepto de improvisación individual e as melodías paralelas, deixando as pasaxes polifónicas para o ciclo final (sock chorus). O material temático tendeu cara a un abandono dos rags e stomps e a súa substitución por blues e cancións de influencia europea, con arranxos musicais escritos. De feito, esta época é a da explosión do chamado «blues clásico», con artistas como Bessie Smith, que se rodeaban de bandas de jazz en substitución do tradicional acompañamento de guitarra ou piano só.

Duke Ellington tocando no Hurricane Club en 1943.

O estilo de Chicago desenvolveuse como consecuencia da conxunción dos músicos negros de Nova Orleáns e de novos estudantes e afeccionados brancos que imitaban a aqueles, e supuxo algúns cambios importantes mesmo na instrumentación típica, ao comezar a asentarse o saxofón. Un bo número de músicos de gran relevancia son representativos do estilo: Erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Wingy Manone, Pee Wee Russell ou, como figura máis relevante, Bix Beiderbecke.

Desde moi cedo, o jazz introduciuse tamén en Nova York, inicialmente a través dos pianistas que tocaban ragtime e boogie woogie nos honky tonks, como James P. Johnson, Willie "The Lion" Smith ou Luckey Roberts, pero tamén grazas a bandas, como a de Jimmy Reese Europe ou "The Memphis Students", dirixida por Will Dixon e Will Marion Cook, en época tan temperá como 1905.

Algúns autores destacan tamén o papel que músicos como Nick A Rocca ou o batería Louis Mitchell, orixinario de Filadelfia, tiveron na extensión do jazz na cidade. Con todo, o verdadeiro estilo de Nova York, ou High brow, como se lle denominou no seu momento, comezou coa orquestra de Fletcher Henderson, na que tocaron todas as grandes figuras do jazz dos anos 1920. Sería precisamente Henderson quen mellor representou a nova forma de tocar un tipo de jazz estilizado, menos localizado e máis universal, «realizado sobre a base dunha fórmula de transacción que estriba en orquestaciones preparadas de antemán e escritas para conxuntos cuxo número de instrumentos non facía posible a polifonía hot».

Pero a escola de Nova York deu un nome de maior proxección aínda, Duke Ellington, procedente de Washington, D.C., que alcanzou gran fama coas súas sesións no Cotton Club de Harlem. Outros referentes importantes do estilo foron Rede Nichols e as súas "Five Pennies", os McKinney's Cotton Pickers de William McKinney e Don Redman, así como a banda do pianista Sam Wooding ou a do panameño de nacemento, Luís Russell.

O estilo de Nova York, co impulso que supuxo ás big bands, foi a corrente principal de desenvolvemento do jazz a finais da década de 1920, desembocando no swing.

A era do swing (1930-1940)

Artigo principal: Swing (música).

A big band de Benny Goodman, coa cantante Peggy Lee, 1943.

Os anos 20 foron chamados a "Era do Jazz" e a música foi o epítome dunha época de paro e desesperanza, e o alcol ilegal e o baile que lle servían de válvula de escape. No último terzo da década de 1920, os estilos de two beat esgotaran as súas posibilidades de desenvolvemento, mentres que en Nova York estaba a desenvolverse unha nova forma de facer jazz, que se consolidou sobre todo como resultado da migración masiva de músicos de Chicago cara á "cidade dos rañaceos". As bandas de Fletcher Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford e Chick Webb, foron as que marcaron o rumbo deste novo estilo cuxa principal característica foi a formación de grandes orquestras, as big bands que eran orquestras de baile que tocaban os temas de éxito nun estilo hot e chispeante e que conducirían á "Era do swing" onde toda América bailaba ao ritmo de Benny Goodman e Glenn Miller.

Ademais, achegaron elementos novos respecto da tradición hot: a conversión dos ritmos de dous tempos (two beat) a ritmos regulares de catro acentos rítmicos por compás; a utilización como recurso de tensión do riff, frase curta repetida con crescendo final; a predominancia de pasaxes melódicas interpretados straight, é dicir, conforme a partitura; a extensión do fenómeno do "solista"; a revalorización do blues; etc. Este proceso non se desenvolveu exclusivamente en Nova York, posto que noutros lugares, como Kansas City tivo lugar unha evolución similar en big bands como as de Bennie Moten ou Count Basie.

O estilo toma o seu nome dunha das características do novo jazz: o swing como elemento rítmico. Tratouse dunha operación comercial dos axentes de Benny Goodman, que dirixía unha das bandas máis populares da época, ao designalo como "Rei do swing". Isto levou ao público, pero tamén a moitos críticos, a crer que swing era o tipo de música que facía esta banda, consolidándose o nome.

Algunhas das bandas da época alcanzaron un enorme éxito popular e de vendas, xerando un subestilo comercial que, a longo prazo, acabaría por lastrar as posibilidades de desenvolvemento do swing: Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey... Con todo, non todas derivaron cara a ese camiño, e algunhas delas estableceron as bases dos grandes cambios conceptuais do jazz da década de 1940: Woody Herman, Stan Kenton, Lionel Hampton ou Jay McShann. Nalgúns casos, desenvolvéronse escenas rexionais con gran proxección e personalidade diferenciada, como é o caso do Western swing (que fusionou músicas de orixe folclórico) e, en Europa, do chamado jazz manouche, impulsado por Django Reinhardt.

O swing foi, ademais, un estilo rico en grandes improvisadores, moitos dos cales estableceron verdadeiros canons nos seus respectivos instrumentos: Coleman Hawkins, Art Tatum, Chu Berry, Gene Krupa, Teddy Wilson, Fats Waller, Johnny Hodges, Benny Carter, Rex Stewart, Harry Edison e moitos outros. Foi tamén, paralelamente, un estilo que favoreceu a proxección dos cantantes, especialmente das cantantes femininas: Ela Fitzgerald, Ivy Anderson (que permaneceu case doce anos na banda de Ellington, a partir de 1932), Billie Holiday, June Christy, Anita O'Day, Lena Horne ou Peggy Lee. Algúns destes instrumentistas foron determinantes no proceso de evolución que levou desde o swing ao bebop e ao cool, destacando entre eles o trompetista Roy Eldridge e o saxofonista Lester Young.

Bebop (1940-1950)

Artigo principal: Bebop.

Tras a era do swing, o jazz era coñecido e apreciado en todo o mundo, recoñecido mesmo por compositores clásicos da talle de Stravinskii. Con todo, o termo swing gozaba de mala reputación entre os músicos: considerábase que só os profesionais de menor talento dedicábanse a este tipo de música comercial, de modo que os músicos máis «serios» —como Duke Ellington— estaban a afastarse do estilo. O declive das big bands de swing deu lugar a un novo tipo de música radicalmente diferente, cuxos únicos trazos en común consistían nunha instrumentación similar e no interese pola improvisación. Todo isto transcorreu no medio de notables protestas iniciais. Tommy Dorsey, por exemplo, declarou que o bebop fixera retroceder vinte anos á música e Louis Armstrong, quen de cando en cando tomaba partido en polémicas deste tipo, chegou a dicir que se trataba de acordes disonantes.

Os músicos bebop puñan o acento no papel do solista, cuxo papel xa non era o de entertainer (animador) de épocas pasadas, senón un artista creador ao servizo só da súa propia música. A síncopa característica do swing quedaba destinada a favorecer a interpretación das melodías; a sección rítmica simplificábase, relegándoa unicamente ao contrabaixo —que crecía en importancia— e á batería, —que deixaba ao carón o seu antigo papel de mero metrónomo—, incrementando con iso a liberdade de baixistas e baterías; introducíronse disonancias, polirritmos, novas paletas tonais e fraseos máis irregulares; abandonouse a melodía en favor da improvisación, e o formato de big band polo de combo, formado por moi poucos músicos; e adoptouse, incluso un look característico no que non podía faltar chapeu, lentes de sol e perilla.

Dizzy Gillespie retratado en Buffalo, Nova York, en 1977.

O nacemento do estilo tivo lugar en 1941 cando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonious Monk e Kenny Clarke reuníronse no Minton's Playhouse de Nova York para unha serie de concertos informais. Dizzy Gillespie foi un dos líderes do movemento, cun estilo trompetístico que resumía perfectamente as características da nova música e unha serie de temas que entraron a formar parte enseguida do repertorio básico dos músicos bop, como «A Night In Tunisia» ou «Salt Peanuts». Charlie Parker foi o outro gran pai do bebop introducindo unha nova linguaxe de improvisación, estendendo o aspecto melódico e o rango rítmico do jazz até ese momento, e cun estilo emocional e sorprendente que quedou inmortalizado en clásicos como «Yardbird Suite», «Ornithology», «Donna Lee», «Billie's Bounce» ou «Anthropology», entre outros moitos.

Outros músicos de importancia dentro do estilo foron os saxofonistas Dexter Gordon, quen adaptou o estilo de Parker co alto ao saxofón tenor, e Sonny Stitt; o trompetista Fats Navarro; os trombonistas J. J. Johnson —quen adaptou a linguaxe bop ao trombón—, Benny Green ou Kai Winding; os pianistas Bud Powell, Thelonious Monk, Lennie Tristano, Óscar Peterson, Ahmad Jamal, George Shearing, Erroll Garner, Herbie Nichols ou Tommy Flanagan; os baixistas Óscar Pettiford ou Paul Chambers; os baterías Kenny Clarke ou Max Roach; ou a cantante Sarah Vaughan. No campo das big bands, algunhas delas, como as de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel Hampton ou Stan Kenton, souberon adaptar a súa sonoridad ás novas esixencias, e outras, como a de Earl Hines estableceron pontes entre o vello e o novo son. Só algunhas lograron converterse en verdadeiras big bands de be-bop, como é o caso das orquestras de Boyd Raeburn, Billy Eckstine e Dizzy Gillespie.

Cool jazz , West Coast Jazz, Hard bop e Soul-Funky Jazz (1950-1959)

Cool jazz

Fotografía do músico de jazz Miles Davis.

Na contrapartida xorde, entón, o cool jazz cunha proposta máis intelectualizada e con énfase nos arranxos. A continuación do bop é o hardbop, máis negro e con influencias do gospel e do rhythm and blues. O nacemento formal do movemento cool tivo lugar en 1948 coa gravación do álbum Birth of the Cool de Miles Davis (non publicado até 1954), todo un manifesto autodefinitorio e unha das gravacións máis influentes da historia. O novo estilo derivábase directamente do bebop, pero resultaba unha música máis cerebral, que tiña como principal obxectivo o establecemento dunha atmosfera "calma" e "meditativa". O cool jazz resultou particularmente popular entre músicos brancos como Lennie Tristano, en parte polo seu afastamento das raíces africanas do jazz, pero tamén atopou un oco entre as preferencias de músicos negros que estaban a pasar de ser simples entertainers a adoptar un papel máis activo e serio na procura da súa identidade musical.

Miles Davis, quen comezara a súa carreira con Charlie Parker, deu inicio ao movemento con Birth of the Cool (1948), o primeiro dunha serie de álbums exitosos —Walkin (1954), Miles (1955), Cookin', Relaxing, Working ou Steaming, todos de (1956), Milestones (1958) até a edición do lendario Kind of Blue (1959), considerado unha obra mestra do xénero, do estilo jazz modal e que foi o disco máis vendido da historia do jazz. The Modern Jazz Quartet —orixinalmente a sección rítmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath e Kenny Clarke— publicou Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953), Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953), e Django (1956), onde presentaban as súas elegantes composicións, no límite entre o barroco e o jazzístico. Gunther Schuller foi o iniciador oficial do third stream, unha corrente que establecía unha ponte entre a música clásica e o jazz, que ten como exemplo paradigmático o seu Jazz Abstractions (1959), e que conta tamén entre os seus principais representantes a Bob Graettinger. Gil Evans produciu Gil Evans and Ten (1957), Out of the Cool (1959), ou Into The Hot (1961), Bill Evans —xunto a Scott LaFaro e Paul Motian— introduciu un novo son no trío de jazz influenciado pola música clásica europea, e George Russell sobresaíu como intérprete de temas modais. Outras figuras destacables foron o vibrafonista Teddy Charles, o pianista Ran Blake ou a imaxinativa cantante Betty Carter.

West Coast jazz

O saxofonista Gerry Mulligan retratado en 1972.

Nesa mesma época, na Costa Oeste, a evolución do jazz desenvolveuse por camiños menos influenciados polos músicos neoiorquinos de bebop, directamente herdeiros de Lester Young e da evolución que tiveran big bands como as de Woody Herman, Conrad Gozzo, Stan Kenton ou Wardell Gray. O novo estilo, que acabaría conformándose como a liña principal de desenvolvemento do cool, foi impulsado especialmente por músicos como Howard Rumsey, Shorty Rogers ou Shelly Manne, e xerou obras que tiveron unha enorme repercusión comercial, como é o caso de Time Out, de Dave Brubeck e Paul Desmond, que se converteu no primeiro disco de jazz en vender máis dun millón de copias, grazas ao tema «Take Five». Tamén obtivo un importante éxito comercial Stan Getz, outro dos líderes do movemento cool, que procedía das orquestras de Stan Kenton, Benny Goodman e Woody Herman e que terminaría popularizando a bossa nova (estilo brasileiro de samba influenciado polo son West Coast jazz), cos seus discos West Coast Jazz, Early Autumn (1948) e Quartets (1950), mentres que Lee Konitz é considerado por algúns críticos como a quintaesencia do músico cool. Gerry Mulligan, outro dos principais representantes desta corrente, editou Mulligan Plays Mulligan (1951), Gerry Mulligan Quartet (1952), e Mulligan Quartet (1952); Art Pepper gravou Discoveries (1954), Art Pepper Quartet (1956), Meets the Rhythm Section (1957) e Omega Alpha (1957); Jimmy Giuffre lanzou Jimmy Giuffre 3 (1956) ou Western Suite (1958); Chet Baker publicou Grey December (1953), Chet Baker & Strings (1954) ou Chet Baker Sextet (1954); Chico Hamilton gravou Spectacular (1955), Quintet In Hi Fi (1956) ou Mr Jo Jones on Quintet (1956); Jim Hall, por último, destacou por un son limpo e tranquilo —xusto a antítese de Charlie Christian— que anticipaba a chegada dun tipo de jazz máis suave e relaxado.

Na década de 1960 afundouse no jazz modal e apareceu o funk e sobre todo a vangarda con elementos de composición atonais, polirritmia e moita improvisación, foi unha fase bastante experimentalista do estilo. A aparición do rock como música maioritaria entre a xuventude branca e o soul entre os negros desprazou ao jazz dos gostos populares, fenómeno axudado polo carácter anticomercial do jazz da época. Ao mesmo tempo, a toma de conciencia do pobo negro tivo a súa expresión no free jazz (até o propio termo jazz, considerado derrogatorio, chegou a abandonarse, usándose denominacións como new thing). O entertainer era o novo Tío Tom e os músicos de free mostrábanse cínicos e condescendentes co público.

O jazz fusion

Artigo principal: fusion.

Os 70 foron a época do fusion: a fusión do rock co jazz, liderada máis unha vez por Miles Davis, coa introdución de instrumentos electrónicos (ao comezo piano Fender Rhodes e baixo eléctrico e continuando despois con todo tipo de instrumentos amplificados). Apostouse por un estilo directo e rítmico (incluso bailábel) e pola existencia de bandas relativamente lonxevas no estilo rockeiro como Weather Report e Return to forever.

Fronte ao triunfo da vangarda e a fusión nos setenta, ambos os estilos moi afastados do jazz tradicional, nos oitenta apareceron os Young Lions coma Wynton Marsalis ou Roy Hargrove que propoñían un retorno ao jazz acústico e mainstream.

Grandes nomes do jazz

Concerto de Mr. Dixie Jazz Band en Monforte de Lemos

• Louis Armstrong
• Count Basie
• John Coltrane
• Miles Davis
• Duke Ellington
• Bill Evans
• Billie Holiday
• Charles "Bird" Parker
• Pat Metheny

Notas

Referencias

Véxase tamén

Bibliografía

• Arnau, Juan (1984). El Jazz - Historia (1ª ed.). Barcelona: Parramón Ediciones. ISBN 84-342-0293-X. 
• Berendt, Joachim E. (1994). El Jazz. De Nueva Orleans al Jazz Rock. Fondo de Cultura Económica. ISBN 958-38-0003-1. 

• Berendt, Joachim E. (1988). El Jazz. Su origen y desarrollo. De Nueva Orleans al Jazz Rock (3ª ed.). Fondo de Cultura Económica. ISBN 978-84-3750260-1. 
• Clayton, Peter; Gammond, Peter (1990). Jazz de la A a la Z. Taurus. ISBN 84-306-0162-7. 
• Cooke, Mervyn (1999). Jazz. London: Thames and Hudson. ISBN 978-0-500-20318-7. .
• Gioia, Ted (1997). The history of jazz. Oxford University Press. ISBN 0-19-509081-0. 
• Ortiz Oderigo, Néstor R. (1958). Historia del Jazz (2ª ed.). Ricordi - Buenos Aires. 
• Tirro, Frank (2007). The history of jazz (en inglés). TEIA. ISBN 8495601125. 

Outros artigos

• Jazz galego