S H O S TAKO V I C H

24 PRELUDES OP 34 · PIANO SONATAS NOS 1& 2

ANDREY GUGNIN
 CONTENTS

TRACK LISTING
page 3

ENGLISH
page 4

FRANÇAIS
page 12

DEUTSCH
Seite 17

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 DMITRI SHOSTAKOVICH
(1906–1975)

1 PIANO SONATA NO 1 Op 12 [13'03]

24 PRELUDES Op 34 [35'54]
2 I Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [1'50] bp XIII Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [2'13]
3 II Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [0'47] bq XIV Adagio . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [2'34]
4 III Andante . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [2'07] br XV Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [0'57]
5 IV Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [3'02] bs XVI Andantino . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [1'09]
6 V Allegro vivace . . . . . . . . . . . . . . . . . . [0'25] bt XVII Largo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [2'47]
7 VI Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [1'17] bu XVIII Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . [0'50]
8 VII Andante . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [1'43] cl XIX Andantino . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [1'49]
9 VIII Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [1'00] cm XX Allegretto furioso . . . . . . . . . . . . [0'39]
bl IX Presto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [0'39] cn XXI Allegretto poco moderato . . . [0'38]
bm X Moderato non troppo . . . . . . . . . [1'56] co XXII Adagio . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [2'47]
bn XI Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [0'48] cp XXIII Moderato . . . . . . . . . . . . . . . . . . [1'01]
bo XII Allegro non troppo . . . . . . . . . . [1'13] cq XXIV Allegretto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [1'30]

PIANO SONATA NO 2 Op 61 [28'25]

cr Allegretto [7'12] cs Largo [7'30]
ct Moderato con moto [13'43]

cu NOCTURNE from THE LIMPID STREAM Op 39 [2'04]

ANDREY GUGNIN
piano
3
 MITRI SHOSTAKOVICH was born in St Petersburg The symphony contains a prominent part for piano,
in September 1906, eight months after an especially in the scherzo (the third such work he had
abortive revolution in the city was ruthlessly written for orchestra). The premiere the following year,
put down—an event he was to commemorate in his under the eminent Nikolai Malko, was a sensational success:
eleventh symphony half a century later. two months later, still eighteen years old, Shostakovich was
The boy’s natural musicianship was encouraged by the soloist in Tchaikovsky’s first piano concerto and entered
his mother, a piano teacher who had studied at the St the Chopin Competition in Warsaw—he didn’t win, but was
Petersburg Conservatory; it was to be expected, therefore, highly commended by the jury. Soon afterwards, and back
that Dmitri’s first (and only) instrument was the piano, at in Leningrad, he played Prokofiev’s first piano concerto and
which he excelled. He began serious lessons with his mother was one of the four pianists in the Russian premiere of
in 1915, awakening almost at once his desire to compose: Stravinsky’s ballet Les Noces. But despite the public success
a compulsion that never left him. of these appearances as a pianist, the pull of composition
In such ways Shostakovich’s early experiences mirrored was greater.
those of his immediate predecessor and fellow Russian, In 1926 and 1927 Shostakovich composed two works
Serge Prokofiev, foreshadowing those of a later colleague, with similar titles: that which was renamed as his Piano
the Englishman Benjamin Britten. In Britten’s case, his Sonata No 1 was originally termed ‘October’ Symphony,
mastery of violin and viola—the instruments interchange- Op 12; an orchestral work, now known as Symphony No 2,
able amongst string players at that time—as well as the Op 14, was premiered entitled To October: a symphonic
piano set him apart from his Russian contemporaries. dedication. Following the premiere of Op 14, it was clear
The Russian Revolution of 1917 awakened Dmitri’s eyes the original title of the piano work could not stand. It was
and ears to a new world wherein established mores were replaced by ‘Sonata’. The second symphony is referred to
torn asunder: here was a blank canvas whereon anything today as the ‘October’ Symphony; although the original titles
could happen, and often did—in society, politics, in are now rarely encountered, they offer clues as to the cha-
aesthetics and, for Dmitri especially, in music, as he racter of both works. In another sense, through their shared
sought the latest compositional ‘developments’ alongside impetus and inspiration, the original titles point to the
the refinement of his pianism. singular method of composition each exhibits. An analysis
Now a full-time student, the thirteen-year-old’s Opus 1— of the first sonata and second symphony shows they have
a scherzo for piano, soon orchestrated—set him on his more than their original titles in common. Both demonstrate
lifetime’s career as a composer. At some point he would some of Shostakovich’s most remarkable compositional
have to choose, although economic deprivations and uncer- traits, and one of his many paradoxes: it would be difficult
tainties in the new Russia obliged the seventeen-year-old to cite another composer in the twentieth century whose
in 1923 to accompany silent films in cinemas to earn music is widely known and admired, yet within whose output
much-needed money for the family at a time when he are undoubted masterpieces that remain unknown. In this
was concurrently composing his graduation piece—the group sit Shostakovich’s ‘October’ Sonata and Symphony.
first symphony, Op 10—completed three months before By the time of the first sonata, Shostakovich’s musical
his nineteenth birthday. language had developed enormously. In the symphony, he

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 The sonata centres upon C major, with strong pulls to
the opposite tonality of F sharp. The work begins angrily,
full of hot-headed impetuosity, with a diverging two-part
invention, its fierce chromaticism hiding a genuine eleven-
note row. Within this are Shostakovich’s serial fingerprints,
which ran throughout his creative life, in two aspects—the
‘missing’ note, G (dominant of the basic C tonality), and two
repeated notes (F sharps, the opposing tonality), confirming
that what may appear a welter of noise is to be controlled
by individual logic.
The structure is more easily grasped: from this tem-
pestuous beginning, the music generates greater power and
concentration until it seems fit to burst with unmitigated
energy. In a passage of thrilling tensile strength C major
is assailed from all sides before being engulfed by an
unremitting attack which finally tumbles to three low F
sharps. From this point, meno mosso, the F sharp tonality
dominates much of that which follows. Slowly, inexorably,
the music moves with measured tread and falls, with
infinitely lesser force, to a low-held G minor chord against
which F and F sharp oscillate below. By this means, F sharp
is made unstable, now acting as the leading note of G (itself
the dominant of C, F sharp’s opposite), the ‘missing’ note
from the initial row.
A far-reaching point is glimpsed, but a sudden allegro,
reveals serial tendencies within broadly tonal frameworks beginning on a repeated F sharp, moves upwards as though
and elements of through-composition. Surely instinctive on the tonality has tricked us, an impression seemingly
his part, such tendencies were new in 1925: in the sonata, confirmed by massive repeated C sharps in the bass over
the nineteen-year-old’s modernity and virtuosity know no an A–D tremolando. The repetition proves to be its undoing
bounds. The sonata is teeming, iconoclastic, uncompro- as, virtually static, it fades gradually, almost to nothing. Now
mising—youthful genius at full flood, capable of staggering it can only fall, and after a meandering, slow cadenza-like
listeners a century after it was written. Shostakovich followed bar it does so, to C natural, the lowest on the keyboard.
this tempestuous work with ten Aphorisms for piano, Relaxed, restrained, the music meanders freely from
Op 13—as though, declaring his genius in the impacted a broad base. Decorated with an intermittent filigree, a
sonata, he needed other formal extremes: almost all are wide-arching, aching theme (whose first two notes are a
around one minute in duration. seventh apart, G natural and F sharp) unfolds, embracing

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 the immensely wide melodic and tonal spectrum of the been away from his own instrument with regard to original
work: this also ends on a low F sharp against which B, the piano composition.
dominant of which is F sharp, is gently repeated. Compared with the necessarily public nature of theatre
Now all is made clearer: B is the leading note of C— and film music, the preludes are more intimate, of their
nothing, it seems, can remove this deep-rooted tonality, the nature brief (although in character unlike the Aphorisms),
mainspring of the entire work. Tension is released and forming a link to Shostakovich’s next work, the Piano
the music morphs into the final section. Gathering strength, Concerto No 1 (for piano, trumpet and strings), which
it confronts that which seemed close to destroying it—F he began just four days after completing the preludes.
sharp—by playing a new role and reinforcing the bass (and Individual comments on each of these pieces, which
basis) of the movement in the final cadence as a thundering are clearly defined in mood and character, are largely
sequence of C sharps from a stabbed top F sharp throws C unnecessary, although several stand apart because of their
natural to the ground: the immense dramatic conflict is singular character and relatively greater length, becoming
over. separate recital items, particularly No 14 in E flat minor.
Shostakovich’s 24 Preludes were composed during the This remarkable study was transcribed (as early as 1933)
winter of 1932–33, mostly in Leningrad, although No 8 was for large orchestra by Leopold Stokowski, who recorded his
written in Moscow. Each is dated, and they appear to have version on no fewer than four occasions. Other arrange-
been composed in sequence from 30 December to 2 March, ments include several for violin and piano; there was also
forming a cycle in each of the twelve major and minor keys a recording of No 17 for clarinet and orchestra by the
of the chromatic scale. Although often performed separately jazz clarinettist Artie Shaw with the Columbia Symphony
or with selections made into a group in recital programmes, Orchestra, conducted by Walter Hendl.
the manner of the set’s composition and the cycle of But whatever the length and whatever the medium,
ascending fifths they encompass (the major key, followed each prelude is proof, if it were needed, that Shostakovich
by the relative minor: thus, the first is in C major, the second was able to distil his genius into the shortest time span,
in A minor; the third is in G major, the fourth in E minor, as well as, of course, he would prove able to explore on the
and so on) indicate that they make their fullest impact when largest scale in his next work, the fourth symphony. The fate
performed consecutively, as a set, although the composer of that work, and of Shostakovich himself following the
himself only recorded selections from them. politically driven denunciation of his music in 1936 and his
As the set of Aphorisms may be thought of as contrasting subsequent rehabilitation within Soviet art through his fifth
with the composer’s immediately preceding works, so the symphony of the following year, lies outside the scope of
24 Preludes followed a series of incidental and film music, these notes. But it is interesting to consider that by 1943,
as well as Shostakovich’s largest work, the four-act opera the year of his Piano Sonata No 2, his output included
Lady Macbeth of the Mtsensk District, Op 29 (1932). Since seven symphonies, and within a month of him premiering
the sonata and the Aphorisms, Shostakovich had written the sonata in June of that year he began his immense eighth
much orchestral music (including two further symphonies symphony (completed in six weeks).
and the ballet The Age of Gold—from the latter an extracted Compared to the vast scale of Shostakovich’s seventh and
concert suite was proving a popular item) and had perforce eighth symphonies, and almost as a formal counterbalance

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 to them, in the second sonata the finale is the longest scraps, gradually proliferating into a wholly coherent sonata
movement, with the first movement—the fast-moving yet structure. We may glimpse something of Shostakovich’s
(as so often with Shostakovich) seemingly paradoxically compositional process in the sonata’s first movement: in
marked allegretto—being emotionally the least involving. Volume 39 of the original Collected Edition there is an early
Such an observation is more apparent than real, however, version of one passage. But there is no doubt the final
for the fleet character of the opening movement’s pulse is version is preferable.
not a barn-storming, noisy parade, but is more akin to the The finale’s moods are wide-ranging, impacted and
swift thought of intense, concentrated activity. The second continuously flowing. In the concluding pages we hear the
movement, a lamenting largo, is a perfect foil to the nimble strands of the three movements brought together through
music of the allegretto, yet it is far more than that. Like a masterly synthesis: the semiquavers of the first movement
the succeeding piano trio, the sonata is a memorial work, are combined with the solemnity of the largo through the
dedicated to the piano pedagogue and composer Leonid main theme of the finale—the composer’s symphonic
Nikolayev, who had died in October 1942 aged sixty-four, in mastery not wholly abandoned in this work, as impressive
Tashkent. Nikolayev was one of Shostakovich’s early teachers a compositional achievement as the first sonata.
at the Petrograd Conservatory (having been a professor there The denunciation of Shostakovich in Pravda in February
since 1906); the second movement is surely a searching 1936 centred upon Lady Macbeth of the Mtsensk District.
epitaph for this fine musician. Stalin had been to a performance of the hugely successful
Compared to that of the first sonata, the relative clarity work a short while before: but it was completely beyond
of the second sonata’s tonal basis acts as an anchor his comprehension and musical understanding. Pravda’s
throughout. Reasonably firmly rooted in B minor, it is the editorial condemned another theatre work by Shostakovich,
home key that pervades the first movement and the finale: his third ballet The limpid stream, a production of which
the largo falls to A flat major/minor, a descending minor had opened in Moscow two months before.
third that marks the opening of the sonata’s first theme. This criticism was difficult to understand: The limpid
The tonality rises by a similar interval for the finale, the stream tells of a collective farm in Kuban visited by a ballet
comparative length of which has already been remarked troupe, taking culture to the workers. A liaison between a
upon. By itself, this finale is as long as the first sonata. young farm girl, Zina, and a dancer, Harmonist, encapsulates
Shostakovich’s use of intervallic cells is shown at its the clash of social mores but finally it is the farmers who
most pronounced in the first themes of each movement: succeed in teaching the sophisticates about human relation-
for example, the allegretto begins with a minor third, the ships. One might think such a libretto would have been
largo with a falling fourth, the finale with a rising fifth. The politically correct for the time: the editorial writer doubtless
‘stretching’ of the intervals in this manner is unusual, but thought he should put all of Shostakovich’s music in the
not unique in the composer’s output. At one level, the finale critical bag.
could almost stand as a separate piece, as an extended set But the music remains, rescued (like all of Shosta-
of variations on a lengthy, winding and curiously memorable kovich’s ‘banned’ music) from oblivion. Some of it was
theme (it may well be that this movement was written first). already known in Soviet Russia during the post-1936 era
The subject initially suggests it has been put together from through individual movements resurfacing in other guises.

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 Shostakovich, despite the artistic and intellectual genius of Nocturne from Act II of The limpid stream is a further
his finest works, was also a well-known composer of popular example: it depicts the liaison between Galya, the ballerina,
music: the song Yuri Gagarin sang as the first man travelling Zina, and her dancer-husband Pyotr. Zina is disguised; as
in space was by Shostakovich; the jazz trumpeter Kenny she enters, Pyotr does not recognize her. When he does, his
Ball’s hit ‘Midnight in Moscow’ comes from Shostakovich’s astonishment leads to their adagio Nocturne, genuine in its
musical Moscow, Cheryomushki of 1958; the slow move- tenderness and feeling, the popularity of which music under
ment of his second piano concerto and the Nocturne from the eyes and ears of the Soviets survived the condemnation
The Gadfly became pop hits in the UK as TV signature tunes. of Stalin and his lackeys.
It was the composer’s profound ability to embrace many ROBERT MATTHEW-WALKER © 2019
musical styles that literally may have saved his life. The

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 ANDREY Gugnin
Natalia Smirnova laid the foundations for Andrey Gugnin
to pursue the concert pianist career, enabling him to
study with Olga Mechetina, Valery Kastelsky and Lev
Naumov, and later with Vera Gornostayeva at the Moscow
State Tchaikovsky Conservatory whereupon from 2016 he
continued with Stanislav Ioudenitch and William Grant
Naboré at the International Piano Academy Lake Como.
In 2013 Andrey took second prize at the International
Beethoven Piano Competition, while in 2014 he was
presented with the Gold Medal and the Audience Award at
the Gina Bachauer International Piano Competition. In 2016
Andrey gained first prize in the Sydney International Piano
Competition, procuring a number of accolades.
Andrey’s capacity as a chamber musician is well proven,
having won second prize at the 2008 San Marino Piano
Competition with Vadym Kholodenko. He has enjoyed
associations with Asko | Schönberg, the Orchestre de
chambre de Genève, Israel Camerata Jerusalem Orchestra,
and Camerata Salzburg. He regularly appears with violinist

© Liana Darenskaya
Tasmin Little.
Andrey has performed under the baton of Valery Gergiev
with the Mariinsky Theatre Orchestra, and with conductors
Jaap van Zweden, Reinbert de Leeuw, Daniel Raiskin and
Asher Fisch. The London Philharmonic Orchestra, Russian
State Symphony Orchestra, Netherlands Symphony Orch-
estra, Utah Symphony and Sydney Symphony Orchestra are TV and radio in Russia, the Netherlands, Croatia, Austria,
among the many orchestras that have welcomed Andrey as Australia, Switzerland and the USA. His Liszt album was
guest soloist. chosen by Gramophone as the Editor’s Choice.
In demand as a recording artist, Andrey has recorded He has performed in concert halls across the globe
Shostakovich piano concertos with the Russian State including the Musikverein, Carnegie Hall, Abravanel Hall,
Symphony Orchestra (used on the soundtrack of Steven Sydney Opera House, the Tchaikovsky Concert Hall, the
Spielberg’s Oscar-winning film Bridge of Spies), music for Louvre and Asahi Hamarikyu Hall to mention but a few,
two pianos with iDuo, works for violin and piano with Ioana and at the Verbier, Ruhr Klavier, Mariinsky International,
Cristina Goicea, and a Steinway & Sons recital program that Dubrovnik Summer, Ohrid Summer and Duszniki Chopin
included Pictures from an exhibition. He has recorded for International festivals.

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 For over forty years, the Sydney International Piano Competition has been held in the highest esteem by pianists and audiences in
Australia and internationally. Stimulating public interest in the piano—and classical music generally—it provides a showcase for
outstanding young pianists from all over the world, assisting with the development and promotion of their careers as professional
concert pianists. The Competition offers prizes in excess of AU$200,000 along with engagements with international orchestras,
festivals and solo recitals, CD recordings, and professional career development for the young contestants.
www.sydneypianocompetition.com.au
Thank you to those generous donors who have financially supported this album:
Marcus Barker & Rohan Morris
Alexandra & Carina Martin
Agnes Matrai
Peter and Helen O’Meara
Tony Strachan
Lourdes St George & Spencer White
Anonymous x2

Recorded in St Silas the Martyr, Kentish Town, London, on 3 – 5 September 2018

R Recording Engineer BEN CONNELLAN
Recording Producer RACHEL SMITH
Piano STEINWAY & SONS
Piano Technician JOHN ELLIOTT
Booklet Editor TODD HARRIS
Executive Producers SIMON PERRY, PERDITA ANDREW
P & C Hyperion Records Ltd, London, MMXIX
Front illustration: Sophia—the wisdom of the Almighty (Santa Protectrix, 1932) by Nicholas Roerich (1874–1947)
The Nicholas Roerich Museum, New York / akg-images

Copyright subsists in all Hyperion recordings and it is illegal to copy them, in whole or in part, for any purpose whatsoever, without
permission from the copyright holder, Hyperion Records Ltd, PO Box 25, London SE9 1AX, England. Any unauthorized copying
or re-recording, broadcasting, or public performance of this or any other Hyperion recording will constitute an infringement of
copyright. Applications for a public performance licence should be sent to Phonographic Performance Ltd, 1 Upper James Street, London
W1F 9DE

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 Also available
DMITRI SHOSTAKOVICH (1906–1975)
24 Preludes & Fugues Op 87 CDA66441/3
TATIANA NIKOLAYEVA piano
‘The recording is clear and atmospheric, and the playing has power, grandeur,
character, intellectual clarity and unforced intensity’ (Gramophone) ‘The record that
has given me greater pleasure than any other this year’ (The Sunday Times)
GRAMOPHONE AWARD WINNER
CLASSIC CD TOP 100 CDS OF ALL TIME
NIKOLAI MEDTNER (1880–1951) & SERGEI RACHMANINOV (1873–1943)
Piano Sonatas CDA67936
STEVEN OSBORNE piano
‘Steven Osborne’s recording of the expansive Sonata Romantica, Op 53 No 1, reveals
colours, and light and shade … finding a range of nuance and expressive depth that
makes the most urgent and compelling case for large-scale Medtner that I’ve ever
come across’ (International Record Review)
MODEST MUSORGSKY (1839–1881) & SERGE PROKOFIEV (1891–1953)
Pictures from an exhibition, Visions fugitives & Sarcasms CDA67896
STEVEN OSBORNE piano
‘This may well be the most lucid and musicianly Pictures on record. Hyperion’s
sound and presentation are beyond praise’ (Gramophone) ‘Visit this exhibition with
Steven Osborne; you’ll enjoy it much more’ (The Times)
GRAMOPHONE AWARD WINNER
BBC MUSIC MAGAZINE RECORDING OF THE MONTH
SERGEI RACHMANINOV (1873–1943)
Études-tableaux CDA68188
STEVEN OSBORNE piano
‘The sheer polish of [Osborne’s] technique is remarkable, approaching the patrician
nonchalance of Rachmaninov himself—indeed, appearing at times to exceed him’
(BBC Music Magazine) ‘Rachmaninov fans won’t want to miss this; nor will
connoisseurs of intelligent, meaningful piano-playing’ (Gramophone)

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 CHOSTAKOVITCH Préludes & Sonates pour piano
MITRI CHOSTAKOVITCH est né à Saint-Péters- à accompagner des films muets dans des cinémas pour
bourg en septembre 1906, huit mois après subvenir aux besoins de la famille. À cette époque, il
la répression impitoyable d’une révolution composa simultanément une œuvre pour obtenir son
manquée—événement qu’il allait commémorer dans sa diplôme—la Symphonie no 1, op.10—achevée trois mois
onzième symphonie un demi-siècle plus tard. avant son dix-neuvième anniversaire.
Le sens musical inné de l’enfant fut encouragé par Cette symphonie comporte une importante partie de
sa mère, professeur de piano qui avait fait ses études au piano, en particulier dans le scherzo (la troisième œuvre de
Conservatoire de Saint-Pétersbourg : il était donc prévu que ce genre qu’il avait écrite pour orchestre). L’année suivante,
le premier (et seul) instrument de Dmitri soit le piano, et la création, sous la direction de l’éminent Nikolaï Malko,
il y excellait. Il commença à travailler sérieusement avec sa remporta un immense succès : deux mois plus tard, tou-
mère en 1915, ce qui suscita, presque d’emblée, son désir jours âgé de dix-huite ans, Chostakovitch joua en soliste
de composer : une obsession qui ne le quitta jamais. le Concerto pour piano no 1 de Tchaïkovski et participa
Les premières expériences de Chostakovitch en la matière au Concours Chopin à Varsovie—il ne le remporta pas,
correspondent à celles de son prédécesseur immédiat et mais fit l’objet d’appréciations très élogieuses de la part du
compatriote russe, Serge Prokofiev, et annoncent celles de jury. Peu après, de retour à Léningrad, il joua le Concerto
son cadet, un autre collègue, l’Anglais Benjamin Britten. pour piano no 1 de Prokofiev et fut l’un des quatre pianistes
Dans le cas de Britten, sa maîtrise du violon et de l’alto— lors de la création russe du ballet Les Noces de Stravinski.
instruments interchangeables chez les instrumentistes à Néanmoins, malgré le succès public de ces prestations
cordes à cette époque—ainsi que du piano le distinguait comme pianiste, l’attrait de la composition était le plus
de ses contemporains russes. important.
La Révolution russe de 1917 éveilla les yeux et les oreilles En 1926 et 1927, Chostakovitch composa deux œuvres
de Dmitri à un nouveau monde où des mœurs établis portant le même titre : celle qui fut rebaptisée Sonate pour
furent mis en pièces : il y avait là un contexte entièrement piano no 1 s’intitulait à l’origine Symphonie « Octobre »,
nouveau dans lequel n’importe quoi pouvait arriver, op.12 ; et une œuvre pour orchestre, appelée aujourd’hui
ce qui fut souvent le cas—en société, en politique, en Symphonie no 2, op.14, fut créée sous le titre Symphonie
esthétique et, pour Dmitri en particulier, en musique, car « dédiée à Octobre ». Après la création de l’op.14, il devint
il recherchait les derniers « développements » en matière évident que le titre original de l’œuvre pour piano était
de composition à côté du peaufinage de sa technique incohérent. Il fut remplacé par « Sonate ». Aujourd’hui, la
pianistique. Symphonie no 2 est appelée Symphonie « Octobre » ; si, de
Œuvre d’un étudiant à temps plein, l’Opus 1 de ce nos jours, on rencontre rarement les titres originaux, ils
garçon âgé de treize ans—un scherzo pour piano, bientôt présentent des indices sur le caractère de ces deux œuvres.
orchestré—marqua le début de sa longue carrière de D’un autre côté, par leur impulsion et leur inspiration com-
compositeur. À un moment donné, il dut choisir, même si munes, les titres originaux révèlent la singulière méthode
les privations et incertitudes économiques de la nouvelle de composition dont chacune fait preuve. Une analyse
Russie l’obligèrent en 1923, alors qu’il avait dix-sept ans, de la première sonate et de la Symphonie no 2 montre

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 qu’elles ont bien plus de choses en commun que leurs La structure est plus facile à comprendre : de ce début
titres originaux. Elles montrent toutes deux certaines des tumultueux, la musique engendre une puissance et une
plus remarquables caractéristiques de Chostakovitch en concentration croissantes jusqu’à ce qu’elle semble en
matière de composition, et l’un de ses nombreux para- mesure d’exploser avec une totale énergie. Dans un passage
doxes : il serait difficile de citer un autre compositeur du de palpitante résistance à la traction, ut majeur est assailli
XXe siècle dont la musique est connue et admirée dans le de toute part avant d’être submergé par une attaque
monde entier, mais dans l’œuvre duquel d’indéniables implacable qui finit par tomber à trois fa dièses graves. À
chefs-d’œuvre restent inconnus. Dans ce groupe figurent la partir de là, meno mosso, la tonalité de fa dièse majeur
Sonate et la Symphonie « Octobre » de Chostakovitch. domine en grande partie ce qui suit. Lentement, inexor-
À l’époque de la première sonate, le langage musical ablement, la musique avance à pas mesuré et tombe,
de Chostakovitch s’était beaucoup développé. Dans la avec beaucoup moins de force, à un accord de sol mineur
symphonie, il révèle des tendances sérielles au sein de brièvement tenu contre lequel oscillent au-dessous fa et
structures largement tonales et des éléments de compo- fa dièse. Par ce moyen, fa dièse est rendu instable : c’est
sition à forme ouverte. Certainement instinctives de sa maintenant la note sensible de sol (elle-même dominante
part, de telles tendances étaient nouvelles en 1925 : dans la d’ut majeur, l’opposé de fa dièse majeur)—la note
sonate, la modernité et la virtuosité du jeune homme de « manquante » de la série initiale.
dix-neuf ans ne connaît aucune limite. Elle est foisonnante, On entrevoit un point d’une portée considérable, mais
iconoclaste, sans complaisance—un génie juvénile débor- un soudain allegro, qui commence sur un fa dièse répété,
dant, capable de stupéfier les auditeurs un siècle après avoir s’impose comme si la tonalité nous avait dupés, impression
été écrite. À la suite de cette sonate, Chostakovitch écrivit apparemment confirmée par les do dièses massifs répétés
dix Aphorismes pour piano, op.13—comme si, ayant à la basse sur un tremolando la–ré. La répétition cause
déclaré son génie dans la sonate en question, il avait besoin sa perte car, quasiment statique, il s’estompe peu à peu,
d’autres extrêmes formels : ils durent presque tous environ jusqu’à s’évanouir ou presque. Maintenant, il ne peut que
une minute. disparaître et, après une mesure sinueuse et lente dans le
Cette sonate est centrée sur ut majeur, avec une forte style d’une cadence, c’est ce qu’il fait, sur le do naturel, la
attraction pour la tonalité opposée de fa dièse majeur. note la plus grave du clavier.
L’œuvre débute rageusement, pleine d’impétuosité, avec Détendue et sobre, la musique vagabonde librement à
une invention divergente à deux parties, son chromatisme partir d’une large base. Décoré d’un filigrane intermittent,
acharné cachant une authentique série de onze notes, un thème douloureux formant une large voute (dont les
au sein de laquelle se trouvent sous deux aspects les deux premières notes sont à un intervalle de septième,
empreintes sérielles de Chostakovitch récurrentes tout au sol naturel et fa dièse) se déroule, englobant le très large
long de sa carrière—la note « manquante », sol (dominante éventail mélodique et tonal de l’œuvre : il s’achève aussi sur
de la tonalité de base d’ut majeur), et deux notes répétées un fa dièse grave contre lequel si, dont la dominante est fa
(fa dièse, la tonalité opposée), confirmant que ce qui peut dièse, se répète doucement.
sembler être un fatras de bruit doit être maîtrisé par la Tout devient alors plus clair : si est la septième de
logique individuelle. do—il semble que rien ne puisse chasser cette tonalité

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 profondément enracinée, le ressort principal de toute et, en matière de composition originale pour piano, il
l’œuvre. La tension se relâche et la musique se transforme s’était éloigné par la force des choses de son propre
en section finale. Reprenant des forces, elle affronte ce qui instrument.
semblait sur le point de la détruire—fa dièse—en jouant Comparés à la nature nécessairement publique de
un nouveau rôle et en renforçant la basse (et base) du la musique de théâtre et de film, les préludes sont plus
mouvement dans la cadence finale alors qu’une succession intimes, très courts par nature (mais différents des
tonitruante de do dièses à partir d’un fa dièse aigu frappé Aphorismes quant au caractère), formant un lien avec
précipite au sol le do naturel : l’immense conflit dramatique l’œuvre suivante de Chostakovitch, le Concerto pour
est terminé. piano no 1 (avec trompette et cordes), qu’il commença juste
Chostakovitch composa les 24 Préludes au cours de quatre jours après avoir achevé les préludes. Des analyses
l’hiver 1932 – 33, essentiellement à Léningrad, mais le séparées de chacune de ces pièces, dont l’atmosphère et le
no 8 fut écrit à Moscou. Ils sont tous datés et semblent caractère sont clairement définis, sont tout à fait superflues,
avoir été composés à la suite les uns des autres entre le 30 bien que plusieurs d’entre elles se démarquent en raison
décembre et le 2 mars, formant un cycle dans chacune de leur caractère singulier et de leur longueur relativement
des douze tonalités majeures et mineures de la gamme supérieure, ce qui en fait des morceaux qui peuvent se jouer
chromatique. Même si, dans des programmes de récital, ils séparément en récital, en particulier le prélude no 14 en mi
sont souvent joués séparément, ou en groupe de quelques bémol mineur.
morceaux choisis, il y a dans la manière dont le recueil a Cette remarquable étude fut transcrite (dès 1933) pour
été composé avec le cycle des quintes ascendantes qu’ils grand orchestre par Leopold Stokowski, qui enregistra sa
couvrent (la tonalité majeure, suivie du relatif mineur : version au moins quatre fois. Parmi les autres arrange-
ainsi, le premier est en ut majeur, le deuxième en la ments, on en compte plusieurs pour violon et piano ; il y a
mineur ; le troisième en sol majeur, le quatrième en mi eu aussi un enregistrement du no 17 pour clarinette et
mineur, et ainsi de suite) un impact maximum qui se orchestre interprété par le clarinettiste de jazz Artie Shaw
révèle lorsqu’ils sont exécutés à la suite les uns des avec l’Orchestre symphonique Columbia sous la direction
autres, comme un recueil, bien que le compositeur n’en de Walter Hendl.
ait enregistré que des extraits. Mais, quels que soient la longueur et le moyen d’expres-
De même qu’on peut relever le contraste qui existe sion, chaque prélude est la preuve, si tant est qu’il en fallait
entre le recueil des Aphorismes et les œuvres précédentes une, que Chostakovitch pouvait distiller son génie dans
de ce musicien, de même les 24 Préludes suivent une les modules les plus réduits, tout comme, bien sûr, dans
série de musiques de scène et de film, ainsi que la plus l’exploration à grande échelle, où il allait bientôt se lancer
vaste composition de Chostakovitch, son opéra en quatre avec sa Symphonie no 4. Le sort de cette œuvre, comme
actes Lady Macbeth du district de Mtsensk, op.29 (1932). celui de Chostakovitch lui-même en raison de la condam-
Depuis la sonate et les Aphorismes, Chostakovitch avait nation de sa musique en 1936 sur des bases politiques, ainsi
écrit beaucoup de musique pour orchestre (notamment que sa réhabilitation ultérieure au sein de l’art soviétique
deux autres symphonies et le ballet L’Âge d’or—une grâce à sa Symphonie no 5 composée l’année suivante
suite de concert tirée de ce dernier s’avérant très populaire) dépasse le cadre de ces notes. Mais il est intéressant de

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 considérer qu’en 1943, l’année de sa Sonate pour piano L’utilisation que fait Chostakovitch de cellules d’inter -
no 2, son œuvre comprenait sept symphonies et, dans le valles est surtout marquée dans les premiers thèmes de
mois qui suivit la création de cette sonate qu’il donna chaque mouvement : par exemple, l’allegretto débute par
en juin de cette année-là, il commença son immense une tierce mineure, le largo par une quarte descendante,
Symphonie no 8 (achevée en six semaines). le finale par une quinte ascendante. Un tel « étirement »
Si on la compare à l’ampleur des septième et huitième des intervalles est inhabituel—mais pas unique dans
symphonies, la Sonate pour piano no 2 de Chostakovitch l’œuvre de ce compositeur. En un sens, le finale pourrait
est presque un contrepoids formel à ces œuvres, avec son presque constituer une pièce séparée, comme une très
finale qui en est le mouvement le plus long, le premier vaste série de variations sur un thème long et sinueux
mouvement—rapide mais (comme si souvent chez Chosta- étrangement facile à mémoriser (il se pourrait bien que
kovitch) marqué allegretto ce qui semble paradoxal—étant ce mouvement ait été écrit en premier). Le sujet suggère
le moins chargé d’émotion. Une telle remarque est plus au début qu’il a été élaboré à partir de fragments réunis,
apparente que réelle toutefois, car l’oscillation rythmique proliférant peu à peu pour former une structure de sonate
du mouvement initial n’est pas une parade tonitruante, entièrement cohérente. On peut entrevoir quelque chose
mais se rapproche davantage de l’idée rapide d’activité du processus de composition de Chostakovitch dans le
intense et concentrée. Le deuxième mouvement, une premier mouvement de la sonate : dans le Volume 39 de
lamentation largo, s’articule parfaitement avec la musique l’Édition complète originale, il y a une première version
vive de l’allegretto, mais il est bien plus que ça. Comme le d’un passage. Mais il ne fait aucun doute que la version
Trio avec piano qui lui fera suite, cette sonate est une œuvre finale est préférable.
commémorative, dédiée au pédagogue du piano et compo- Il y a beaucoup d’atmosphères dans le finale, qui
siteur Leonid Nikolaïev, mort à Tachkent en octobre 1942 à ontun réel impact et s’écoulent de façon continue. Dans
l’âge de soixante-quatre ans. Nikolaïev fut l’un des premiers les dernières pages, on perçoit les composantes des trois
professeurs de Chostakovitch au Conservatoire de Petrograd mouvements réunies par le biais d’une synthèse magi-
(où il enseignait depuis 1906) ; le deuxième mouvement strale : les doubles croches du premier mouvement sont
est certainement une épitaphe pénétrante pour ce musicien associées à la solennité du largo par le thème principal
accompli. du finale—la maîtrise symphonique du compositeur
Comparée à celle de la première sonate, la clarté relative n’est pas totalement abandonnée dans cette œuvre, une
de la base tonale de la seconde sonate agit comme un point réussite aussi impressionnante en matière de composition
d’ancrage du début à la fin. Assez fermement enracinée en que la première sonate.
si mineur, c’est la tonalité d’origine qui imprègne le premier La dénonciation de Chostakovitch dans la Pravda en
mouvement et le finale : le largo tombe à la bémol majeur/ février 1936 portait sur Lady Macbeth du district de
mineur, tierce mineure descendante qui marque le début Mtsensk. Staline s’était rendu peu avant à une représen-
du premier thème de cette sonate. La tonalité gravit le tation de cette œuvre qui remporta un immense succès :
même intervalle pour le finale, dont la longueur relative a mais elle dépassait totalement son entendement et sa
déjà été mentionnée. À lui seul, ce finale est aussi long que compréhension musicale. L’éditorial de la Pravda condamna
la première sonate. une autre œuvre scénique de Chostakovitch, son troisième

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 ballet Le clair ruisseau, dont une production avait été chanson Youri Gagarine chantée lors du premier voyage
créée à Moscou deux mois plus tôt. d’un homme dans l’espace était de Chostakovitch ; le tube
Cette critique fut difficile à comprendre : Le clair du trompettiste de jazz Kenny Ball « Minuit à Moscou » est
ruisseau raconte l’histoire d’une ferme collective à Kuban tiré de la comédie musicale de Chostakovitch Moscou,
visitée par une troupe de ballet, apportant la culture aux Tchériomouchki (1958) ; le mouvement lent de son
travailleurs. Une liaison entre une jeune fille élevée dans Concerto pour piano no 2 et le Nocturne du Taon sont
une ferme, Zina, et un danseur, Harmoniste, résume le devenus des succès populaires au Royaume-Uni comme
conflit des mœurs sociales mais ce sont finalement les génériques à la télévision.
fermiers qui réussissent à enseigner les relations humaines Ce compositeur avait une capacité profonde à embrasser
aux raffinés. On aurait pu penser qu’un tel livret serait de nombreux styles musicaux, ce qui a pu bel et bien lui
politiquement correct à cette époque : l’éditorialiste croyait sauver la vie. Le Nocturne de l’Acte II du Clair ruisseau
sans doute qu’il devait mettre toute la musique de Chosta- est un autre exemple : il dépeint la liaison entre Galia,
kovitch dans le même sac. la ballerine, Zina, et son mari danseur Piotr. Zina est
Mais la musique reste, sauvée de l’oubli (comme toute déguisée ; lorsqu’elle entre, Piotr ne la reconnaît pas.
la musique « interdite » de Chostakovitch). Une partie était Et quand il réalise que c’est elle, son étonnement donne
déjà connue en Russie soviétique durant la période de lieu à leur Nocturne adagio, d’une tendresse et d’une
l’après 1936 grâce à des mouvements isolés qui ont refait sensibilité sincères, dont la popularité aux yeux et aux
surface sous d’autres formes. Malgré le génie artistique et oreilles des Soviétiques survécut à la condamnation de
intellectuel de ses meilleures œuvres, Chostakovitch était Staline et de ses laquais.
aussi un compositeur de musique populaire célèbre : la ROBERT MATTHEW-WALKER © 2019
Traduction MARIE-STELLA PÂRIS

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 SCHOSTAKOWITSCH Präludien & Klaviersonaten
MITRI SCHOSTAKOWITSCH wurde im September erheit den Siebzehnjährigen 1923 dazu zwang, als Stumm-
1906 in St. Petersburg geboren, acht Monate filmpianist dringend benötigtes Geld für die Familie zu
nachdem dort eine glücklose Revolte skrupellos verdienen. Zur selben Zeit komponierte er seine Abschluss-
niedergeschlagen worden war—ein Ereignis, dessen er ein arbeit, die 1. Sinfonie op. 10, vollendet drei Monate vor
halbes Jahrhundert später in seiner 11. Sinfonie gedenken seinem neunzehnten Geburtstag.
sollte. Die Sinfonie enthält auch eine Klavierstimme, die
Die angeborene Musikalität des Knaben wurde von besonders im Scherzo hervortritt, seinem dritten Orchester-
seiner Mutter gefördert, einer Klavierlehrerin, die am stück dieser Art. Die Uraufführung im Jahr darauf unter
Petersburger Konservatorium studiert hatte. So war zu dem berühmten Nikolai Malko geriet zum sensationellen
erwarten, dass das Klavier Dmitris Haupt- und einziges Erfolg. Zwei Monate später spielte er, immer noch achtzehn-
Instrument werden würde; er wurde ein glänzender Pianist. jährig, als Solist in Tschaikowskys 1. Klavierkonzert und trat
Als er 1915 mit ernsthaften Klavierstudien bei seiner Mutter beim Chopin-Wettbewerb in Warschau an; er gewann zwar
begann, erwachte so gut wie gleichzeitig der Wunsch in ihm, nicht den Wettbewerb, doch das besondere Lob der Jury.
zu komponieren—ein Drang, der ihn nie wieder loslassen Bald darauf, zurück in Leningrad, spielte er Prokofjews 1.
sollte. Klavierkonzert und war einer der vier Pianisten in der
Darin ähnelten Schostakowitschs frühe musikalische russischen Erstaufführung von Strawinskys Ballett Les
Erfahrungen denen seines unmittelbaren Vorläufers und Noces. Doch allen pianistischen Lorbeeren zum Trotz: Das
Landsmannes Sergei Prokofjew und auch denen, die wenig Komponieren reizte ihn mehr.
später ein künftiger Kollege, Benjamin Britten, machen 1926 und 1927 schrieb Schostakowitsch zwei Werke
sollte. Im Unterschied zu seinen russischen Landsleuten mit fast gleichlautenden Titeln. Das eine, schließlich
beherrschte dieser auch Geige und Bratsche, zwei Instru- zu Klaviersonate Nr. 1 umbenannt, hieß ursprünglich
mente, die damals als austauschbar behandelt wurden. „Sinfonie op. 12 ‚Oktober‘“; das Orchesterwerk, das
Die russische Revolution von 1917 öffneten die Augen wirheute als Sinfonie Nr. 2 op. 14 kennen, wurde unter
und Ohren Dmitris: Er erlebte eine Welt, in der das dem Titel An den Oktober: Eine sinfonische Zueignung
Hergebrachte in Stücke ging—eine weiße Leinwand, uraufgeführt. Nach der Premiere des Opus 14 konnte
die Platz für alles nur Denkbare bot. Und oft ereignete es es nicht beim ursprünglichen Titel des Klavierwerks
sich auch—in der Gesellschaft, der Politik, der Kunst bleiben; es wurde zur „Sonate“. Die 2. Sinfonie wird heute
und, besonders für Dmitri, in der Musik; denn während er als „Oktobersinfonie“ bezeichnet; und obwohl man die
sein Klavierspiel vervollkommneten, war er stets auch den ursprünglichen Titel nur selten liest, geben sie Hinweise auf
neuesten Entwicklungen im Komponieren auf der Spur. den Gehalt beider Werke. Auch in anderer Hinsicht deuten
Mit dreizehn Jahren kam er ans Konservatorium, die Titel mit ihrer gemeinsamen Zielrichtung auf die
und mit seinem Opus 1—einem Scherzo für Klavier, das eigentümliche Kompositionsweise hin, welche die Werke
er bald auch orchestrierte—begann er sein Schaffen jeweils aufweisen. Ein genauerer Blick auf die 1. Sonate und
als Komponist. Irgendwann würde er sich entscheiden die 2. Sinfonie zeigt, dass sie mehr miteinander gemein
müssen—obgleich zunächst die nackte Not und Unsich- haben als ihre ursprünglichen Titel. An beiden lassen

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 sich typische Mittel des Komponisten Schostakowitsch Konzentration, bis sie mit ungehemmter Kraft ausbricht. In
zeigen—ebenso wie einer seiner Widersprüche: Sicher einem Verlauf von packender Anspannung wird C-Dur von
wäre es schwer, einen Komponisten des 20. Jahrhunderts allen Seiten bestürmt, bevor es von einem gnadenlosen
zu finden, dessen Musik so weit verbreitet und berühmt Angriff überwältigt wird, der schließlich mit einem drei-
ist, in dessen Œuvre sich jedoch auch Meisterwerke finden, fachen tiefen Fis endet. Von hier an, „meno mosso“ im
die unbekannt geblieben sind. Zu ihnen zählen die beiden Tempo, dominiert Fis-Dur große Teile des Folgenden. Die
„Oktober“-Stücke. Musik schreitet langsam und unaufhaltsam voran und sinkt
Als er seine 1. Sonate schrieb, hatte sich Schostakowitschs gänzlich kraftlos auf einen tiefen g-Moll-Akkord hinab, unter
Stil enorm weiterentwickelt. In der Sinfonie tritt eine dem F und Fis gegeneinander oszillieren. So wird das Fis
Tendenz zur Reihenkomposition innerhalb eines tonalen destabilisiert und zum bloßen Leitton von G, der Dominante
Rahmens zutage, dazu Elemente durchkomponierter der gegensätzlichen Tonart C-Dur—und jener Note, die in
Mehrsätzigkeit. Diese Früchte seines kompositorischen der Reihe vom Werkanfang fehlt.
Gespürs waren 1925 noch ganz neu. Die Modernität und In der Ferne blitzt ein Ziel auf, doch ein unvermitteltes,
Virtuosität des Neunzehnjährigen kennt in der Sonate keine mit einem wiederholten Fis beginnendes Allegro steigt auf,
Grenzen. Sie ist ein einziges Gewimmel, ein Bildersturm, ganz als ob die Tonart uns in einen Hinterhalt gelockt
eine Absage an den Kompromiss; sie zeigt ein jugendliches hätte—ein Eindruck, den ein mächtiges, wiederholtes
Genie in voller Kraft, das noch ein Jahrhundert später Cis über einem A–D-Tremolo zu bestätigen scheint. Die
seine Zuhörer zu verblüffen vermag. Diesem stürmischen Wiederholung erweist sich jedoch als sein Untergang:
Werk ließ Schostakowitsch die zehn Aphorismen für Gleichsam erstarrt, wird es immer schwächer, bis es
Klavier op. 13 folgen—ganz so, als drängte es ihn nach sich fast ins Nichts zurückzieht. Nun kann es nur noch
der geballten Kraft der Sonate in das andere formale absinken—und nach einem verschlungen-langsamen
Extrem: Fast alle dauern sie nur etwa eine Minute. kadenzartigen Takt tut es das auch, hinab auf C, die
C-Dur bildet das tonale Zentrum der Sonate, wobei tiefste Note auf der Klaviatur.
sie einen starken Zug in Richtung Fis-Dur zeigt, der im Gelassen und gefasst entwickelt sich die Musik nun
Quintenzirkel entgegengesetzten Tonart. Das Stück beginnt frei schweifend über einem breiten Fundament. Nun
wütend, hitzig und drängend mit einer auseinanders- entfaltet sich, mit feinen Verzierungen versehen, ein
trebenden zweistimmigen Invention; hinter seiner wilde weitgeschwungenes, schmerzhaftes Thema, beginnend
Chromatik verbirgt sich eine Elftonreihe. In ihr werden mit der großen Septime G–Fis. Es nimmt das ganze,
zwei Aspekte des Reihenkomponierens erkennbar, wie unermesslich breite tonartliche Spektrum des Werkes
Schostakowitsch es in seinem gesamten Schaffen pflegte: in sich auf. Auch dieser Abschnitt schließt auf einem
das Fehlen des Tons G, Dominante der Zentraltonart C-Dur, tiefen Fis, über dem leise ein H wiederholt wird; es wäre
und die Wiederholung des Tons Fis, der entgegengesetzten die Tonika zur Dominante Fis.
Tonart. In dem scheinbaren Lärmen verbirgt sich also eine Nun klärt sich manches: H ist Leitton zu C—es scheint,
ganz eigentümliche Logik. als könne nichts diese tiefverwurzelte Tonart auslöschen,
Leichter zu erfassen ist der Aufbau: Ausgehend von den Ursprung des gesamten Stücks. Die Spannung löst sich,
diesem heftigen Anfang gewinnt die Musik an Kraft und der Schlussabschnitt des Werks beginnt. Es gewinnt an Kraft

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 und tritt schließlich dem Fis entgegen, dem es beinahe Nr. 1 (für Klavier, Trompete und Streicher), das er nur vier
zum Opfer gefallen wäre. In der Schlusskadenz des Satzes Tage nach dem Abschluss der Präludien beginnen sollte. Es
verstärkt das Fis den Bass (und das Fundament) des Satzes; ist überflüssig, jedes dieser Stücke einzeln zu kommen-
ein hohes Fis wie ein Dolchstich, dann schleudert eine tieren, so klar sind alle nach Stimmung und Charakter
donnernde Folge von Cis-Wiederholungen das C in die Tiefe. umrissen. Einzelne fallen allerdings auf durch besondere
Der unermesslich dramatische Kampf ist ausgekämpft. Prägung und Länge; sie erklingen häufig im Konzert,
Schostakowitsch schrieb seine 24 Präludien im Winter besonders die Nr. 14 in es-Moll.
1932–33 größtenteils in Leningrad; nur die Nr. 8 entstand Dieses bemerkenswerte Stück wurde bereits 1933 von
in Moskau. Jedes Präludium trägt ein Datum: Offenbar Leopold Stokowski orchestriert; er nahm es nicht weniger
wurden sie der Reihe nach vom 30. Dezember bis zum 2. als viermal auf. Außerdem wurde es mehrmals für Klavier
März komponiert. Sie bilden einen Zyklus aus jeder der und Violine arrangiert; es existiert auch eine Aufnahme
zwölf Dur- und Molltonarten der chromatischen Tonleiter. von Nr. 17 mit dem Jazzklarinettisten Artie Shaw mit dem
Häufig werden sie einzeln oder gruppenweise aufgeführt. Columbia Symphony Orchestra unter Walter Hendl.
Die Kompositionsweise des Zyklus jedoch und seine Folge Doch ungeachtet der Länge oder des Klangwerkzeugs: In
von verwandten Dur- und Molltonarten in aufsteigenden jedem dieser Präludien erweist sich—wenn es dessen denn
Quinten—das erste Stück steht in C-Dur, das zweite in a- bedurfte—Schostakowitschs Fähigkeit, sein Genie auf die
Moll; dann folgen G-Dur und e-Moll usw.—deuten darauf kürzeste denkbare Zeitdauer zu konzentrieren—ganz wie
hin, dass sie am besten zur Wirkung kommen, wenn sie im er natürlich bald, in seiner 4. Sinfonie, die äußerste zeitliche
Ganzen und in der vorgesehenen Reihenfolge erklingen. Der Ausdehnung ausloten würde. Welches Schicksal diesem
Komponist selber hat allerdings nur Auszüge eingespielt. Werk und Schostakowitsch selber beschieden sein sollte,
So wie die Aphorismen im Gegensatz zum unmittelbar nachdem seine Musik 1936 aus politischen Gründen
vorausgegangenen Werk des Komponisten stehen, so folgten denunziert wurde; wie ihm mit seiner 5. Sinfonie im Jahr
die 24 Präludien einer Reihe von Bühnen- und Film- daraus seine Rehabilitation in der Sowjetkultur glückte:
musiken sowie dem umfänglichsten Werk Schostakowitschs, Alles dies kann hier nicht behandelt werden. Doch bleibt
der vieraktigen Oper Lady Macbeth von Mzensk, op. 29 festzuhalten, dass er 1943, im Jahr der Klaviersonate
(1932). Nach der Sonate und den Aphorismen hatte Nr. 2, sieben Sinfonien komponiert haben würde; und dass
Schostakowitsch viel Orchestermusik geschrieben, darunter er nur einen Monat nach der von ihm selber gespielten
zwei weitere Sinfonien und das Ballett Das goldene Uraufführung der Sonate im Juni jenes Jahres seine
Zeitalter; eine daraus gewonnene Orchestersuite wurde gewaltige 8. Sinfonie beginnen und in sechs Wochen
zum beliebten Konzertstück. Vom Komponieren für sein fertigstellen würde.
eigenes Instrument hatte ihn das zwangsläufig abgehalten. Vergleicht man die zweite Sonate mit den sehr groß
Wenden sich Bühnen-, Opern- und Filmmusik an angelegten Sinfonien Nr. 7 und 8, so wirkt ihr Finale, der
das große Publikum, so sind die Präludien intimer und längste Satz, beinahe wie ein formales Gegengewicht dazu.
naturgemäß kurz angelegt, wenn auch in ganz anderer Ihr erster Satz, rasend schnell und doch—in der für
Weise als die Aphorismen. Sie schlagen eine Brücke zu Schostakowitsch typischen, scheinbar widersprüchlichen
Schostakowitschs nachfolgendem Werk, dem Klavierkonzert Art—Allegretto bezeichnet, wirkt in emotionaler Hinsicht

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 kühl. Doch der Schein mag trügen, denn das rasche Tempo könnte einen Blick auf den Schaffensprozess erlauben: In
des Kopfsatzes ist kein lautes, alles niedertrampelndes Band 39 der alten Gesamtausgabe ist eine Passage in einer
Rasen, sondern kommt eher dem blitzschnellen Denken frühen Fassung abgedruckt; die Endfassung ist jedoch
bei angespannter, hochkonzentrierter Tätigkeit gleich. Der zweifellos die gelungenere.
zweite Satz, ein klagendes Largo, schafft den perfekten Das Finale umfasst ein breites Spektrum an Stim-
Gegensatz zur leichtfüßigen Musik des Allegretto—und mungen, dichtgedrängt und stets im Fluss. Im Schluss-
ist doch selber viel mehr. Wie das Klaviertrio, das folgen abschnitt werden die thematischen Stränge der drei Sätze
sollte, ist die Sonate ein Werk „in memoriam“: Es ist dem zusammengeführt: Die Sechzehntel des ersten Satzes
Klavierpädagogen und Komponisten Leonid Nikolajew werden mit dem Ernst des zweiten Satzes kombiniert—
gewidmet, der im Oktober 1942 im Alter von 64 Jahren in während das Hauptthema des Finales erklingt. Der
Taschkent gestorben war. Nikolajew gehörte zu den ersten Sinfoniker Schostakowitsch gibt sich hier zu erkennen,
Lehrern Schostakowitschs am Konservatorium in Petrograd, und das auf ebenso eindrückliche Weise wie in der ersten
wo er seit 1906 als Professor lehrte; der zweite Satz ist als Sonate.
eindringlicher Grabspruch auf diesen großen Musiker zu Die vernichtende Kritik Schostakowitschs in der Prawda
verstehen. im Februar 1936 galt vor allem der Oper Lady Macbeth
Die im Vergleich mit der 1. Sonate größere tonartliche von Mzensk. Stalin hatte kurz zuvor eine Vorstellung des
Klarheit der Sonate Nr. 2 verankert das ganze Werk in einem Erfolgsstücks besucht; es überstieg sein Fassungsvermögen
stabilen h-Moll. Es zieht sich durch den ersten Satz und und Musikverständnis. Die Kritik warf sich auch auf ein
das Finale; das Largo sinkt nach As-Dur/as-Moll ab— anderes Werk Schostakowitschs, sein drittes Ballett Der
um eine kleine Terz, wie sie das erste Thema der Sonate klare Bach, das zwei Monate zuvor in Moskau erstmals
kennzeichnet. Die Tonart steigt zum Finale hin wieder um erklungen war.
eine kleine Terz an; einem Finale, das allein so lang ist wie Sie war nicht recht verständlich: Der klare Bach erzählt
die gesamte 1. Sonate. von einer Kolchose am Kuban, auf der eine Balletttruppe
Wie Schostakowitsch mit intervallischen Zellen arbeitet, gastiert, die den Bauern die Hochkultur nahebringen
wird an den ersten Themen beider Sätze besonders deutlich. soll. In der Liebelei zwischen dem Bauernmädchen Zina
So beginnt das Allegro etwa mit einer kleinen Terz, das Largo und dem Tänzer Harmonist prallen die Lebenswelten von
mit einem Quartfall und das Finale mit einem Quintsprung. Stadt und Land aufeinander; doch schließlich sind es die
Ein solches sukzessives Dehnen eines Intervalls ist Bauern, die den Stadtleuten eine Lektion über menschliches
ungewöhnlich, dabei aber nicht einzigartig im Gesamt- Miteinander erteilen. Ein solches Libretto hätte eigentlich
schaffen des Komponisten. Das Finale könnte beinahe für keine Schwierigkeiten mit der offiziellen politischen Linie
sich allein stehen; es bildet eine ausgedehnte Variationsfolge aufwerfen sollen. Der Prawda-Kritiker jedoch hielt es
über ein langes, gewundenes und doch eigenartig eingängiges offenbar für geboten, Schostakowitschs Musik in Bausch
Thema; es ist denkbar, dass Schostakowitsch diesen Satz als und Bogen zu verdammen.
ersten vollendete. Das Thema wirkt zunächst so, als sei es Die Musik hat überlebt und konnte, wie alle einmal
zusammengeflickt; erst nach und nach verbreitert es sich verbotenen Werke Schostakowitschs, dem Vergessen entrissen
zu einer zusammenhängenden Sonatenform. Der erste Satz werden. Einige Sätze wurden nach 1936 in Russland unter

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 anderem Titel bekannt. Bei aller künstlerischen Meister- Es war diese Fähigkeit des Komponisten, in vielen
schaft und intellektuellen Tiefe, die aus Schostakowitschs verschiedenen Stilen zu schreiben, die ihm wohl buch-
großen Werken spricht, war er auch bekannt für Musik, stäblich das Leben rettete. Auch das Nocturne aus dem 2.
die den Massengeschmack ansprach. Das Lied, das Juri Akt des Klaren Bachs ist ein Beispiel dafür: Es schildert die
Gagarin bei seinem ersten Weltraumspaziergang sang, Beziehung zwischen der Ballerina Galya, Zina und ihrem
war von Schostakowitsch; „Midnight in Moscow“, ein Hit des Ehemann Pjotr. Zina hat sich verkleidet, und Pjotr erkennt
Jazztrompeters Kenny Ball, entstammte Schostakowitschs sie nicht, als sie das Zimmer betritt. Als sie sich zu erkennen
Operette Moskau, Tscherjomuschki von 1958; der langsame gibt, ist er überrascht; die Szene mündet in dieses Adagio-
Satz seines 2. Klavierkonzerts und das Notturno aus Die Nocturne voll echter Zärtlichkeit. Das beliebte Stück sollte
Stechfliege waren Schlager in Großbritannien, wo sie als die Verurteilung durch Stalin und seine Schergen überleben.
Titelmelodien zu Fernsehsendungen Verwendung fanden. ROBERT MATTHEW-WALKER © 2019
Übersetzung FRIEDRICH SPRONDEL

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22 www.hyperion-records.co.uk